Silencio, por favor

Recordemos a... Marcello Mastroianni

2009-08-02T18:02:00.006+02:00

Marcello Vincenzo Domenico Mastroianni nació el 28 de septiembre de 1924 en Fontana Liri, un pequeño pueblo en los Apeninos a unos 90 km de Roma, hijo de Ida y Ottone Mastroianni, dueño de una carpintería. Tras vivir sus primeros años en su pueblo natal, su familia se mudaría a Turín, y algún tiempo después darían otro paso trasladándose a la bulliciosa capital italiana. Su infancia y juventud transcurrieron tranquilas y sin hechos reseñables, hasta que llegó la II Guerra Mundial.

Durante los primeros años de la Gran Guerra pudo mantenerse alejado de ella y trabajar como delineante en Roma, pero finalmente los nazis lo detuvieron y enviaron a un campo de trabajos forzados al norte de Alemania. Sin embargo, tuvo la suerte de lograr huir de él y poder regresar a Italia. Venecia fue su escondite hasta que acabó la guerra y pudo retomar una vida normal.

En 1945 pudo felizmente regresar a Roma, sin sospechar que poco después aceptaría un trabajo como contable en la productora Eagle Lion. Además de este sueldo decidió ganar un dinero adicional trabajando en pequeños papeles con un grupo de intérpretes local. Con estos dos trabajos que tenían como nexo el mundo interpretativo, no es de extrañar que decidiera estudiar interpretación en la universidad romana. Poco después Luchino Visconti se fijaría en él durante una de sus interpretaciones, por lo que decidiría contratarlo para diversas de sus obras, convirtiéndose en un miembro habitual de su compañía. Con ellos realizaría representaciones de obras tan emblemáticas como 'Un tranvía llamado deseo' o 'Muerte de un viajante'.

Su primer papel en el mundo del cine, por el momento como secundario de escasa importancia, sería en I miserabili, adaptación de la novela de Victor Hugo a cargo de Riccardo Freda del año 1948, el mismo año en que contraería matrimonio con la actriz Flora Carabella, con la que tendría un hijo. Durante bastantes años realizó papeles poco importantes en producciones que rarísima vez salían de las fronteras italianas. En 1955 protagonizaría junto a Vittorio de Sica y Sophia Loren Peccato che Sia una Canaglia, de Alessandro Blasetti, un proyecto que le permitió lograr algo de fama dentro de Italia, aunque sus proyectos seguían siendo por lo demás de escasa repercusión. En estas circunstancias el propio actor comenzó a perder el interés por la interpretación al no lograr mejorar su situación, pero entonces Visconti decidió recurrir de nuevo a sus servicios, pero esta vez en el mundo del cine.

Le Notti Bianche supuso su reencuentro y reavivó el interés del italiano por au trabajo. Poco después lograría su primer éxito fuera de Italia con su papel secundario en I Soliti Ignot, thriller clásico de Monicelli. Pero su revelación internacional llegó en 1960 de la mano de la obra maestra de Fellini La Dolce Vita, donde Mastroianni interpretaba a un columnista desilusionado. Su siguiente papel reseñable vino de la mano de Antonioni con La Notte, en 1961, donde de nuevo su expresión distanciada y sobriedad encajaron en el ambiente de emociones contenidas del film.

En 1962 lograría uno de sus mayores éxitos con Divorzio all'italiana, una comedia negra de gran éxito en todo el mundo, de Pietro Germi. Con ella llegarían sus primeros premios, entre ellos un Bafta, un Globo de Oro y su primera nominación al Oscar al mejor actor, por interpretar a un barón italiano que planea el asesinato de su esposa como un sustituto del divorcio al no estar todavía permitido en Italia. Al año siguiente comenzaría sus proyectos internacionales a las órdenes de Louis Malle con Vie privée al lado de Brigitte Bardot, logrando otro importante éxito de taquilla. En poco tiempo se convirtió en el actor más solicitado en el continente europeo junto a Jean-Paul Belmondo, por lo que se habituaría a trabajar con algunos de los cineastas italianos más importantes. En 1963 rodaría otro título emblemático a las órdenes de Fellini, 8½, donde encarnaba al director en plena crisis artística Guido Anselmi, en una disfrazada autobiografía del director italiano. Al año siguiente repetiría éxito de taquilla con Matrimonio all'Italiana, secuela de su exitosa comedia negra de pocos años atrás.

Muchos de sus papeles en sus grandes éxitos explotaban de diversos modos su faceta de seductor, lo que le llevó a convertirse en uno de los referentes como “latin lover”, imagen con la que él no estaba contento, por lo que intentaría participar en films que se centrasen en otros aspectos de su personaje. Le seguirían obras como Oggi Domani Dopodomani o La Decima Vittima antes de volver con Visconti para su adaptación de la obra de Camus en Lo Straniero, para a continuación realizar su primer trabajo interpretativo en lengua inglesa con Diamonds for Breakfast. John Boorman y Vittorio de Sica lo dirigirían respectivamente en Leo the Last y A Time for Lovers, sus dos siguientes producciones internacionales, y ambas importantes fracasos. Por este motivo decidió volver a la comodidad que le brindaba el cine italiano.

Durante los años 70 protagonizaría obras como Roma, de nuevo con Fellini, o Che? a las órdenes de Roman Polanski. También trabajaría al lado de Catherine Deneuve en numerosas películas, empezando un sonado romance con ella del que nacería su segundo hijo. En el año 77 lograría su segunda nominación al Oscar con un nuevo éxito, Una giornata particolare, en la que compartía pantalla con Sophia Loren. A partir de entonces, y a pesar de que mantuvo un volumen de trabajo importante, con varias películas estrenadas cada año, su éxito en taquilla y caché fueron disminuyendo debido a diversos fracasos y decepciones entre ellos.

Sus interpretaciones fuera de Italia serían cada vez menores, aunque nunca perdería el aprecio de la crítica, como demuestra su premio al mejor actor en Cannes y tercera nominación al Oscar por Oci Ciornie, de Nikita Mikhalkov, en 1987. Con ésta se convertiría en el actor con mayor número de nominaciones por interpretaciones en lengua no inglesa, récord que aún ostenta a día de hoy, además de ser, junto a Jack Lemmon y Dean Stockwell, el único actor que ha recibido dos veces el premio al mejor actor en Cannes (ya lo había conseguido en 1970 por Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca)).

A principios de los 90 trabajaría, entre otros, con Robert Altman en Prêt-à-Porter y Raoul Ruiz en Trois vies & une seule mort, además de compartir cartel con Shirley MacLaine, Kathy Bates y Jessica Tandy en Used People. Sostiene Pereira supondría otro importante éxito para él, reportándole un nuevo premio David previo a su última interpretación en Viagem ao Princípio do Mundo, de Manoel de Oliveira. Al año siguiente sería elegido receptor del premio David honorífico tras haber participado en más de 120 películas, pero un cáncer de páncreas segaría su vida antes de que pudiera recogerlo.

Marcello Mastroianni, posiblemente el actor italiano más internacional de la historia, eterno galán y actor fetiche de Fellini y Visconti, murió debido a las complicaciones de un cáncer de páncreas en París, Francia, el 19 de diciembre de 1996, y fue enterrado en el cementerio Monumentale di Verano en Roma, Italia. Tenía 72 años.

Fuentes: Wikipedia, IMDB, MarcelloMastroianni.com

Sean Bean "El malo"

2009-06-04T21:25:00.005+02:00

Tengo una duda: ¿Alguna vez el actor Sean Bean ha hecho algo que sea el papel del malo de la película?

Ya, ya sé que seguro que sí, y no tengo más que consultar a IMDB, pero siempre que le veo en una película pienso "ahí está el malo...", desde Juego de patriotas a El señor de los anillos, pasando por Goldeneye... Siempre le recuerdo en personajes de ese pelo. (Vale, vale, en El señor de los anillos no era el malo de la función, pero era Boromir, un personaje fácilmente corrompible y un tanto oscuro).

Dudas que me surgen de vez en cuando.

Bud Spencer haciendo lo que mejor sabe

2009-05-19T20:46:00.008+02:00

Espero que me permitais un post que no es estrictamente cinematográfico, pero casi, y es por ello por lo que lo incluyo.

Estos días están emitiendo en televisión un anuncio que realmente me hace mucha gracia, que es un claro homenaje a las antiguas películas que hacía el gran (por su tamaño, claro) Bud Spencer, cuyo nombre real es Carlo Pedersoli. Lo de menos es lo que promocionan, ya que lo bueno es ver a este orondo actor en plena acción, aunque al pobre se le ve ya mayor... El anuncio es el siguiente:

Asi eran sus películas, junto a su compañero en tantas películas Terence Hill. Le llamaban Trinidad, Y si no... nos enfadamos, Dos superpolicías, Par impar, Quien tiene un amigo... tiene un tesoro, etc. Esas son algunas de las películas que coprotagonizaron, y todas eran iguales: mamporrazo limpio, que era lo que gustaba ver.

Algunas imágenes y pósters de sus películas:

Estoy entre hipopótamos

Le llamaban Trinidad

Dos super dos

Banana Joe

Hace pocas semanas los chicos de Muchachada Nui le hicieron también un homenaje, a su manera, en una de sus secciones. Si quieres puedes verlo aquí (yo creo que a estos chicos el hombre les cae bien. No sería de extrañar, con tantos buenos ratos que nos hizo pasar a tantos con aquellas películas... ¡menudos golpetazos metía!).

Con esta entrada, por mi parte, me gustaría unirme a estos homenajes a Bud Spencer.

Españoles en los Oscar

2009-05-12T12:35:00.010+02:00

Habrá gente que piense que en los Oscar de Hollywood sólo han estado Pedro Almodóvar, Javier Bardem y Penélope Cruz. Pues nada de eso. Antes de ellos ha habido unos cuantos españoles que han podido disfrutar de toda esa parafernalia que significan los premios de la Academia de Cine Estadounidense, y son muchos más de los que se pueda pensar.

Intentaré enumerarlos aquí y espero no olvidarme ninguno, primero mencionaré a los que no consiguieron la estatuilla, y seguidamente, a los que sí lo hicieron (algunos nombres aparecen en ambos apartados ya que en unas ocasiones fueron candidatos al premio y en otras lo consiguieron):

A LAS PUERTAS DEL OSCAR

Antoni Clavé (1952): Mejor vestuario y mejor dirección artística por El fabuloso Andersen

Juan Antonio Bardem (1958): Su película La venganza fue la primera película española nominada a los Oscar.

Luis García Berlanga (1961): Mejor película extranjera con la genial e incisiva Plácido.

Francisco Rovira Veleta (1963 y 1967): Sus películas Los Tarantos (1963) y El amor brujo (1967) fueron nominadas como mejores películas en lengua extranjera.

Jorge Semprún (1967 y 1969): El primer español nominado en la categoría de guión, en 1967 con el guión original de La guerre est finie y en 1969 con el guión adaptado de Z.

Gil Parrondo (1971): Candidato a la mejor dirección artística por Viajes con mi tía.

Luis Buñuel (1970, 1972 y 1977): El genio aragonés fue por primera vez candidato al Oscar de mejor película en lengua extranjera por Tristana en 1970, mientras que en 1972 lo fue al de mejor guión original por El discreto encanto de la burguesía (como pongo más abajo, ganó el de mejor película extranjera) y en 1977 por el mejor guión adaptado de Ese oscuro objeto del deseo

Jaime de Armiñán (1972 y 1980): Competía con Buñuel en 1972 con la película Mi querida señorita para ser la mejor película en lengua extranjera. En 1980 fue nominada su película El nido como la mejor en lengua extranjera.

Néstor Almendros (1979, 1980 y 1982): Este gran director de fotografía casi obtuvo el Oscar por Kramer contra Kramer y en 1980 por El lago azul. En 1982 fue candidato por La decisión de Sophie.

Carlos Saura (1979, 1983 y 1998): Su película de 1979 Mamá cumple 100 años optó a ser la mejor en lengua extranjera, al igual que por Carmen en 1983 y también por Tango (aunque aquí iba por Argentina y no por España).

Jose Luis Garci (1984, 1987 y 1997): Candidato al Oscar de mejor película extranjera por Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987) y El abuelo (1997).

Pedro Almodóvar (1988 y 2002): En 1988 su película Mujeres al borde de un ataque de nervios se quedó a las puertas del Oscar de mejor película en lengua extranjera, y en 2002 Hable con ella hizo que se convirtiera en el primer director de cine español nominado al Oscar de mejor director.

Juan Carlos Fresnadillo (1996): Primer cortometrajista español nominado al Oscar por su corto Esposados.

Montxo Armendáriz (1997): Secretos del corazón es nominada como mejor película de habla no inglesa.

Javier Bardem (2000): Opta al mejor actor por la película Antes que anochezca.

Javier Navarrete (2001): Mejor música original por El espinazo del diablo.

Manuel García (2004): Nominado al mejor maquillaje por Mar adentro.

Nacho Vigalondo (2005): Otro cortometrajista nominado con el corto 7:35 de la mañana.

Alberto Iglesias (2006 y 2008): Compositor nominado en 2006 por la música para El jardinero fiel y en 2008 para Cometas en el cielo.

Penélope Cruz (2007): Es la primera española nominada como mejor actriz por su trabajo en Volver.

Borja Cobeaga (2007): De nuevo, un cortometrajista nominado con el corto Éramos pocos.

Javier Fesser (2007): Y otro corto español nominado este mismo año. Se trata de Binta y la gran idea.

Javier Navarrete (2007): Optó a la mejor música original para El laberinto del fauno.

ESPAÑOLES QUE LOGRARON EL OSCAR

Juan de la Cierva (1969): No fue un Oscar como tal, sino algo llamado Premio científico o técnico de clase II (placa conmemorativa) por el diseño y desarrollo de compensador óptico de imágenes Dynalens (un estabilizador óptico para las cámaras).

Gil Parrondo (1970 y 1971): El primer español en conseguir un Oscar, fue por Patton a la mejor dirección artística. Repitió el premio en 1971 por Nicolás y Alejandra.

Antonio Mateos (1970): Obtuvo el premio a la mejor dirección artística por Patton.

José Castillo (1971): Oscar al mejor diseño de vestuario por Nicolás y Alejandra.

Luis Buñuel (1972): Primer director español en conseguir un oscar, el de mejor película en lengua extranjera, con El discreto encanto de la burguesía (iba por Francia).

Néstor Almendros (1978): Mejor fotografía por Días del cielo.

Jose Luis Garci (1982): Obtuvo el primer Oscar para una película española, fue con Volver a empezar.

Fernando Trueba (1993): Oscar a la mejor película de habla no inglesa a Belle epoque.

Pedro Almodóvar (1999 y 2002): En 1999 consiguió el premio de mejor película extranjera con Todo sobre mi madre y en 2002 logró el de mejor guión original con Hable con ella.

Alejandro Amenábar (2004): Mejor película de habla no inglesa para Mar adentro.

Pilar Revuelta (2007): Mejor dirección artística por El laberinto del fauno.

David Martí y Montse Ribé (2007): Mejor maquillaje por El laberinto del fauno.

Javier Bardem (2008): Primer actor español en conseguir la dorada estatuilla como mejor actor de reparto por su papel en No es país para viejos.

Penélope Cruz (2009): Primera actriz española que consigue el Oscar a la mejor actriz de reparto por Vicky Cristina Barcelona.

Fuentes: El País y RTVE

Quieeeero queeee me quieeeeraaas...

2009-05-05T23:28:00.006+02:00

Madre mía, no puedo sacarme esta canción de la cabeza, ¡no lo logro! La canción es terroríficamente terrible, pero por eso mismo también es muy divertida.

Se trata de un tema para promocionar la película de Carlos Cuarón (hermano de Alfonso) Rudo y cursi, con Diego Luna y Gael García Bernal (juntos de nuevo tras Y tu mamá también), estrenada hace pocos días en nuestro país. No le está yendo demasiado bien en taquilla, pero la verdad es que este videoclip, o lo que narices sea, no tiene desperdicio. Por la letra, por ver a Gael García Bernal cantando y bailando de esa forma, y ejem, ¿por qué no? también por las chicas...

Por cierto, la película está nada menos que producida por Guillermo del Toro, Alejandro González-Iñárritu y Alfonso Cuarón.

Aquí su trailer:

Y como extra, un divertido trailer/spot que también deberían poner en los cines españoles:

Quieeeero queeee me quieeeeraaas...
Quieeeero queeee me adooooreeees...

Spin

2009-05-03T20:39:00.004+02:00

Dirección: Jamin Winams.

Espero que os haya gustado este cortomentraje sin palabras, con una buena historia y con musiquilla (no está mal la cosa), que ya tiene su tiempecito (es de 2005) pero a mí me gusta volver a verlo de vez en cuando.

¡Chocolateeee!

2009-04-23T20:32:00.019+02:00

Gracias a mi amiga Arrate me he enterado de que el elenco de la película Los Goonies, dirigida en 1985 por Richard Donner (responsable de toda la saga de Arma letal pero también de La profecía, Superman II, Lady Halcón o Maverick) se ha vuelto a reunir, 24 años después de aquella genial película.

¿La razón? Nada del otro mundo... Siempre vivimos con las ansias de recuperar tiempos pasados y a los de la prestigiosa revista Empire les ha entrado la morriña para celebrar sus veinte años de publicación (claro, con razón se ponen nostálgicos, son unos cuantos años) han decidido reunir de nuevo a los protagonistas de la peli y editarán material inédito o curioso sobre aquel rodaje en el que tan bien debieron de pasárselo todos. Efectivamente si uno conoce la peli, podrá imaginar que así fue. Además el gran Steven Spielberg es uno de sus ideadores con lo cual, con más razón si andaba metido en el ajo...

Corey Feldman, Martha Plimpton (de los que por cierto poseo sus autógrafos), Sean Astin (vaya, así que a esto se dedicaba el bueno de Sam Gamyi antes de acompañar al señor Frodo a destruir el Anillo... ¡quién lo iba a decir!), Josh Brolin (actor que vive unos momentos dulcísimos debido a los grandes trabajos que está acumulando últimamente -No es país para viejos, Mi nombre es Harvey Milk- y los que tiene por hacer -la última de Woody Allen, por ejemplo)... ¡Todos juntos de nuevo!

Con anterioridad había muchos rumores sobre la posibilidad de una secuela de Los Goonies, donde veríamos a los personajes ya mayores (una idea que puede ser buena pero que a muchos seguro que no gusta ya que siempre tendrán en mente Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), pero de momento no se sabe absolutamente nada. Con esta reunion podría pensarse que hablarán de ello... Quién sabe, sólo el tiempo lo dirá (frase tópica al canto).

O quizá realizan un remake... con algún cameo de los personajes originales... Hijos de por medio... Uf, qué horror, esperemos que no hagan algo así. Yo la verdad es que visto el panorama hollywoodiense actual, me lo veo venir.

¿Y de qué iba esta peli? La historia se podría resumir en pocas palabras: Muchas aventuras a las que uno, siendo un pequeñajo, siempre le gustaría vivir junto a su pandilla, con malos muy malos de por medio y tesoros ocultos desde hace muchos, muchos años.

Aquí su trailer (en inglés) donde se ve que efectivamente la cosa es más o menos en ese plan:

Otro póster diferente...

Y para acabar, el inolvidable (y para mí entrañable) Sloth (John Matuszak). ¡Chocolateeeee!

Tiran más cuatro tetas que dos petas.

2009-04-10T18:42:00.008+02:00

'Mentiras y gordas'

AÑO: 2009
DURACIÓN: 107 min.
DIRECTOR: Alfonso Albacete, David Menkes
GUIÓN: Alfonso Albacete, David Menkes, Ángeles González-Sinde
BANDA SONORA: Juan Sueiro, Juan Carlos Molina
FOTOGRAFÍA: Alfredo F. Mayo
MONTAJE: Fernando Pardo
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Mario Casas, Ana de Armas, Hugo Silva, Alejo Sauras, Asier Etxeandia, Miriam Giovanelli, Esmeralda Moya, Ana María Polvorosa, Yon González, Maxi Iglesias, Aida Folch, Duna Jové, Marieta Orozco, Xacobe Sanz, Clara Pradas

Doble sorpresa me ha provocado esta película. Primero fue su hazaña al entrar directamente en primera posición en la taquilla, desbancando a Clint Eastwood y su coche. Una sorpresa, en principio, grata, ya que el cine español anda necesitado de espectadores desde tiempos inmemoriales. Bastantes días después vino la sorpresa de su visionado, y es que una cosa es que no te esperes ver El espíritu de la colmena y otra muy diferente es ver esto.

Definir el género de esta... llamémosla cosa, es casi imposible. Quizás esperes que sea una comedia gorreril. Pues no lo es. Podría ser una comedia romántica con adolescentes y con alguna temática de drogas y desenfreno. Tampoco. Bueno, entonces será un retrato generacional con trasfondo dramático. Ni de coña. Como ya no veo más opciones plausibles, crearemos un nuevo término para definirla: cine de tetas, culos y pastillas. Eso es prácticamente lo único que se ve en pantalla todo el tiempo, lo que conduce la vida de estos jóvenes a lo largo de más de noventa minutos.

Lo grave no es que se vea una vida desenfrenada en esa juventud, es que no tienen vida más allá de esos aspectos, o si la tienen, es de chiste. Y ya no hablemos de perspectivas de futuro o ambiciones, siendo su único interés lograr más pastillas para la siguiente noche de juerga loca, ergo la noche de ese día. Y no, no son jóvenes perdidos o frustrados que se refugian en drogas para llevar el día a día, son simplemente chicos que viven en un mundo de drogas estimulantes y estímulos sexuales. El carpe diem adquiere una nueva dimensión con estas vidas que se nos muestran, carentes de planes o intereses. Cierto que existen pequeños intentos de dotar de dramatismo al asunto, como el trauma de una por su sobrepeso o el intento de una “camella” por llevar una vida normal, pero la estupidez con que se tratan o la brevedad con que asoman los convierten casi en detalle de risa. Valgan como ejemplos la escena en que la chica saca un pollo del horno en medio de una cita y empieza a hablar de lo bueno que estará, o el momento en el que uno de los jóvenes ve a su padre borracho en un bar, un plano muy enfatizado, para posteriormente no saber nada más de su familia ni apenas del propio chico.

Con semejante plantel de situaciones dramáticas, y el resto de escenas con los temas ya comentados, una pajarita de papel hace palidecer a la complejidad de los personajes. Una se enamora de un tío que no hace más que meterse rayas y le destroza el corazón al verlo con otra. El porqué, vaya usted a saber, aunque la verdad es que no nos interesa, y se ve que tampoco a los guionistas. Lo importante era ver la delantera de la chica en el baño, no conocer los motivos. Lo mismo podemos aplicar a otro chico que simplemente sale para acostarse con la “camella” y después robarle las pastillas. Dos veces sale, dos veces que únicamente sale con ese motivo. Tras ello desaparece, y ya está, nunca más se supo de su existencia. Desde estos personajes dignos de Shakespeare podemos viajar a otros como una joven que descubre el placer del sexo oral con la reveladora frase “mira, pues nunca me habían comido el coño”. Probablemente el caso más “complejo” sea el de un joven que lleva años enamorado de su mejor amigo, y como éste no es gay, pues ya tenemos el mártir de la película. Mención aparte para su escena bíblica en que reparte pastillas en medio de una fiesta.

A pesar de todo esto, la película se intenta vender a sí misma como una especie de retrato de la juventud actual en todo momento. La falta de respeto al intelecto de su audiencia es constante, y los directores necesitaban algún tipo de gancho para atraer a la audiencia, por lo que optaron por un reparto lleno de caras conocidas gracias al mundo de las series de televisión. No creía que se pudiera llegar a ese extremo, pero hay que decir que sus papeles en series como “Aída” o “Física o química” son verdaderos bombones al lado de éstos.

De los aspectos técnicos podemos salvar una fotografía oscura pero eficaz, por lo demás la mediocridad sigue imperando en cada milímetro de metraje. Resulta sorprendente que los actores se aferren con tanta profesionalidad a sus personajes, más que probable que por ser el primer papel de la mayoría de ellos en el mundo del cine. Como se suele decir, la televisión les da fama y el cine prestigio, y éstos ya tenían la primera y ahora gozarán del desprestigio de haber participado en esta obra cuya única virtud es hacer parecer mejores al resto de películas al marcar un nuevo nivel en el cine español más penoso.

El éxito de 'Mentiras y gordas'

2009-04-06T19:21:00.009+02:00

Hace poco puse una entrada intentando averiguar cuál podía ser la clave del éxito de la última y genial película de Clint Eastwood, Gran Torino. Ahora, debido a la sorpresa que ha sido el bombazo en taquilla de Mentiras y gordas, dirigida por Alfonso Albacete y David Menkes (más conocidos simplemente por Albacete & Menkes, directores de paridas como Más que amor, frenesí o Atómica, o de la algo más decente que éstas Sobreviviré), me gustaría intentar dar con alguna clave que indique su éxito en la taquilla nacional.

Como imagino que seguirá habiendo más éxitos rotundos o sorprendentes durante los próximos meses, podría decirse que volveré a escribir algo con el título de "El éxito de...". Al igual que, posiblemente, pueda incluir entradas que sean del estilo de "El fracaso de..." (espero que la próxima Terminator: Salvation no sea incluida en este último tipo de entradas... cruzo los dedos)

Vamos pues con...

Posibles claves de su éxito...

1) Los cuerpos de los actores. Me refiero en este caso a los chicos. En la película aparecen yogurines del panorama cinematográfico (mejor dicho, televisivo) actual, y además, por lo visto, aparecen si no semidesnudos, sí desnudos, con lo cual, muchas hormonas que son capadas en cada emisión televisiva de la serie donde alguno de los protagonistas aparezcan, salen a relucir sin ningún pudor con el visionado de esta película. Algunos de los conocidos rostros y sus correspondientes series de TV que se ven son: Hugo Silva (Los hombres de Paco), Alejo Sauras (Los Serrano), Yon González (El internado), Mario Casas (Los hombres de Paco), Maxi Iglesias (Física o química)... [Nota: Llega a aparecer también Miguel Ángel Silvestre -el Duque- y no sé qué me da que el éxito habría sido aún mayor]

2) Los cuerpos de las actrices. Idem a la clave anterior, pero con féminas. Un servidor no ha visto la película, pero por lo que le han contado, las chicas se lucen menos que los chicos, lo cual no es óbice para que las hormonas anteriormente mencionadas salgan a flote también viendo la peli. Algunas de las actrices y sus series de TV son: Ana de Armas (El internado), Ana Polvorosa (Aída), Esmeralda Moya (Desaparecida), Aida Folch (Cuéntame -aunque también la pudimos ver en Los lunes al sol, de Fernando León de Aranoa)...

3) La temática de los jóvenes (público joven). Muchos jóvenes quizá hayan acudido a ver la película a las salas con intención de ver algo con lo que se puedan sentir identificados en sus formas de vivir. Discotecas, sexo, drogas, líos amorosos...

4) La temática de los jóvenes (público adulto). En los años noventa (concretamente en 1995) se estrenó Historias del Kronen de Montxo Armendariz. Antes del estreno de la película que nos ocupa, se comentaba que podría considerársela como la Historias del Kronen del siglo XXI. Con ello, gente que vio aquella película en su día (o con posterioridad) y le gustó, o al menos le llamó la atención, lógicamente ahora ya es más mayor y quizá pueda sentirse atraído por ver cómo puede contarse hoy en día una historia a priori similar.

5) La historia, el argumento de la película. Bueno, se comenta que realmente esta peli no tiene un argumento consistente, de hecho que ni lo tiene, por lo tanto aquellos que hayan ido a ver la película con la intención de ver una buena historia, pueden sentirse decepcionados... Repito que no he visto el filme pero es parte de las críticas que ha recibido (por lo general bastante demoledoras).

...

¿Se os ocurre alguna razón más por la que esta película está teniendo tanto éxito?

Trailer:

B/N

2009-03-28T10:52:00.004+01:00

- No me gustan las películas en blanco y negro

- ¿Una peli en blanco y negro? ¡Uf, no la veo ni de coña!

- Hace siglos que no veo una peli en blanco y negro...

Estas son algunas de las frases que cada vez que oigo, no le veo demasiado sentido. Y evidentemente las entiendo aún menos cuando las dice alguna persona que se jacta de decir que le gusta el cine... Está claro que esta frase debería puntualizarse diciendo cine actual.

Casablanca, Ciudadano Kane, Sed de mal, Con faldas y a lo loco, La fiera de mi niña, Historias de Filadelfia, La diligencia, ¿Quién mató a Liberty Valance?, Encadenados, Psicosis, La noche de los muertos vivientes, La costilla de Adán, La jungla de asfalto, El halcón maltés, Murieron con las botas puestas, La noche del cazador, Toro salvaje, Manhattan, La lista de Schindler...

¿Sigo?... Obras maestras indiscutibles que por el mero hecho de ser en blanco y negro, la gente se niega a ver. Nada, que no lo entiendo.

La bola de dragón se acerca

2009-03-24T09:35:00.016+01:00

En abril llegará a las pantallas Dragonball evolution, una cosa (sí, cosa, por lo que se ha podido ver hasta ahora no puede calificarse con otro nombre) basada en el manga original de Akira Toriyama (del mismo título pero sin la coletilla de evolution).

Aquí está su trailer para que os vayais haciendo una ligera idea:

No, ese no es el trailer, efectivamente... Ya podía serlo, ya... Pero lamentablemente no es así. El verdadero trailer es este (en castellano):

El vídeo anterior al trailer tiene mucho más nivel y es mucho más fiel a la serie habiéndolo hecho con cuatro duros, que lo realizado por el director James Wong (responsable de Destino final 1 y 3) para la Fox. Este Dragonball evolution no pinta nada, nada, pero que nada bien...

La película ha sido estrenada ya en Asia, donde casi seguro iba a ser un gran éxito, y así ha sido: un verdadero bombazo. No sé qué me da que por estos lares y en Occidente en general no tendrá la misma suerte... Creo que se nota que me da muy mal rollo esta producción. Claro, de pequeño vi toda la serie de dibujos animados y que me gustaba lo suficiente como para llevarme ahora las manos a la cabeza con esto (venga va, lo reconozco: toda no, dejé de verla en el momento en el que las peleas se convirtieron en interminables durando más de tres o cuatro meses... Creo que fue con aquel monstruo de chicle... ¿Boo, no? El resto de la serie lo vi entero).

Si lo deseas, puedes leer aquí una precrítica por cortesía de Cinempatía (gracias a los cuales vemos estos vídeos y las imágenes)

En fin. A continuación dejo algunas imágenes de los personajes de la película...

Foto de grupo

Goku

Bulma

Maestro Roshi

Dragón

Póster

El abuelo de Goku

Fullum (criaturas creadas por Piccolo -por aquí lo conocemos como Satan Txiki/Pequeño Satán- para recuperar las bolas de dragón... Como se puede comprobar, es muy fiel a la serie de dibujos... MUY fiel)

Estaría bien que nos equivoquemos todos y al final sea algo entretenido... Pero me da que no, es una pequeña corazonada.

Director: James Wong
Guionistas: Ben Ramsey, Akira Toriyama
Intérpretes: Justin Chatwin (Goku), Chow Yun-Fat (Maestro Roshi), Emmy Rossum (Bulma), James Marsters (Piccolo), Joon Park (Yamcha), Eriko Tamura (Mai), Jamie Chung (Chi Chi)...
Fecha de estreno prevista en España: 8 de abril

Más información y ficha en IMDB

El éxito de Gran Torino

2009-03-17T20:28:00.006+01:00

Gran Torino, la última joya de Clint Eastwood, se estrenó el pasado 6 de marzo. El mismo día de estreno que los esperadísimos Watchmen de Zack Snyder. Según tengo entendido, la distribuidora, o la productora, o vaya usted a saber quién de Gran Torino, pensó que el hecho de hacer coincidir ambos estrenos era mala señal, que Eastwood sería barrido por los superhéroes...

Finalmente decidieron estrenarla en la fecha prevista.

Primer fin de semana de exhibición en salas: Gran Torino obtiene 2 millones de euros frente a los 1'5 millones de Watchmen. Por tanto, el gran Clint Eastwood arrasa y se coloca en el primer puesto de la taquilla nacional. Un éxito inesperado, al menos por aquí, ya que ya venía siendo en los Estados Unidos de América el mayor éxito de toda la carrera del oscarizado director. Y estos datos lo confirman aún más.

¿Por qué un drama con aire intimista supera a una película que tantos aficionados al cómic y cinéfilos de todo el mundo esperaban desde hace años? La verdad es que no tengo ni idea... Aunque podemos pensar en alguna que otra razón:

1) Clint Eastwood anunció que sería su última aparición como actor. La gente quiere ver ese gran momento, y si además antes de ser estrenada la película, ya se oía y se leía que era una gran interpretación, con más razón.

2) De nuevo en relación con lo que se venía rumoreando tras su estreno en EEUU, el hecho de que se diga que, aún reciente su última película El intercambio (nominación al Oscar para Angelina Jolie, entre alguna otra), este hombre es capaz de rodar dos películas casi seguidas siendo las dos geniales, puede llamar la atención del público. Recordemos que con Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima hizo algo parecido, rodar dos películas por año. Un octogenario nada más y nada menos, ahí queda eso.

3) El público puede pensar que a Clint Eastwood le quedan dos telediarios (¡¡esperomos que no!!) y el hecho de que tenga tantas grandes películas a sus espaldas, tanto como director como actor, puede ser otra razón para atraer gente a las salas. (Es decir, algo así como para contar a los nietecitos eso de "yo vi la última peli de Clint Eastwood en el cine")

4) Todos los profesores de clase de ética de todos los colegios del mundo se han puesto de acuerdo para recomendar a sus alumnos y a sus familias que vean esta película. En ella se muestra un choque de culturas importante y el aprendizaje que alguien en principio racista puede llevar a cabo para estrechar distancias y anular diferencias étnicas y culturales. Es, por tanto, una película que podría llevar la etiqueta de "recomendable para una clase de ética en el colegio/instituto", sin que ello suene de forma peyorativa, nada más lejos de mi intención.

5) Clint Eastwood es un clásico. Y punto. Y eso la gente lo sabe.

...

Clint Eastwood ha logrado, en mi opinión, una nueva obra maestra.

¿Se os ocurre alguna razón más que indique el porqué del éxito de la película?

Aquí su trailer:

The Return of the (Trash) King

2009-03-04T23:39:00.005+01:00

'In the Name of the King: a Dungeon Siege Tale'
('En el nombre del rey')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 127 min.
DIRECTOR: Uwe Boll
GUIÓN: Doug Taylor, Jason Rappaport, Dan Stroncak, Doug Taylor
BANDA SONORA: Jessica de Rooij, Henning Lohner
FOTOGRAFÍA: Mathias Neumann
MONTAJE: Paul Klassen, David M. Richardson
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Jason Statham, Burt Reynolds, Ray Liotta, Leelee Sobieski, Claire Forlani, Matthew Lillard, John Rhys-Davies, Will Sanderson, Ron Perlman, Brian J. White, Kristanna Loken

Tres años después del estreno de Alone in the Dark Uwe Boll vuelve a nuestras carteleras. Por el medio salió Bloodrayne, pero directa a DVD para desgracia del artista. Ahora, gracias a la sabiduría y buen juicio de nuestras distribuidoras, podemos ver a Jason Statham matando ¿orcos? en la pantalla grande. Fue larga la espera. La película estaba prácticamente acabada en 2005, pero hasta 2007 no encontró distribuidor en ningún país. El porqué, en unos pocos párrafos.

La trilogía de Peter Jackson hizo aflorar el género de espada y brujería con gran fuerza, y Boll no dudó en subirse al carro. Pero claro, el hombre se dedica a adaptar videojuegos, así que había que conseguir alguna licencia que valiese para adentrarse en este mundo, y se decantó por “Dungeon Siege”, un juego de rol que, como casi todos, se ambienta en un mundo estilo Dragones & Mazmorras. De todos modos no es más que una excusa, ya que ni siquiera el nombre aparece claramente en el título de la película, algo que sí hacen sus demás obras (Alone in the Dark, House of the Dead). De esta forma comenzó el intento de Uwe Boll por convertirse en el nuevo amo y señor del cine épico fantástico. Logró serlo, pero del cine soporífero y cutresalchichero.

Las barbaridades y estupideces se pasean por pantalla como en un desfile de moda. Tan pronto sale una, entra otra. Por sí sola la primera escena, entre Ray Liotta y Leelee Sobieski, de pocos segundos, ya resume los diálogos risibles que poblarán toda la peli. Comprobadlo vosotros mismos:

Leelee – Sabía que vendrías.
Ray – Pero si te lo había dicho.
Leelee – Sí, pero lo sabía antes de que llegaras. (¿?)
Ray – Veo que tus poderes están mejorando. (¿¿??)

Evidentemente, no es el único diálogo incoherente que nos presenta, pero sí es probable que sea el más estúpido. Buena carta de presentación. Claro está, no podían faltar las profundas frases made in Uwe Boll para compensar las hostias del resto del metraje. “La sabiduría es nuestro martillo” es un buen ejemplo de ello, pero también hay unas cuantas más que tienen su mérito.

Ya que he nombrado a Liotta y Sobieski, será mejor hablar de todo el reparto. Al frente nos encontramos a Jason Statham, que, como es habitual en sus papeles, tiene como principal función repartir a diestro y siniestro. Uwe Boll le ha regalado un personaje ciertamente antológico. Un granjero llamado Granjero, según él porque “uno se convierte en aquello que realiza”, y como él planta nabos (tal cual), pues así se llama, pero con apellido, no se vayan a pensar que no tiene familia. Según parece, desde niño le aplicaron el método Polgar, porque sino no nos podemos explicar semejante estupidez. Dejando de lado su nombre, nos presentan a un hombre de campo que siempre porta un machete y un bumerán encima, el cual tan pronto golpea a la gente como se clava en los árboles. Nos demuestra lo útil que resulta para espantar cuervos mientras recoges nabos, así que es probable que dentro de poco vean a los espantapájaros quemándose en la hoguera de San Juan y a los granjeros con un bumerán último modelo.

El susodicho granjero Granjero ve cómo su hijo es asesinado al poco de comenzar la película, y decide vengarlo y rescatar a su esposa, matando como si su verdadero nombre fuera Exterminador. Con tan deslumbrante trama no sé por qué no escogieron a Steven Seagal para el papel, así que nos tenemos que conformar con un Statham que lo resuelve decentemente teniendo en cuenta todo lo que acabo de contar, y más cosas que me dejaré en el tintero.

Ray Liotta interpreta al villano de la historia, el mago Gallian, el cual lidera un ejército de monstruos, los krugs, un vergonzoso y paupérrimo cruce entre los gamorreanos de Star Wars y los orcos de The Lord of the Rings. Bueno, al menos eso es lo que parece, porque el movimiento de la cámara apenas nos permite distinguirlos (esta técnica ya fue aprendida por Boll en Alone in the Dark). Estos monstruos se dedican a asaltar y secuestrar gente para esclavizarlos, con el objetivo de cavar en una mina. Para qué, eso ya es pedir demasiado. Vemos que cavan encadenados, y punto. Quizás sean simples trabajos forzados y Gallian pretenda ser alcaide, y esta teoría es tan válida como cualquier otra porque tampoco tenemos pistas sobre sus intenciones. Es el malo, así que hace el mal. Nada más.

El rey está interpretado por el depauperado Burt Reynolds, que hoy en día ya sale en basura semana sí, semana también. Tiene la suerte de no tener demasiados momentos vergonzosos, exceptuando una supuesta escena dramática con Granjero. Duelo entre actores del método, sin duda. De ahí salió la frase “La sabiduría es nuestro martillo”, así que imaginaos el resto. Su uniforme de batalla merece ser destacado, porque nunca había visto un casco tan ridículo, el cual luce aún peor en la estirada cara de este actor.

John Rhys-Davies encarna al mago-médico de la corte, y sale relativamente bien parado entre tanto despropósito. En bastantes ocasiones con cara de no saber cómo demonios acabó ahí, pero sin hacer el ridículo. Sobieski se encarga de dar vida a su hija, de la cual sabemos que tiene poderes mágicos y que se acostaba con Gallian, según ella, “porque creía amarlo”. No sabemos los motivos de ella, ni qué clase de relación tenían, ni cuanto tiempo llevaban... y no busquéis más sobre esto, porque no hay. Cuando se pone la armadura se podía haber puesto perfectamente un disfraz de florero, que habría sido más realista.

También encontramos por ahí a Ron Perlman y Will Sanderson como amigos de Granjero. Por desgracia no se llaman Lechero y Ganadero. No destacan demasiado, exceptuando los primeros planos de Sanderson que parecen haber sido realizados para mofa de su ligero estrabismo. Su estúpida escena en el puente resume muy bien la importancia de estos personajes. Claire Forlani, por su parte, es la esposa de Granjero que es raptada por Gallian, y Kristanna Loken interpreta a una ¿elfa? del bosque que, en un alarde de originalidad, odia a los humanos porque se pelean entre ellos. Poco sale, y tampoco la echamos en falta.

Queda hablar del mejor elemento de todo el reparto, un actor que haría palidecer a la fusión de Marlon Brando, Dustin Hoffman y Sean Penn, el gran Matthew Lillard. Cuando este tipo sale en pantalla deberían avisar al espectador con un cartel luminoso, porque si estamos tomando el refresco es probable que los espectadores de delante se acuerden de nosotros y de nuestras madres. Sus continuos caretos y estúpidos gestos harán las delicias de unos y sacarán de quicio a otros. El tipo no es muy agraciado, pero le notamos que se esfuerza, y con su expresividad logra quedarse a sólo un paso de John Merrick en cuanto a atractivo físico. Al igual que Statham, tiene alguna escena de supuesta carga dramática con el rey (por algo es su sobrino), y el resultado ya lo podéis imaginar.

Los intérpretes han sido probablemente el mayor sumidero de fondos de la producción, pero no fueron el único. El diseño de producción es el mejor en la filmografía de Boll, pero claro, eso no es nada más que asumir la mejor derrota del buen gusto. Los decorados ya no son ocultados mediante una oscuridad permanente, sino que podemos disfrutar con su cutrez e inconsistencia. Cabañas impolutas y carros recién construidos pueblan el entorno del protagonista, un pueblo que se supone de gente pobre. El castillo del rey destaca por su penosa integración con las imágenes CGI, la cual es escasa por el simple hecho de que casi no hay decorados. Los fondos son más falsos que Judas, con una iluminación que no logra disimular lo más mínimo que se tratan de una pantalla de croma. El colmo son las supuestas lianas que emplea el pueblo de ¿elfas? del bosque, unas simples cuerdas con un par de hojas pegadas, un verdadero insulto al espectador. El vestuario sale algo mejor parado, logrando no despertar la vergüenza ajena en todo momento.

Otro de los puntos fuertes de la película es, como es normal, el estúpido guión. Parece que los personajes (además un número exagerado para una película de 2 horas) se idearon previamente a la propia historia, ya que entran y salen de ella continuamente sin que sepamos qué mueve a cada uno. El caos es total en ese sentido, y la evolución de los personajes un sinsentido o absolutamente nula. Realizar un resumen de la historia supondría crear un texto plagado de interrogaciones y suposiciones pilladas por los pelos, así que pasaré de ello. Tampoco merece la pena lo más mínimo, porque lo poco que se comprende sin problemas está plagado de clichés o copias de otras obras fantásticas. El aburrimiento se apoderará del espectador en poco tiempo debido a la incapacidad de comprender lo que estamos viendo. La solución, como es habitual en las obras de este genio, verla acompañado de amigos (alguna sustancia que nos haga compañía también puede ayudar) y bromeando sobre lo que la pantalla nos presenta.

Uwe Boll ha intentado disimularlo con un presupuesto mayor y un reparto con nombres conocidos, pero su incompetencia y mal gusto afloran continuamente, nada nuevo a estas alturas. Cada una de sus obras supone un fracaso económico mayor que la anterior, y sin embargo sus presupuestos son cada vez mayores gracias a las facilidades y subvenciones que proporciona el gobierno alemán al mundo del cine. En términos de calidad, supone un paso hacia delante en su carrera, pero vamos, avanzar un centímetro cuando estás al borde del precipicio no te libra con total seguridad de caer en él. Cuando menos ayudará a las escuelas de cine a prever la creación de nuevas aberraciones. Un simple visionado es suficiente para concienciar a las futuras generaciones. Palabra.

Almodóvar roto.

2009-03-03T21:53:00.003+01:00

Pedro Almodóvar vuelve. Un regreso siempre esperado por todos con ansias... Lo hace con Los abrazos rotos, una historia contada a dos tiempos, con Penélope Cruz y Lluis Homar (entre otros) del que hace poco se nos avanzó su teaser trailer, que puedes ver aquí.

Sin duda se aprecia perfectamente el toque del manchego, acompañado por la música de Alberto Iglesias. A partir del 18 de marzo podremos ver qué nueva propuesta nos ha traído el doblemente oscarizado director (Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Todo sobre mi madre y Oscar al mejor guión original por Hable con ella).

De regalo podemos ver a continuación un cortometraje de Almodóvar realizado entre toma y toma de Los abrazos rotos, titulado La concejala antropófaga. Incorrecto y corrosivo donde los haya, como bien dice Diego Galán (crítico de cine y que ocupó el cargo de director Festival de Cine de San Sebastián durante trece años y un día) quien entrevista a Almodóvar al respecto del corto como también se puede ver en el vídeo.

Poco diré sobre el mismo ya que creo que lo mejor es verlo, además en la entrevista hablan estupendamente sobre todo lo concerniente al cortometraje, así que con todos vosotros... La concejala antropófaga (un corto de Almodóvar). Espero que lo disfruteis.

[Nota: Lo de los trece años y un día de Diego Galán como director del Zinemaldi donostiarra es cierto. Narra ese tiempo con ese cargo en su estupendo y recomendable libro Jack Lemmon nunca cenó aquí]

Rebobine, por favor

2009-02-27T11:49:00.004+01:00

Después de [Rec]... REWIND

Impresionante y lúcida publicidad en México para Los cronocrímenes, de Nacho Vigalondo, buena película de género realizada con cuatro duros, con cuatro actores, y con cuatro (o más, o menos, no las he contado) ideas originales. Un tipo de cine difícil (de hacer, de distribuir, de recaudar) en nuestro país.

Una película con unos cuantos (muchos) adeptos y que tiene su remake estadounidense preparado, o al menos en ello están, del que no se sabe absolutamente nada. Por no saber, no lo debe de saber ni el propio Vigalondo (esto último no me lo termino de creer). A saber qué narices hacen con la momia rosa, ¡no me fío un pelo!

Un director nominado al Oscar por su genial corto (como casi todos los que hace) 7:35 de la mañana y ninguneado por la industria de su país. Parece que no se le tiene en cuenta, parece que no se le toma en serio, y es una verdadera pena. Considero que, si le dan cierto margen (queda demostrado con su película que no hace falta que sea demasiado) puede hacer algo decente, algo digno de exhibir y algo a considerar dentro del panorama español. Pero nada, no hay manera...

Su trailer:

Si no la has visto y la ves... no le des demasiadas vueltas, sería peor. Sólo las justas.

Los cazafantasmas van al Infierno

2009-02-25T14:52:00.006+01:00

Parece ser que hay muchos hilos moviéndose acerca de una nueva entrega de una de las sagas más taquilleras de los años 80: nada más y nada menos que ¡Los cazafantasmas! (tirutiro-riroooo, se supone que esto último es el tarareo de la famosísima cancioncilla de Ray Parker Jr. hecha para la película)

Aún hay muchas incógnitas al respecto pero en su momento se rumoreaba, vaya usted a saber si es verdad, que podría ser algo así como el título de este post: Los cazafantasmas van al Infierno. Un título horroroso donde los haya que puede hacer pensar que se trata de una serie de la tele. Por cierto, no olvidemos que sí que hicieron una simpática serie con los personajes, pero de dibujos animados. Bueno, el caso es que inicialmente, para la historia de la nueva entrega, pensaron en hacer que los cazafantasmas viajaran al Infierno, pero como piensan que en las dos partes anteriores el hecho de crear caos en la ciudad de Nueva York era parte del éxito, se les ha ocurrido otro tanto de lo mismo, imaginando una puerta dimensional en un almacén de la ciudad, llevando a una Nueva York completamente diferente y donde la gente no se entiende entre sí.

El guión se lo han encargado a Lee Eisenberg y Gene Stupnitsky, guionistas de la serie de TV The office y de la película, aún por estrenar, Year One, dirigida por Harold Ramis (guionista de Los Cazafantasmas y Los Cazafantasmas 2). La incógnita es saber quién la dirigirá, cosa que no estaría mal que hiciera Ivan Reitman, que se encargó de las dos anteriores.

Hace tiempo debieron de dar el "sí, quiero" Dan Aykroyd y Harold Ramis (en las noticias que he leído no decían nada sobre Ernie Hudson). Estaba en el aire el gran Bill Murray, que me parece que no estaba demasiado convencido, sobre todo debido al fiasco que supuso la segunda parte. Normal, es que aquella peli, aunque estuvo bien verles de nuevo en acción, dejaba mucho que desear, y fue una verdadera pena. Pone como condición que acepta el trabajo sólo si hay una buena historia. Crucemos los dedos para que así sea y no veamos una nueva birria. Ojalá aprovechen bien todos los efectos especiales que hay hoy en día para hacer algo espectacular pero sin dejar de lado toda la comicidad y el gancho de todos sus personajes...

Sin duda estaremos al tanto de todo este proyecto, sobre todo los que somos fans de los personajes.

Tiroriro-riroooo, ghostbusters!

TRAILERS

De regalo, el divertido y original videoclip de la famosa canción, con apariciones de Chevy Chase, John Candy, Danny DeVito, Peter Falk, Shelley Long (creo que es ella) y George Wendt (el Norm de Cheers), entre otros y otras que no reconozco:

Y además, la intro de la serie de dibujos animados:

Recordemos a... Richard Farnsworth

2009-02-21T22:40:00.024+01:00

Richard Farnsworth nació el 1 de septiembre de 1920 en Los Angeles, California, en una familia modesta. Su madre era ama de casa y su padre ingeniero, trabajo con el cual tuvo que sacar adelante a su hijo y sus otras dos hijas durante la Gran Depresión. Su muerte en 1927 hizo que Richard, sus dos hermanas y su madre fuesen a vivir con su tía. Los problemas económicos que vivían día sí y día también hicieron que abandonara los estudios en el instituto para encargarse de un establo de un campo de polo por 6 dólares a la semana. Con 17 años le ofrecieron ganar 7 dólares al día con una comida incluida trabajando de doble en The Adventures of Marco Polo, con Gary Cooper, y así el actor comenzó su andadura en el mundo del cine. Compaginándolo con su trabajo en los rodeos, se especializó como doble en papeles de jinete en películas como A Day at the Races de los hermanos Marx o Gunga Din. En los años 40 y 50 siguió con este trabajo en películas como Gone with the Wind, Red River, The Wild One, The Ten Commandments o Spartacus. En ésta pasó once meses de rodaje durante los cuales insistió en que nunca tuvo apariencia de gladiador, pero conducía un carro, algo que, como ser simplemente jinete, le encantaba. Un año después, en el 61, fue uno de los fundadores de la Stuntmen's Association (Asociación de dobles), y a lo largo de esta década fue consiguiendo papeles de más entidad.

En 1963 logró su primera aparición en los créditos de una película con Jolly Genie. Tras ésta siguieron un buen número de papeles de hombre del Oeste americano, personajes que le sentaban como un guante al actor. Poco a poco sus trabajos fueron de más entidad e importancia, como en The Cowboys, The Life and Times of Judge Rory Bean, la francesa Un autre homme, une autre chance o la serie “Roots”. En el año 77 decidiría dejar de trabajar como doble para concentrarse en su carrera como actor. Su nombre comenzaría a hacerse importante tras el éxito de su trabajo en Comes a Horseman, de Alan J. Pakula, en 1978. En ella compartía cartel con Jane Fonda, Jason Robards y James Caan, y le reportó diversos premios como actor secundario, entre ellos los de la National Board of Review y la National Society of Film Critics. En los premios de la academia compitió con Jack Warden, John Hurt, Bruce Dern y Christopher Walken, perdiendo frente a este último por su trabajo en The Deer Hunter, pero su nominación sirvió para lanzar definitivamente la carrera de este actor de 58 años por aquel entonces.

Su rostro y expresión amigables e incluso infantiles lo convirtieron en un actor habitual en papeles secundarios de amigo o asesor, además de los ya comentados hombres del Oeste. A principios de los 80 trabajó con Steve McQueen y Linda Evans en Tom Horn, y con Ellen Burstyn y Sam Shepard en Resurrection, además de nuevos trabajos para televisión como The Texas Rangers o “Disneyland”. Finalmente lograría en 1982 el éxito en un papel protagonista con la película canadiense The Grey Fox, de Phillip Borsos. En ella interpretó a Bill Miner, un asaltados de diligencias que al salir de la cárcel tras 33 años se propone llevar una vida normal en Washington junto a su hermana, pero los cambios que han ocurrido en ese tiempo le hacen imposible volver a integrarse en la sociedad, así que decide volver a Canadá a hacer lo único que sabe, simplemente cambiando diligencias por trenes. La película supuso un gran éxito, ganando siete premios de la academia de cine canadiense, incluyendo uno al mejor actor extranjero para Farnsworth.

A pesar del éxito cosechado por su trabajo en Canadá, en su país natal siguió relegado a papeles secundarios. Trabajó con Kathleen Quinlan y Dianne Wiest en Independence Day, y fue llamado por Barry Levinson para The Natural, antes de pegar el mayor resbalón de su carrera en el año 1984 interpretando al padre de Dolly Parton en Rhinestone, protagonizada por Sylvester Stallone. Las horrendas críticas recibidas por la película, tanto de la prensa especializada como del público, pronto la convirtieron en uno de los primeros triunfos en los Razzies de Stallone. Un año después Farnsworth consiguió otro papel protagonista en el western de ciencia ficción Space Rage, en la cual debía ayudar a Michael Paré a huir de la cárcel. De nuevo no tuvo apoyo de crítica o público. Estos dos fracasos seguidos lo volvieron a relegar a papeles totalmente secundarios. Trabajó a las órdenes de John Landis en Into the Night en 1985, junto a los entonces emergentes Michelle Pfeiffer y Jeff Goldblum, y con Sylvester, en la cual un joven entrenaba un caballo para convertirse en campeón olímpico de hípica, volvió a trabajar en el campo que más le apasionaba. Canadá le reportó otro importante éxito con la producción televisiva Anne of the Green Gables, donde interpretaba al padre adoptivo de Ana, que le dio nueva popularidad y un premio Gemini. Poco después fallecía su esposa Margaret Hill, con la cual llevaba casado 36 años y había tenido dos hijos, Diamond y Missy. Su ritmo de trabajo comenzó a bajar desde entonces. Trabajos en la televisión como “Highway to Heaven” o Desperado: the Outlaw Wars, en la cual interpretó por enésima vez a un sheriff, se alternaron con escasos papeles en el cine, como la producción familiar Good Old Boy: a Delta Boyhood. Jack Nicholson lo llamó en 1990 para interpretar al sospechoso prospector Earl Rawley en su continuación de Chinatown, The Two Jakes. Ese año también encarnó al desconfiado sheriff Buster en Misery, la película de Rob Reiner basada en la obra homónima de Stephen King, donde compartía cartel con Kathy Bates y de nuevo con James Caan, y se puso en la piel de un profesor en Havana, de Sydney Pollack. Desde entonces sus escasas actuaciones comenzarían a verse sustituidas por homenajes y reconocimientos. En el año 92 recibió su estrella en el paseo de la fama de Hollywood, y en el 97 fue incluido en el salón de la fama de intérpretes de western de Oklahoma. Su trabajo en Lassie, junto a Frederic Forrest y Michelle Williams, fue lo más destacado que hizo hasta finales de los 90, mientras lidiaba con el cáncer de próstata que le habían diagnosticado a principios de la década.

En 1999 David Lynch se puso en contacto con él para que interpretase al anciano Alvin Straight en The Straight Story. En director le pidió que participase, según sus propias palabras, “en la sencilla pero emotiva” película. Farnsworth no sabía de qué director le hablaban cuando se lo comentaron, así que su agente, sabiendo que el actor odiaba la violencia y las pelis oscuras, se lo referenció únicamente como el realizador de The Elephant Man. Por suerte, al veterano intérprete le había gustado esta película, así que decidió aceptar el papel. De este modo Farnsworth, con 79 años, consiguió su papel más celebrado, en el cual interpreta a un anciano que decide realizar un viaje con una cortadora de césped para visitar a su hermano enfermo. Sissy Spacek y Harry Dean Stanton rodaron a su lado sin saber la grave enfermedad que se le acababa de diagnosticar al actor, un cáncer óseo terminal. Aunque lo ocultó todo lo que pudo durante el rodaje, sus achaques y dolores comenzaron a hacerse evidentes y cada vez más intensos. Pese a ello, logró terminar la película, y se estrenó mundialmente en el festival de Cannes. Su éxito fue instantáneo, con un tono muy alejado del habitual en este director. La interpretación de Farnsworth fue lo más celebrado del film, y pronto comenzó a volver a cosechar premios. El círculo de críticos de Nueva York le otorgó el premio al mejor actor, igual que los Independent Spirit, y su segunda candidatura al Oscar le proporcionó un récord al convertirse en el actor de mayor edad candidato en la categoría principal. Kevin Spacey se llevó la estatuilla por American Beauty, pero Farnsworth logró una popularidad y un prestigio de los que nunca había gozado. Poco después tuvo una entrevista con Roger Ebert, el cual le había preguntado de qué se encontraba más orgulloso en toda su carrera, y él respondió que de no haber dicho un solo taco en más de 60 actuaciones que había realizado. A pesar de su excelente etapa profesional, con proyectos futuros como la hoy aún inconclusa Gompy, el cáncer destrozaba cada vez más su vida. Unos meses después, mientras Jewly Van Valin, su prometida desde hacía unos pocos años, no se encontraba en casa, el actor se suicidó de un disparo de escopeta.

Richard Farnsworth, el eterno vaquero amigable de profundos ojos azules, murió por suicidio en su rancho en Lincoln, Nuevo Mexico, el 6 de octubre de 2000, y fue enterrado en el cementerio de Hollywood Hills, en Los Angeles, junto a su esposa Margaret. Tenía 80 años.

Fuentes: Wikipedia, IMDB, TickledOrange, Yahoo Movies.

Léeme tú

2009-02-18T16:13:00.006+01:00

- No importa lo que yo piense. No importa lo que yo sienta. Los muertos siguen muertos.

[It doesn't matter what I think. It doesn't matter what I feel. The dead are still dead.]

Kate Winslet en The reader. Estupendo (melo)drama de Stephen Daldry.

El hombre sin nombre

2009-02-18T01:41:00.008+01:00

'Per un pugno di dollari'
('Por un puñado de dólares')

AÑO: 1964
DURACIÓN: 95 min.
DIRECTOR: Sergio Leone
GUIÓN: A. Bonzzoni, Víctor Andrés Catena, Sergio Leone
BANDA SONORA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano
MONTAJE: Roberto Cinquini
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Clint Eastwood, Marianne Koch, Gian Maria Volonté, Antonio Prieto, José Calvo, Wolfgang Lukschy, Mara Krup, Klaus Kinski, Luigi Pistilli, Joseph Egger, Panos Papadopoulos

'Per qualche dollaro in più'
('La muerte tenía un precio')

AÑO: 1965
DURACIÓN: 130 min.
DIRECTOR: Sergio Leone
GUIÓN: Luciano Vincenzoni, Sergio Leone
BANDA SONORA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Massimo Dallamano
MONTAJE: Eugenio Alabiso, Adriana Novelli, Giorgio Serrallonga
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian María Volonté, Luigi Pistilli, Mara Krup, Roberto Camardiel, Klaus Kinski

'Il buono, il brutto, il cattivo'
('El bueno, el feo y el malo')

AÑO: 1966
DURACIÓN: 150 min.
DIRECTOR: Sergio Leone
GUIÓN: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Sergio Leone
BANDA SONORA: Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA: Tonino Delli Colli
MONTAJE: Eugenio Alabiso, Nino Baragli
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Mario Brega, Luigi Scarchilli, Rada Rassimov

¿Quién no ha silbado alguna vez la banda sonora de alguno de los famosos spaghetti-westerns de Leone? Bueno, si no las has visto seguro que has pensado “yo no, eso desde luego”. Mentira. Simplemente no sabes de qué música hablo, porque las has escuchado decenas de veces, las has visto copiadas más decenas de veces y has reconocido su estilo aún más decenas de veces. Míticas e inmejorables, probablemente sean lo más recordado por la mayoría de estos films de Sergio Leone, uno de esos cineastas con una filmografía breve pero intensa. Cuando en Italia decidieron realizar un western de presupuesto discreto protagonizado por un actor estadounidense desconocido en Europa, no sabían lo que estaban comenzando.

Per un pugno de dollari vio la luz en 1964 de una forma muy discreta. Primero se estrenó en una sola sala de cine, con pretensiones de durar, a lo sumo, una semana. Pero en pocos días su dueño vio que la recaudación había aumentado sorprendentemente. Una nula campaña de marketing fue eclipsada por el sencillo boca-oreja, y pronto decenas de personas acudían para ver esta peli de responsables desconocidos, los cuales encima se ocultaban bajo seudónimos, y al salir se la recomendaban a otras tantas. Pronto se convirtió en un gran éxito que catapultó a sus tres figuras más emblemáticas: Leone, Eastwood y Morricone.

Si el presupuesto con el que contaba Leone era ínfimo, su talento y esfuerzo lo compensaron con creces. Esta historia de un hombre que llega a un pequeño poblado y se propone enfrentar entre ellas a las dos familias que dominan el contrabando, adaptando de un modo peculiar el Yojimbo de Kurosawa, destaca por el virtuosismo y dinamismo de su puesta en escena. En algunas ocasiones se nota una cierta escasez de medios, pero nunca de ideas o talento. Su modestia la ocultó entre los demás eurowesterns de la época, pero poco tardó en destacar gracias, sobre todo, a su forma de autoparodiarse en todo momento, añadiendo un punto esencial de su calidad. La parodia es casi siempre explícita, en forma de acumulación de clichés, roles de personajes conocidos por todos y situaciones exageradas, pero nunca llega a caer en el ridículo, sabe mantener las formas en todo momento y la parodia es acertada siempre. Leone no pretendía que nos riésemos con su obra, simplemente demostrar los caminos que siempre seguía este género, y explotarlos para hacer una película entretenida y dinámica. Sin duda alguna, lo logró.

Clint Eastwood se convirtió en una estrella internacional con esta obra, encarnando a este hombre misterioso, más rápido que un rayo y más pillo que un zorro. Un héroe a la antigua usanza, que sabe derrotar siempre a sus enemigos, aunque no sea perfecto. El actor pilló perfectamente el punto a este personaje, y con su habitual discreta expresividad supo transmitir esa sensación de alma errante por el desierto. La réplica que le da Gian Maria Volontè es el contrapunto perfecto a ese hombre misterioso. Ramón Rojo es el típico villano del oeste, sin escrúpulos y que en todo momento está seguro de ir un paso por delante del héroe, rodeado de secuaces incompetentes a los que les explica lo que deben ir haciendo en cada momento. De nuevo el actor dio en el clavo encarnándolo, si cabe aún más que Eastwood. Ennio Morricone fue el encargado de poner la guinda a esta obra con su estupenda banda sonora, un gran éxito de ventas en el momento de su estreno y el comienzo de su mítica contribución a las bandas sonoras del western.

Con la primera secuela, la cosa ya pareció seguir otro camino. La autoparodia cambió, se volvió más discreta, más implícita que en la anterior, y los personajes ganaron cierta profundidad y la historia dramatismo. La saga evolucionó, se tomó un poco más en serio a sí misma y decidieron partir de una historia original. En esta ocasión nuestro protagonista unirá esfuerzos con un hombre misterioso, el coronel Mortimer, astuto y excelente pistolero, mucho más calmado que su colega. Entre los dos intentarán dar caza a un forajido que pretende atracar el banco mejor custodiado de todo el Oeste. Como ya intuimos, con el tiempo aflorarán los verdaderos motivos de Mortimer y qué es eso que tortura continuamente a su enemigo.

Aunque la obra sea más seria, no deja totalmente de lado la parodia en la que se había recreado su predecesora, pero sí la suaviza en buena medida. El simple divertimento por lo que vemos deja paso a una historia y personajes más interesantes, a la vez que el presupuesto deja de suponer un impedimento en su puesta en escena. Lee Van Cleef vio resurgir su carrera gracias a su misterioso personaje, y Eastwood y Volontè repitieron en sus papeles (este último, aunque interpreta a otro, realmente le toca lidiar con el mismo personaje, ahora atormentado por algún recuerdo) y afianzaron su éxito internacional. Un paso hacia delante para sus responsables y un gran éxito en toda Europa que empezó a abrirle a Leone las puertas de otros países que deseaban colaborar con él. Morricone nos regaló una de sus bandas sonoras más míticas, conocida por todos y copiada hasta la saciedad. El spaghetti-western, realmente, no había hecho más que empezar.

Con su tercera entrega, Leone logró la culmen de este subgénero. De nuevo la autoparodia era sutil e implícita, casi siempre a través de Tuco, el feo del título, y las situaciones que provoca o vive. La historia y los personajes volvieron al primer plano, y el presupuesto pasó de ser un problema a ser un claro punto a favor, permitiendo realizar una obra de cine épica de las que tanto fascinaban a Leone. Una calidad de imagen discreta y unos escenarios funcionales dieron paso a secuencias impactantes llenas de extras y con extensos decorados y localizaciones filmadas con material de mayor calidad. Esta narración sobre tres hombres que iban detrás de un tesoro, y en la cual no podían prescindir de ninguno de los otros dos, ya que cada uno sólo conocía una pista para dar con él, supuso un claro intento por parte de su director de evolucionar e ir un paso más allá. Ambientarla en la guerra civil estadounidense fue otro claro acierto, dotando al film de cierto realismo y crudeza en varias secuencias de los que carecían sus predecesoras, además del componente espectacular de las secuencias bélicas integradas sin fisuras en la historia, contrastando con la parodia que sigue realizando en cuanto al género al que pertenece.

Toda esta mejora en el medio no supuso que dejaran de lado los aspectos positivos de las anteriores. Los personajes siguen siendo antológicos, menos clichés que antes y más realistas pero igualmente memorables. Su búsqueda de ese tesoro los llevará a cambiarse de bando en más de una ocasión, sin saber en quién confiar a cada momento, a la vez que presencian cómo esa guerra está rebanando del pescuezo del país. El tramo final es sin duda el más intenso de toda la saga, muchas veces imitado en otras obras por su duelo triple. Entre toda esta maravilla sigue destacando la aportación de Morricone, de nuevo conocida por todos. La música supo adaptarse magníficamente al tono épico del film, y acompaña a las imágenes con una perfección pasmosa, tanto en los momentos íntimos como en los de acción. Muy conocido es también su tema “L'estasi Dell'oro”, en la cual añade un importante componente místico al momento en el que llegan al lugar en el que se haya el tan ansiado tesoro.

Imprescindibles hoy en día en el género del western, sorprende lo que fueron capaces de lograr comenzando con tan poco, para acabar con una trilogía claramente ascendente y que lograba con cada entrega proyectar aún más en todo el mundo el nombre de sus tres mayores artífices. Después Leone demostró con Once Upon a Time in America que con muchos medios o con pocos seguía teniendo el control absoluto. Muchos se plantean hoy en día si el spaghetti-western realmente ha contribuido de manera positiva en el cine o sólo ha aumentado su capacidad de parodia. Pero yo no encuentro demasiado parecido entre las supuestas parodias de hoy en día y las que hizo Leone. Sinceramente, están equivocados, no hay color. Ojalá no fuese así.

Álex de la Iglesia y el Cine español

2009-02-12T13:30:00.002+01:00

Salseando me he topado con un artículo en El País en el que Álex de la Iglesia (El día de la bestia, Los crímenes de Oxford) reflexiona sobre qué puede estar pasándole al Cine español, y algunas posibles formas de sanar eso que mucha gente considera una herida de muerte.

Reconozco que con el Cine español tengo mis más y mis menos. Muchas veces reniego de él (si es que con ciertas películas lo ponen a huevo), pero evidentemente no todo es una mierda. Eso hay que reconocerlo.

Transcribo aquí el artículo completo aunque si prefieres leerlo en su formato original, lo tienes aquí. Quizá un artículo como este pueda abrir en el blog un debate sobre cómo se encuentra el Cine español actual... o quizá no.

Consideraciones intempestivas
Álex de la Iglesia

Yo me dedico a esto del cine desde hace veinte años. Es mi trabajo, con las películas pago la hipoteca y el colegio de las niñas. Cuando las películas van mal, se me ponen los huevos de corbata porque igual no consigo trabajar el año que viene. Cuando van bien, puedo pensar en proyectos más arriesgados. Así funciona. Vales lo que ha hecho tu última película. Todos lo sabemos y me parece justo. Son las reglas del juego.

¿Qué es esta historia del cine español? ¿Quiénes somos? ¿Por qué estamos aquí, y no otros mejores, que seguro que los hay? ¿Por qué lo de fuera parece mucho más bonito? ¿Por que Spiderman 3 no es española? Todas estas preguntas y muchas más se responderán adecuadamente en este apasionante artículo.

A los que hacemos cine se nos presentan tres opciones: afrontar un proyecto pequeño, íntimo, personal, socialmente comprometido. Rodar una "pequeña joya", como las denominaba Fernández-Santos, que nos da prestigio en festivales, pero que no genera industria. Éste ha sido el camino adoptado predominantemente desde los setenta y ochenta, y sigue vivo hasta hoy.

Dos: lanzarse al cine de género intentando llegar al público, con una productora que se deja la piel, con dinero de una televisión, muchas ganas y poca experiencia. Es el modelo nacido en los noventa, que ha dado buenos resultados y que genera industria, pero no la suficiente. Tres: salir corriendo y buscarte la vida en otra parte. Es el modelo adoptado por muchos amigos, que se hartan de peleárselo, o de las nuevas generaciones, que no quieren perder el tiempo. Me parece honesto. Tampoco genera mucha industria.

Hay otro camino. Pero antes de desvelarlo, una pequeña digresión sobre mi momento anímico actual. Escribo este artículo a las tres y veinte de la madrugada. No puedo dormir porque tengo un jet lag del quince, tras un viaje a Los Ángeles para hablar con Paramount y Universal de nuestro próximo proyecto. Como la mayor parte de los que nos dedicamos a esta profesión, aunque tu sede social esté en Burgos, llega un momento en que comienzas a viajar a Hollywood para reunirte con gente, asunto agotador y divertidísimo. Mi próxima película tiene producción francesa y española. Se rodará en inglés y contaremos con socios americanos. La película se rodará en Alicante, Londres y Miami. El equipo, madrileño, catalán y vasco, aunque también hay un par de tipos de Canarias. El vino, de La Rioja; el cordero, de Aranda.

Este sin Dios es la única manera de hacer las cosas desde Europa. Unirnos en proyectos comunes. Buscar financiación en otros países, coproducir. Si queremos jugar en primera división, hay que mover el culo. Creo que es posible. ¿Cuál es la síntesis del proceso dialéctico? Eliminar de la tesis los elementos que producen contradicciones. En este caso, a mi parecer, la solución pasa por intentar que nuestro cine sea menos español, aunque suene fuerte decirlo. Abrir los contenidos a mercados internacionales. Hay que abandonar la mochila de nuestro complejo intelectual, porque no deja de ser una excusa. Hablar de industria, de producto y de mercado. El cine es todo eso, y no tenemos que pedir perdón por ello. Las pequeñas joyas son maravillosas, pero son pocas. El mercado no puede abastecerse exclusivamente de Beluga. Esto es un trabajo, no una tienda delicatessen. Si pensamos en pequeño, si queremos artesanía en lugar de industria, estamos perdiendo un terreno que ocuparán los que piensan en grande.

Me quedan una cuantas preguntas por responder. En primer lugar: ¿quiénes somos? Los que podemos y queremos. Yo quería hacer cine, y punto. Ahora me siento parte de esto y estoy orgulloso, porque conozco a mis compañeros. Gracias a la Academia nos vemos todos los años, compartimos problemas y descubrimos que son los mismos. Tenemos que hablar, discutir, aportar soluciones, buscar que esto sea rentable. Cuando una película española triunfa, es bueno para todos. La Academia y sus premios son valiosísimos, nos sirven para levantar proyectos que no han tenido la repercusión adecuada, y pueden prolongar la vida comercial de una película para que los productores no pierdan dinero.

Si los señores productores no ganan dinero, no hacemos películas. Por Dios, abandonemos de una vez por todas el miedo a decirlo. Esto tiene que funcionar, no se trata de quedar bien en un festival y volverse a casa.

Segunda pregunta: ¿por qué estamos nosotros y no otros mejores? Porque esos mejores no llegan. No tienen la oportunidad. Muchos no consiguen aguantar el tirón. No es fácil dedicarse a esto cuando eres actor y no te llaman. Me río cuando leo que se deberían hacer menos películas. ¿Qué pasa con los técnicos? ¿Qué pasa con los de vestuario y maquillaje? ¿Qué pasa con los cámaras, foquistas, con los scripts? ¿De qué diablos viven sus familias? La única manera de tener una industria más sólida es rodar. Un ejemplo: muchos dicen que nuestro problema son los guiones. Que no se nos ocurren historias que enganchen. Solución: si los guionistas trabajan, y en lugar de un guión escriben veinte, las historias mejoran. Yo conozco el sudor, el trabajo. La inspiración no existe: es un invento de los poetas, que tienen muchísimo tiempo libre. Si los técnicos mejoran, las películas mejoran. Es de cajón.

Tercera pregunta: ¿por qué lo de fuera parece mucho más bonito? Porque tienen más dinero. Eso nos provoca envidia y fascinación. Solución: pongamos los medios para que nuestras películas provoquen envidia y fascinación. Juguemos la partida. Desde hace unos años lo estamos haciendo: ahí están Alatriste, Los otros, Hable con ella, El orfanato, Rec y tantas otras. Se puede.

Cuarta pregunta: ¿por qué Spiderman 3 no es española? Porque tenemos mucha suerte. Los contenidos pueden ser los mismos si el tratamiento es el correcto. Se pueden hacer películas de la Guerra Civil y que se vendan en todo el mundo: El laberinto del fauno es un buen ejemplo. No estoy hablando de dejar de ser nosotros ni de perder la identidad. El cine que se hace en este país es asombrosamente heterogéneo. Nadie está casado con nadie, no hay escuelas, ni corrientes, ni directrices. Aprovechémoslo, saquémosle partido, como el maestro Almodóvar ha sabido hacerlo. Hacer una película no es sólo hacer una película: es venderla, colocarla en el mercado. Ya no podemos seguir quejándonos. Se puede hacer. Unámonos para conseguirlo.

La que se nos viene encima...

2009-02-05T09:15:00.014+01:00

Ay, ay, ay... Este año 2009 va a haber duras batallas, durísimas, para erigirse como rey de la taquilla...

Watchmen (Zack Snyder)
Lobezno (Gavin Hood)
Star Trek (J. J. Abrahams)
Ángeles y demonios (Ron Howard)
Terminator: Salvation (McG)
Noche en el museo 2: Batalla en el Smithsonian (Shawn Levy)
Harry Potter y el misterio del príncipe (David Yates)
...

Watchmen es una de las películas más esperadas de los últimos tiempos y llegará a las pantallas en marzo, tal y como estaba previsto, a pesar de todos los asuntos de demandas legales que la Fox y la Warner intercambiaron. Basada en la denominada "mejor novela gráfica de la historia".

Lobezno contará a principios de mayo el origen de uno de los personajes más queridos de la Patrulla X (más conocidos como X-Men). Si todo va bien en taquilla (¿alguien lo duda?) comenzarán a rodar el origen de otro personaje fundamental en la serie: Magneto

Casi en las mismas fechas tenemos Star Trek , dirigida por el creador e ideólogo de la serie Perdidos, J. J. Abrahams. Quiere revitalizar la famosa saga y ya veremos si lo consigue. Contará en ella la juventud de sus personajes más famosos, cómo no, entre ellos el capitán Kirk y el doctor Spock.

Después, ¡también en mayo! tendremos las nuevas aventuras de Tom Hanks en la piel de Robert Langdon con Ángeles y demonios, basada en el éxito de ventas de Dan Brown, autor de El código Da Vinci y de la que ya pudimos ver su adaptación al cine con el mismo equipo.

¿No quieres caldo? Pues toma tres tazas. Tras esos estrenos llega también en mayo Terminator: Salvation, con un Christian Bale viviendo los momentos más dulces de su carrera (taquilleramente hablando) en el papel de John Connor, con cyborgs a tutiplén, que en realidad es lo que queremos ver. Quieren revitalizar la franquicia que quedó un poco floja con la tercera entrega.

Además, y por supuesto también en mayo, Ben Stiller volverá a las andadas con Noche en el museo 2: Batalla en el Smithsonian, que no sé qué me da, que puede ser la gran perjudicada de toda esta batalla de taquillas.

Un poquito más alejada en fechas queda la sexta entrega de Harry Potter: Harry Potter y el misterio del príncipe, que vio retrasada su fecha de estreno de noviembre de 2008 a julio de 2009. Vaya usted a saber porqué. Cálculos de la productora, supongo.

¡Qué ganas de verlas todas! Y, por cierto, en diciembre llega Avatar, de James Cameron. Los dientes están largos.

Pues sí que empiezo bien...

2009-02-03T22:48:00.007+01:00

En el anterior post, mi texto de presentación, y en la primera línea, una errata. Pues empiezo bien mi andadura en el blog...

Se trata del año de producción de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? de Robert Zemeckis. Puse que era del año 1986 y es dos años posterior, de 1988. Así que comienzo pidiendo perdón por esa errata, y ya que estamos, comento algo sobre la película.

Cuando la vi en el pequeño cine de mi barrio (ya empezamos con recuerdos de hace un montón de años...), que emitía películas de vídeo en un proyector en pantalla más o menos grande, la verdad es que fue una experiencia muy grata. Ver juntos a tantos dibus para cualquier chaval tiene que ser algo especial, sin duda. Imaginemos hoy en día a los Pokemon, a Bob Esponja, a Nemo, a Shrek... todos juntos. Los peques de hoy en día lo gozarían. Pues en aquellos años con Bugs Bunny, Mickey Mouse, Porky, el Pato Lucas, Silvestre y el Pato Donald, etc... con toda una mezcla de dibujos animados tanto de Warner Bros. como de Disney, de la Universal... también lo gozamos. Aunque me consta que sigue habiendo niños a los que les encanta ver a Roger Rabbit y sus andanzas.

Christopher Lloyd está fantástico en el papel del malo de la película (inolvidable Juez Doom), Bob Hoskins con un pasado que le hace odiar a los dibus, Roger Rabbit haciendo una travesura tras otra pero con un corazón inmenso, su mujer Jessica Rabbit, la sexualidad en persona (perdón, en dibu)... Y toda una serie de secundarios (las comadrejas y el taxi, por ejemplo) que no hacen sino enriquecer esta entretenida y original película, considerada ya todo un clásico moderno del Cine.

Si no me equivoco es la única ocasión en la que tantos personajes animados de diferentes productoras o compañías han compartido película. A modo de anécdota y ya casi acabando, comento que el pique entre las dos grandes Warner y Disney se hizo patente al obligar a que sus dos grandes estrellas, Bugs Bunny y Mickey Mouse, tuvieran el mismo número de secuencias, el mismo tiempo de aparición en la película, y el mismo número de palabras en el texto... De esa forma, en la película comparten plano y asunto arreglado. Otro tanto de lo mismo sucedió con el Pato Donald y el Pato Lucas: aparecen juntos en pantalla en un duelo caótico a la par que divertidísimo de pianos.

¿Quién engañó a Roger Rabbit? obtuvo 8 nominaciones a los Oscar, de los cuales obtuvo cuatro: mejores efectos visuales, mejor sonido, mejor montaje y un Oscar especial para Richard Williams por la "animación, dirección y creación de personajes animados".

Un último dato curioso: el título original es Who framed Roger Rabbit, sin ningún interrogante en él, ya que se tenía la superstición de que las películas con interrogante en el título eran estrepitosos fracasos. Roger Rabbit fue un rotundo éxito.

TRAILER (en inglés)

Más imágenes

Jon, dos veces Jon

2009-02-02T21:04:00.005+01:00

- Una película de los Teleñecos, con un villano al estilo del Juez Doom (Christopher Lloyd) en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Robert Zemeckis, 1986).
- Y si no , nos enfadamos (Marcello Fondato, 1974), con Bud Spencer y Terence Hill
- Arma letal (Richard Donner, 1987)
- Robocop (Paul Verhoeven, 1987)
Esos títulos, por orden cronológico en mi memoria, son los primeros que recuerdo haber visto en una pantalla de cine.
La primera, no recuerdo su título, pero sí recuerdo la estupenda sensación con la que me quedé y el miedo que el malo de la película provocaba en mí. Respecto a la segunda, me divertí una barbaridad viéndola. Cómo no se va a divertir uno viendo a Bud Spencer dar mamporros a diestro y siniestro con la ayuda de su inseparable colega Terence Hill. En cuanto a la tercera, estaba calificada para mayores de 18 años y yo aún, lógicamente, no los tenía, por tanto temí que no me dejaran pasar pero no hubo ningún problema gracias al señor taquillero, que no dejó escapar la ocasión para ganar un dinerillo gracias a un espectador más. Y la última de las mencionadas, aparte de seguir pareciéndome una joya de los años ochenta, me dejó maravillado con qué tipo de cosas se podía uno encontrar en las películas… ¡Un policía moribundo es transformado en robot!
Esas películas supongo que fueron la chispa que encendió en mí la curiosidad por ver películas y más películas, dándome cuenta, además, de que si se veían en pantalla grande merecían aún mucho más la pena…
Organismos cibernéticos que viajan en el tiempo, niños que no quieren crecer y que luchan contra piratas que temen a los cocodrilos y al Tiempo, dinosaurios revividos, quinquis del barrio chino de Barcelona, Drácula enamorado… Evidentemente si me pongo a recordar tantas cosas, tantos personajes, tantos viajes que pude realizar durante los años siguientes a aquellas primeras proyecciones (y que sigo realizando), no acabaría nunca. Por tanto, si tuviera que buscar una respuesta a eso de por qué me gusta el Cine, o qué sensaciones provoca en mí, supongo que ya lo he respondido: me hace viajar, conocer nuevos personajes e historias, sentirme identificado con ellos… me entretiene, al fin y al cabo.
Todo eso, unido a que el Zinemaldi – Festival Internacional de Cine de San Sebastián, me pilla muy cerca, hace que mi pasión por el Cine, de la que me siento realmente orgulloso, no hace sino aumentar.
Y que no pare.

Jon. R. R.

Con este texto quiero dar la bienvenida a mi nuevo colaborador, Jon R. R., que seguro amenizará las entradas de este blog mucho más de lo que yo he logrado. Es un honor poder leerte aquí, Jon, y no dejes de lado tu magnífico blog, ¡A txiflar! ;). Estaremos todos atentos a sus entradas, que seguro nos encantarán, y serán más dinámicas que las mías.

La melancólica vida del chico mancha

2009-01-19T19:41:00.007+01:00

En Navidad acabé al fin de leer el libro sobre Martin Scorsese. Digo "al fin" no porque fuese una lectura pesada, sino porque llevaba ya casi un año con él, así que simplemente ya iba siendo hora, incluso con mi sorprendente ritmo de lectura. Tras dejarlo reposando sobre la mesilla, ahora ya sin ser boca arriba, le tocó el turno a Tim Burton, en un análisis de su obra escrito por Hilario Rodríguez. Justo ahora he acabado el libro, y ciertamente ha sido una lectura menos ilustrativa, aunque sólo sea por el poco espacio dedicado a cada una de sus obras (no llega a 5 carillas), aunque al menos me ha permitido conocer más detalles de su vida que ayudan a comprender e interpretar mejor algunas constantes de su obra. Pero, sin duda, el mayor descubrimiento ha sido el de la mini-serie para internet que Tim Burton creó en el año 2000, Stainboy, basada en las historias que el director ha escrito desde hace ya mucho tiempo (podemos revisitarlas en 'La melancólica muerte del chico ostra', un libro muy recomendable, tanto por las historias como por las ilustraciones genuinamente burtonianas).

En esta serie, emitida hace tiempo por Canal +, se nos narran las aventuras del chico mancha, un marginado con poderes que le permiten crear manchas con diversas finalidades (deslizarse sobre ellas, hacerlas de humedad para destrozar un techo, etc). Durante los seis episodios de que consta la mini-serie, el joven intentará ser aceptado en la sociedad eliminando a otros de su misma clase, como la chica mirona o el chico tóxico. La policía no dudará en aceptar su ayuda para eliminar a esos elementos fuera de lugar en la sociedad, aunque no por ello aceptarán realmente al joven como uno más. Todo esto con el habitual humor macabro e irónicamente cruel de Burton y su particular estilo visual.

Os dejo los 6 episodios doblados al español embebidos. ¡Espero que os gusten!

La chica mirona

El chico tóxico

Cabeza de bola de bolos

El chico robot

La chica cerilla

El nacimiento del chico mancha

Descargue, por favor

2009-01-05T17:44:00.010+01:00

Yo soy de los que creen que cuando una peli te interesa de verdad siempre es mejor ir a verla al cine, por diversas razones (visionado más impactante, comentar con los amigos al salir de la sala, la sorpresa de los tráilers de pelis futuras...), pero claro, a veces el presupuesto no lo permite, o simplemente nuestros magníficos distribuidores deciden no estrenar las pelis, o lo hacen con años de retraso. Por eso esta vez simplemente os quiero recomendar esta web, donde podréis encontrar muchas películas, series y anime en versión original subtitulada en español y con descarga directa de Megaupload, Rapidshare o ambos. Están subidas en formato rmvb, uno no demasiado común pero de gran calidad y poco tamaño. Se actualiza continuamente con nuevos estrenos, muchos de los cuales aún no han llegado a España. Creo que se merece una oportunidad por parte de aquellos que a veces nos sentimos despreciados por la cartelera.

Y de postre os dejo este otro blog donde hay cientos de bandas sonoras también en descarga directa. Tiene verdaderas rarezas, ediciones que son casi imposibles de encontrar en tiendas o incluso descatalogadas. Aún hoy en día la estoy recorriendo buscando joyas, y se sigue actualizando día a día, con clásicos y novedades.

Un saludo, y ¡felices Reyes a todos!

Leche desnatada

2009-01-01T18:31:00.004+01:00

'Milk'
('Mi nombre es Harvey Milk')

AÑO: 2008
DURACIÓN: 128 min.
DIRECTOR: Gus Van Sant
GUIÓN: Dustin Lance Black
BANDA SONORA: Danny Elfman
FOTOGRAFÍA: Harris Savides
MONTAJE: Elliot Graham
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Sean Penn, James Franco, Emile Hirsch, Josh Brolin, Diego Luna, Alison Pill, Victor Garber, Denis O'Hare, Joseph Cross, Stephen Spinella, Lucas Grabeel, Brandon Boyce, Howard Rosenman, Kelvin Yu, Jeff Koons, Ted Jan Roberts, Carol Ruth Silver, Hope Tuck, Steven Wiig, Kelvin Han Yee, Robert Chimento, Ginabel Machado, Daniel Landroche, Trace Webb, Velina Brown

Los estudios no han podido elegir una fecha mejor para el estreno de esta película, o mejor dicho, no podían haber sido más agraciados por el destino. Focus Features tiene que agradecer la victoria de Barack Obama, ya que ha sido una muestra de que buena parte del pueblo estadounidense espera que alguien cambie las cosas en su país, y no hay mejor modo de soñar con ello que admirando la vida de grandes iconos políticos de su país. Sobre Kennedy difícilmente se podrá hacer una película, especialmente tras la joven Bobby, así que había que buscar a otro. Sobre presidentes clásicos aún hace poco que dieron en su televisión una serie sobre John Adams, protagonizada por Paul Giamatti, en la cual también desfilan otras personalidades como J. Quincy Adams, G. Washington, B. Franklin, etc. Era preciso buscar algo más reciente, alguien que diera la imagen de modernidad para estos momentos de esperanza e ilusiones. En ese momento los ejecutivos recordaron a un hombre de corta pero intensa y sobre todo simbólica vida política, Harvey Milk, el hombre que luchó en San Francisco por los derechos de los homosexuales y que poco duró en su cargo en el ayuntamiento, ya que fue asesinado por su ex-compañero Dan White sólo un año después de ser elegido.

Hablando ahora ya de los verdaderos responsables del film, Gus Van Sant es un cineasta bastante peculiar, errático en su estilo y transeunte ocasional tanto del cine independiente más típico de Europa como de las películas de estudio propias de la meca del cine. Tras su gran éxito con Good Will Hunting vagó unos años en un cine difícilmente descriptible (como su copia plano a plano de la mítica Psycho de Hitchcock), para después volver a su primerizo cine independiente, logrando algunos éxitos importantes en Europa (Elephant), y ahora decidirse a conquistar de nuevo los corazones estadounidenses. Por el momento lo ha logrado, tanto con crítica como con público, y era realmente previsible viendo la gente implicada en el film, toda de indudable talento, y la propia historia que narra descrita anteriormente.

No se puede negar la calidad técnica de la película, ni tampoco la solvencia de sus intérpretes (aquí conviene resaltar a un Josh Brolin que pide a gritos más minutos en pantalla), pero en menos de diez minutos se hace evidente la escasa implicación de Van Sant en este proyecto. El cineasta no transmite personalmente sentimientos con este film, no es capaz de traspasar a todo el conjunto la vitalidad o energía de su personaje principal, sino que se queda en punto muerto casi todo el metraje, sirviendo de simple eje para Harvey, el único motor constante de la película. El guión logra suplir esa carencia en su tramo intermedio, cuando intenta ganarse el apoyo de toda la comunidad gay, mostrando los intereses, ilusiones y argucias de todos los miembros de ese lobby. Pero el resto del tiempo nos encontramos con un número muy escaso de personajes interesantes con los que empatizar. Las dos parejas de Harvey son increíblemente planas, especialmente Jack Lira (Diego Luna, en una interpretación cercana a lo lamentable), lo que además impide que sirvan de catalizador para las emociones del protagonista, quedándose en meros pegotes para demostrar la dificultad de compaginar vida profesional y sentimental, nada nuevo en este mundo.

Van Sant y Black han creado con Milk una montaña rusa emocional (nunca muy alta por otra parte), pero por suerte en el plano narrativo no han cometido el mismo error. La vida de Milk una vez que se adentra en la política resulta realmente interesante, en especial cuando conoce a Dan White, y aunque la puesta en escena no esté especialmente inspirada, sí es suficientemente eficaz como para no aburrir al respetable durante todo su metraje. Quizás éste sea un poco excesivo por sus minutos finales, fríos como ellos solos, pero se soporta sin problemas. Su estructura ocasional en forma de flashback sí es algo más molesto, ya que no resulta otra cosa que una mera excusa para incluir directamente una voz en off que facilite la descripción de la sociedad de aquellos años. Un recurso eficaz para agilizar la narración, pero increíblemente descarado en su planteamiento.

“Una gran historia de San Francisco se convierte en una gran historia americana”, según los críticos estadounidenses, pero yo aquí simplemente veo una película fría de factura correcta y (por lo general) estupendos intérpretes sustentada por completo en un héroe de la sociedad. Un guión sobre una historia interesante por ratos de escritura algo endeble acaba de convertir esta obra en la típica película estadounidense destinada a agradar a todo el mundo en su país y cosechar unos cuantos premios. No me queda otra que rectificar: Gus Van Sant no es el verdadero responsable de esta obra; lo son los ejecutivos del estudio.

La noble arte de mirarse el ombligo.

2008-12-21T22:09:00.011+01:00

'Ultimo tango a Parigi'
('El último tango en París')

AÑO: 1972
DURACIÓN: 129 min.
DIRECTOR: Bernardo Bertolucci
GUIÓN: Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli, Agnès Varda
BANDA SONORA: Gato Barbieri
FOTOGRAFÍA: Vittorio Storaro
MONTAJE: Franco Arcalli, Roberto Perpignani
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Marlon Brando, Maria Schneider, Jean Pierre Léaud, Massimo Girotti, Maria Michi, Catherine Allegret, Giovanna Galletti

'Quiet City'

AÑO: 2007
DURACIÓN: 78 min.
DIRECTOR: Aaron Katz
GUIÓN: Aaron Katz, Erin Fisher, Cris Lankenau
BANDA SONORA: Keegan DeWitt
FOTOGRAFÍA: Andrew Reed
MONTAJE: Aaron Katz
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Erin Fisher, Cris Lankenau, Sarah Hellman, Joe Swanberg, Tucker Stone, Liz Bender, Karrie Crouse, Keegan DeWitt, Daryl Nuhn, Michael Tully, C. Mason Wells

Hace unas tres semanas me propuse escribir una crítica sobre el reciente debut de Aaron Katz, aunque al echárseme encima los exámenes y trabajos propios de este mes lo fui dejando de lado. La verdad creí que no la acabaría escribiendo, simplemente por desgana y paso del tiempo, pero el hecho de ver ayer una cinta tan mítica como la de Bertolucci y desear desmitificarla hizo que me plantease escribir una reseña paralela sobre ambas, ya que comparten su gran defecto, mas con los matices propios de 35 años de diferencia.

Ultimo tango a Parigi es, sin duda alguna, una de las películas más míticas de los años 70, y probablemente el referente más importante del cine erótico-existencial. Ahora bien, lo cierto es que existen cientos de películas mejores, más complejas, profundas y redondas que ésta, tanto en cualquiera de sus dos ramas como en el híbrido. Esta historia de un hombre derrotado tras el suicidio de su esposa y una joven cuyo único conflicto parece ser tener a un esposo ensimismado con su trabajo de director de cine sólo logra calar emocionalmente hondo en momentos contacos con los dedos de una mano. En cuanto al componente erótico, sólo puedo describirlo como patatero y desagradable. Y no desagradable por lo que hagan delante de la cámara, sino por el modo de hacerlo, casi siempre violento, tanto física como emocionalmente; una violencia cuyo origen es fácil de intuir en él, pero que no aporta nada a la historia, sin crear personajes de diversos niveles ni hacer fluir la narración. Tampoco parece muy normal que ella quiera repetir ese tipo de prácticas sin huir del hombre que ha estado cerca de violarla minutos antes.

Por tanto si las escenas de sexo ya resultan bastante gratuitas en el contexto, con esa agresividad se convierten en un simple pegote en el desarrollo de sus personajes. Bueno, lo cierto es que más bien debería decir personaje, porque de la chica poco acabamos sabiendo, aparte de la talla de su sujetador, porque como suele ocurrir en este tipo de cine a ella se le ve todo, pero a él nada. Por este motivo el personaje de Maria Schneider se convierte en un mero canalizador para el de Brando, sin motivaciones propias, sin grandes dilemas, problemas, cuestiones o conflictos. Resulta difícil de entender que ella, de repente, se entregue a este tipo de juegos sexuales si nunca ha tenido problemas en ese sentido, no lo emplea como vía de escape de otras angustias, no tiene graves conflictos con su novio y tampoco parece ser una fiera sexual reprimida. Entonces sólo nos queda centrarnos en el personaje de Brando, bastante más complejo e interesante que ella, tanto por su propia naturaleza como sobre todo por el apabullante trabajo del actor. Ninguno de sus gestos sobra al mostrar la derrota de este hombre tras perder a su esposa: su tristeza se palpa en cada movimiento y palabra suyos. Sin embargo su profundidad se pierde en un final que pretende calar hondo por extremo, y falla claramente en ello, resultando poco creíble.

Está claro que esta película consiste uno de esos casos evidentes en los que la censura supuso una ayuda increíble a la hora de promocionar la película, como Kubrick con A Clockwork Orange o Scorsese con The Last Temptation of Christ, pero la diferencia más evidente es que estos dos autores sí consiguieron obras de gran complejidad, alejadas de efectismos, que se sostienen por sí mismas y no simplemente por su cualidad de míticas. También resulta muy triste que Bertolucci, el que una vez fue compañero de generación de Wertmüller o Antonioni, fuera captado por Hollywood tras fijarse en él por esta película. Por ello me parece lamentable tanto la venta de su identidad por parte del director como el cuestionable criterio de la meca del cine por fijarse tanto en esta obra que, sin ser sonrojante, no demuestra un gran talento de Bertolucci en ningún aspecto. Por cierto, si alguien es capaz de explicarme qué tiene de mítica la escena de la mantequilla, que lo haga en cuanto pueda, antes de que pierda totalmente la fe en el criterio de la raza humana.

Ahora, tras tirar abajo mitos, hablaré de una película más reciente que de momento no tiene distribución en el circuito comercial fuera de EE.UU., y que probablemente nunca obtenga. No sería tampoco de extrañar que jamás saliera a la venta fuera de su país de origen viendo el espíritu de la película y la evolución de los Top Ten actuales.

En este caso se nos narra la historia de una joven de 21 años que llega a Brooklyn para visitar a su amiga Samantha, la cual no la recibe en la estación, por lo que se encuentra totalmente perdida en la ciudad. En esa situación pide indicaciones a un chico que simplemente pasaba por allí, Charlie, con el cual compartirá las próximas 24 horas en una gran experiencia de compartición de sentimientos y experiencias...

...o al menos eso es lo que los guionistas se esperan, y no se les pueden negar ciertos momentos bastante logrados en ese sentido. La pareja protagonista tiene la química suficiente para esas situaciones, aunque a él se le echa en falta algo más de carisma, ya que en ocasiones es totalmente aplastado por ella en pantalla. Dejando de lado el hecho de que por ello la película se sustente mucho más en ella que en él, las situaciones presentadas no resultan tan increíblemente íntimas o profundas como se puede pensar a priori. Hay momentos que por su propia naturaleza resultan incoherentes con lo demás o con la propia actitud de los personajes, como cuando se cuelan en el piso, mientras que otros no funcionan por estar rodados de forma ridícula, siendo el baile el mejor ejemplo de ello.

Los diálogos, por su parte, sí funcionan de forma más constante, aunque no por ello son estupendos. La mayoría en su intento de resultar directos y sencillos para el espectador se vuelven anodinos y sin interés, por lo que no sirven como vehículo de desarrollo o descubrimiento de los dos protagonistas. Sólo valen para recalcar en todo momento la identidad de la película como obra indie, lo que se traduce en justo lo que acabo de describir: escenas de interés dudoso rodadas como si uno las viviera en su casa, con todo tipo de diálogos del día a día y una narración en ocasiones errática, que parece no conducir a ninguna conclusión.

En resumen, nos ofrecen una película eficaz a la hora de transmitir los (sencillos) sentimientos de esos dos protagonistas, pero con una línea narrativa poco trabajada o incluso aburrida en ocasiones. No se puede negar que con el escaso presupuesto del que disponían el resultado es más que digno para ser un debut, pero dista mucho de ser la obra de gran calado emocional de la que tanto han presumido en los festivales. Sólo su plano final, por lograr resumir toda la esencia de la película en un fugaz instante, es digno de ser considerado como tal, pero claro, un plano de menos de un minuto no justifica el relativo desliz de los setenta y siete anteriores.

Imagino que llegados a este punto os preguntaréis qué tienen exactamente en común estos dos films, y también a qué viene ese curioso título. Pues os diré que de ambas películas lo más molesto es su cualidad de arrogantes presumiendo de sus características. La de Bertolucci presume desde el principio al fin de su supuesta profundidad en esa mezcla de drama existencial y desagradable erotismo. Todos sus diálogos e incomprensibles reacciones de los dos protagonistas tienen el propósito de recalcar el supuesto calado de la historia, pero realmente no sirven para ello. Recomiendo claramente The Unbearable Lightness of Being antes que ésta, mucho más profunda y sensual. Quiet City, por su parte, cae en el vicio de regodearse en su condición de peli indie, con todos los defectos habituales de ese “género”, pero elevados al cuadrado, como si fueran claramente un punto a favor, y que simplemente acaban hastiando al espectador. Por tanto tenemos una cinta que presume de sus conclusiones y resultados, y otra que realiza lo mismo con su simple naturaleza, cuando realmente ninguna es para tirar cohetes. Es increíble lo que les gusta a ciertos directores el onanismo cuando el arte consiste en transmitir a los demás y no simplemente en mirarse uno solo al espejo.

Más de la nueva temporada

2008-12-09T04:23:00.007+01:00

Al igual que hace un año, publico una segunda entrada con más películas a las que deberíamos seguir la pista. Algunas no las incluí antes porque no me llamaban especialmente la atención en aquel momento, mientras que otras simplemente se me habían pasado:

'The Wrestler'

Director: Darren Aronofsky
Guionista: Robert D. Siegel
Banda sonora: Clint Mansell
Fotografía: Maryse Alberti
Montaje: Andrew Weisblum
Principales intérpretes: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Ajay Naidu

Randy "The Ram" Robinson (Mickey Rourke) es un luchador profesional de wrestling, ya retirado que, tras haber sido una estrella en la década de los ochenta, trata de continuar su carrera en el circuito independiente, combatiendo en cuadriláteros de tercera categoría. Cuando se da cuenta de que los brutales golpes que ha recibido a lo largo de su carrera le empiezan a pasar factura, Randy decide poner un poco de orden en su vida; intenta acercarse a la hija que abandonó, Stephanie (Evan Rachel Wood), a la vez que trata de superar su soledad con el amor hacia Cassidy, una stripper (Marisa Tomei).

Estreno en EE.UU.: 17 de diciembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 12 de febrero

'Slumdog Millionaire'

Director: Danny Boyle
Guionista: Simon Beaufoy
Banda sonora: A. R. Rahman
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Montaje: Chris Dickens
Principales intérpretes: Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor, Irrfan Khan, Mia Drake

Jamal Malik (Patel) es un adolescente pobre de Bombay que, tras participar en la versión hindú del programa "¿Quieres ser millonario?" y ganarlo, es detenido por la policía, convencida ésta de que ha hecho trampa y de que era imposible saberse todas las respuestas. En realidad Jamal se presentó al concurso para demostrar su amor por Latika (Pinto), una amiga suya que es una gran fan del concurso...

Estreno en EE.UU.: 12 de noviembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 19 de febrero

'Gran Torino'

Director: Clint Eastwood
Guionista: Nick Schenk (Historia: Nick Schenk, Dave Johannson)
Fotografía: Tom Stern
Montaje: Joel Cox, Gary Roach
Principales intérpretes: Clint Eastwood, Cory Hardrict, Geraldine Hughes, Brian Haley, Dreama Walker, Brian Howe, Doua Moua, Sarah Neubauer

Tras varios años logrando numerosos éxitos de crítica, Eastwood vuelve a sus papeles duros interpretando a Walt Kowalski, un veterano de la guerra de Corea que descubre que su vecino adolescente de origen asiático intenta robarle su tesoro más preciado, un Gran Torino de 1972.

Estreno en EE.UU.: 12 de diciembre
Estreno en España: 20 de febrero
Estreno en Argentina: 5 de febrero

'Changeling'
('El intercambio')

Director: Clint Eastwood
Guionista: J. Michael Straczynski
Banda sonora: Clint Eastwood
Fotografía: Tom Stern
Montaje: Joel Cox, Gary Roach
Principales intérpretes: Angelina Jolie, John Malkovich, Jeffrey Donovan, Colm Feore, Amy Ryan, Michael Kelly

Los Angeles, año 1928. Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre que recupera a su hijo, al que habían secuestrado meses antes. Pero en la locura del muy fotografiado reencuentro, comienza a sospechar que el niño que le han entregado no es su hijo. A pesar de unas fuerzas del orden corruptas y de una opinión pública más que escéptica, intenta dilucidar el misterio cueste lo que cueste. Tachada de loca e incapacitada, por fin encuentra un aliado en el reverendo Briegleb (John Malkovich), que la ayudará en su búsqueda...

Estreno en EE.UU.: 24 de octubre
Estreno en España: 19 de diciembre
Estreno en Argentina: 22 de enero

'Rachel Getting Married'
('La boda de Rachel')

Director: Jonathan Demme
Guionista: Jenny Lumet
Banda sonora: Zafer Tawil, Donald Harrison Jr.
Fotografía: Declan Quinn
Montaje: Tim Squyres
Principales intérpretes: Anne Hathaway, Debra Winger, Rosemarie Dewitt, Bill Irwin, Tunde Adebimpe, Anna Deavere Smith, Anisa George, Mather Zickel

Kym (Anne Hathaway), una ex-modelo que se ha pasado los últimos 10 años entrando y saliendo de centros de rehabilitación, regresa a casa durante un fin de semana para la boda de su hermana Rachel (Rosemarie DeWitt), trastocando el orden que parecía imperar.

Estreno en EE.UU.: 3 de octubre
Estreno en España: 31 de octubre
Estreno en Argentina: 19 de febrero

'The Visitor'

Director: Thomas McCarthy
Guionista: Thomas McCarthy
Banda sonora: Jan A. P. Kaczmarek
Fotografía: Oliver Bokelberg
Montaje: Tom McArdle
Principales intérpretes: Richard Jenkins, Haaz Sleiman, Danai Jekesai Gurira, Hiam Abbass, Marian Seldes, Maggie Moore, Michael Cumpsty, Bill McHenry, Richard Kind, Tzahi Moskovitz, Amir Arison

Walter Vale (Richard Jenkins), un profesor universitario que viaja a Nueva York, se ve envuelto en la vida de un joven pareja inmigrante que descubre viviendo en su apartamento de Manhattan.

Estreno en EE.UU.: 11 de abril
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar

'Frost/Nixon'
('El desafío: Frost contra Nixon')

Director: Ron Howard
Guionista: Peter Morgan (Obra: Peter Morgan)
Banda sonora: Hans Zimmer
Fotografía: Salvatore Totino
Montaje: Mike Hill, Daniel P. Hanley
Principales intérpretes: Frank Langella, Michael Sheen, Rebecca Hall, Toby Jones, Matthew Macfadyen, Kevin Bacon, Oliver Platt, Sam Rockwell

Adaptación de la obra teatral de Peter Morgan sobre la serie de entrevistas del periodista David Frost al presidente Nixon. En los tres años siguientes a verse obligado a dejar la Casa Blanca, Richard Nixon permaneció en silencio. Sin embargo, en el verano de 1977, el astuto y frío ex presidente aceptó conceder una única entrevista y contestar a preguntas acerca de su mandato y del escándalo Watergate que acabó con su presidencia.

Estreno en EE.UU.: 5 de diciembre
Estreno en España: 9 de enero
Estreno en Argentina: 19 de febrero

'The Curious Case of Benjamin Button'
('El curioso caso de Benjamin Button')

Director: David Fincher
Guionista: Eric Roth (Historia: Eric Roth, Robin Swicord)
Banda sonora: Alexandre Desplat
Fotografía: Claudio Miranda
Montaje: Kirk Baxter, Angus Wall
Principales intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Eric West, Elias Koteas, Elle Fanning, Taraji P. Henson

David Fincher vuelve a la dirección tras Zodiac para contarnos la historia de Benjamin Button, un hombre que nace con ochenta años y cumple años hacia atrás en el tiempo, con extrañas consecuencias.

Estreno en EE.UU.: 25 de diciembre
Estreno en España: 23 de enero
Estreno en Argentina: 29 de enero

La nueva temporada

2008-11-02T13:10:00.016+01:00

Este año he estado bastante más descolgado de la actualidad en el mundo del cine, y siento el retraso en el avance de las películas prometedoras que nos vienen. Por ese motivo, algunas de ellas ya han sido estrenadas aquí, pero considero interesante nombrarlas en esta lista. No estarán todas la que son, evidentemente, ni lo serán todas las que están, pero por algo hay que comenzar:

'Burn After Reading'
('Quemar después de leer')

Director: Ethan Coen, Joel Coen
Guionista: Ethan Coen, Joel Coen (novela: Stansfield Turner)
Banda sonora: Carter Burwell
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Montaje: Roderick Jaynes
Principales intérpretes: George Clooney, Frances McDormand, John Malkovich, Tilda Swinton, Brad Pitt, Richard Jenkins, J. K. Simmons

Tras su espectacular éxito con 'No Country for Old Men', los Coen vuelven a la comedia narrándonos la historia de Ozzie Cox (John Malkovich), un agente de la CIA que está escribiendo sus memorias, con toda su experiencia en la Agencia, en un CD. El problema surge cuando su mujer (Tilda Swinton) le roba el CD, que llega a parar a unos empleados de un gimnasio (Brad Pitt y Frances McDormand), no muy listos, que intentan chantajear a Cox. A raiz de esto, la CIA intenta seguir la pista del entuerto que se está desarrollando, y que se complica cuando uno de los empleados del gimnasio (Pitt) se encuentra con el amante (George Clooney) de la mujer de Cox. Basada en la novela "Burn Before Reading: Presidents, CIA Directors, and Secret Intelligence" del ex jefe de la CIA Stansfield Turner.

Estreno en EE.UU.: 12 de septiembre
Estreno en España: 10 de octubre
Estreno en Argentina: 23 de octubre

'Che: the Argentine'
('Che: el argentino')

Director: Steven Soderbergh
Guionista: Peter Buchman
Banda sonora: Alberto Iglesias
Fotografía: Steven Soderbergh
Montaje: Pablo Zumárraga
Principales intérpretes: Benicio del Toro, Demián Bichir, Elvira Mínguez, Jorge Perugorría, Catalina Sandino Moreno, Vladimir Cruz, Unax Ugalde, Rodrigo Santoro, Óscar Isaac, Yul Vazquez, Édgar Ramírez, Eduard Fernández, Julia Ormond, Alfredo De Quesada, Jsu Garcia, Benjamín Benítez, Armando Riesco

Primera parte del biopic del famoso guerrillero y revolucionario Ernesto 'Che' Guevara, basado en el propio diario de Guevara.

Estreno en EE.UU.: sin determinar
Estreno en España: 5 de septiembre
Estreno en Argentina: 29 de enero

'Appaloosa'

Director: Ed Harris
Guionista: Ed Harris, Robert Knott (Novela: Robert B. Parker)
Banda sonora: Jeff Beal
Fotografía: Dean Semler
Montaje: Kathryn Himoff
Principales intérpretes: Viggo Mortensen, Ed Harris, Renée Zellweger, Jeremy Irons, Timothy Spall, Lance Henriksen

Ed Harris regresa a la dirección tras su trabajo en 'Pollock' para narrarnos la historia de dos amigos, el sheriff Virgil Cole (Ed Harris) y su socio Everett Hitch (Viggo Mortensen), que en 1882 son encargados de proteger una ciudad sin ley que sufre a manos de un despiadado y poderoso ranchero, Randall Bragg (Jeremy Irons). La llegada de una atractiva viuda, Allison French (Renée Zellweger), amenazará con destruir la larga amistad entre los dos hombres de ley.

Estreno en EE.UU.: 19 de septiembre
Estreno en España: noviembre
Estreno en Argentina: 9 de octubre

'Doubt'
('Duda')

Director: John Patrick Shanley
Guionista: John Patrick Shanley
Banda sonora: Howard Shore
Fotografía: Roger Deakins
Montaje: Dylan Tichenor
Principales intérpretes: Meryl Streep, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, Viola Davis, Lloyd Clay Brown, Joseph Foster

John Patrick Shenley adapta su obra de teatro en este film donde una monja (Meryl Streep) se enfrenta en 1964 a un sacerdote (Philip Seymour Hoffman) del cual sospecha que abusa de un niño de color, siendo todo ello presenciado por una novicia (Amy Adams).

Estreno en EE.UU.: 12 de diciembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 19 de febrero

'Valkyrie'

Director: Bryan Singer
Guionista: Christopher McQuarrie, Nathan Alexander
Banda sonora: John Ottman
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Montaje: John Ottman
Principales intérpretes: Tom Cruise, Carice van Houten, Bill Nighy, Eddie Izzard, Kenneth Branagh, Stephen Fry, Thomas Kretschmann, Tom Wilkinson, Terence Stamp

Bryan Singer, tras su relativo éxito con 'Superman Returns', vuelve con un imponente reparto para contarnos la historia de la operación Valkiria, en la cual el coronel alemán Claus von Stauffenberg trató sin éxito de matar a Adolf Hitler en 1944.

Estreno en EE.UU.: 26 de diciembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 12 de febrero

'Australia'

Director: Baz Luhrmann
Guionista: Baz Luhrmann, Ronald Harwood, Stuart Beattie, Richard Flanagan
Banda sonora: David Hirschfelder
Fotografía: Mandy Walker
Montaje: Dody Dorn, Michael McCusker
Principales intérpretes: Nicole Kidman, Hugh Jackman, David Wenham, Bryan Brown, Jack Thompson

Luhrmann vuelve por todo lo grande con una de las superproducciones más caras de los últimos años, en la que nos narra la historia de Lady Sarah Ashley (Nicole Kidman), una aristócrata inglesa que abandona su país para seguir a su marido a Australia poco antes de que se desencadene la II Guerra Mundial.

Estreno en EE.UU.: 26 de noviembre
Estreno en España: 26 de diciembre
Estreno en Argentina: 1 de enero

'W.'

Director: Oliver Stone
Guionista: Stanley Weiser
Banda sonora: Paul Cantelon
Fotografía: Phedon Papamichael
Montaje: Julie Monroe
Principales intérpretes: Josh Brolin, Elizabeth Banks, James Cromwell, Thandie Newton, Ellen Burstyn, Jeffrey Wright, Toby Jones, Stacy Keach, Bruce McGill, Ioan Gruffudd, Jesse Bradford, Richard Dreyfuss, Scott Glenn, Noah Wyle, Jason Ritter

Biografía de George W. Bush (Josh Brolin) por parte de Oliver Stone, que aborda temas como la relación con su padre, el ex-presidente George H.W. Bush, su juventud, sus problemas con el alcohol, su conversión al cristianismo y su ascenso a la presidencia de los Estados Unidos.

Estreno en EE.UU.: 17 de octubre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar

'The Brothers Bloom'

Director: Rian Johnson
Guionista: Rian Johnson
Banda sonora: Nathan Johnson
Fotografía: Steve Yedlin
Montaje: Gabriel Wrye
Principales intérpretes: Rachel Weisz, Adrien Brody, Mark Ruffalo, Rinko Kikuchi, Robbie Coltrane, Maximilian Schell

Tras su debut con 'Brick', Rian Johnson vuelve con un reparto de campanillas para contarnos la historia de dos tipos que se han criado juntos en hogares de acogida y que han aprendido a sobrevivir convirtiéndose en delincuentes, todo con una estética muy particular que atraerá a alguna gente y a otra le resultará demasiado extravagante.

Estreno en EE.UU.: 19 de diciembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar

'Milk'

Director: Gus Van Sant
Guionista: Dustin Lance Black
Banda sonora: Danny Elfman
Fotografía: Harris Savides
Montaje: Elliot Graham
Principales intérpretes: Sean Penn, Emile Hirsch, James Franco, Josh Brolin, Diego Luna

Van Sant nos cuenta la historia de Harvey Milk, el primer político abiertamente homosexual elegido para un cargo público en Estados Unidos, en 1977, y que sería asesinado un año después junto al alcalde de San Francisco.

Estreno en EE.UU.: 26 de noviembre
Estreno en España: 6 de febrero
Estreno en Argentina: sin determinar

'Synecdoche, New York'

Director: Charlie Kaufman
Guionista: Charlie Kaufman
Banda sonora: Jon Brion
Fotografía: Frederick Elmes
Montaje: Robert Frazen
Principales intérpretes: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Michelle Williams, Dianne Wiest, Emily Watson, Samantha Morton, Hope Davis, Jennifer Jason Leigh, Tom Noonan, Rebecca Merle, Barbara Haas, Tim Guinee

Tras un gran éxito como guionista, Charlie Kaufman debuta como director con la historia de Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman), un director teatral que intenta representar una obra creando una réplica de Nueva York a tamaño natural dentro de un almacén. Durante diecisiete años de preparación de dicha obra, su vida pasará por diversas etapas.

Estreno en EE.UU.: 24 de octubre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 26 de marzo

'Revolutionary Road'

Director: Sam Mendes
Guionista: Justin Haythe (novela: Richard Yates)
Banda sonora: Thomas Newman
Fotografía: Roger Deakins
Montaje: Dariq Anwar
Principales intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn, David Harbour

La popular pareja protagonista de 'Titanic' vuelve a la gran pantalla de la mano del marido de ella, Sam Mendes. Ambientada a mediados de los años cincuenta, DiCaprio y Winslet interpretan a una pareja con dos hijos, que vive en los suburbios de Connecticut. Su vida es aparentemente feliz, pero ambos se encuentran ante la disyuntiva de luchar por sus verdaderos deseos o conformarse con su estado actual, con explosivas consecuencias.

Estreno en EE.UU.: 26 de diciembre
Estreno en España: 30 de enero
Estreno en Argentina: 29 de enero

'The Reader'

Director: Stephen Daldry
Guionista: David Hare (novela: Bernhard Schlink)
Banda sonora: Alberto Iglesias
Fotografía: Chris Menges
Montaje: Claire Simpson
Principales intérpretes: Kate Winslet, Ralph Fiennes, Bruno Ganz, David Kross, Alexandra Maria Lara, Linda Bassett, Susanne Lothar, Matthias Habich, Ludwig Blochberger, Volker Bruch, Hannah Herzsprung

En la Alemania de la postguerra, Hanna Schmitz (Kate Winslet), una antigua vigilante de un campo de concentración nazi, intenta continuar con su vida ocultando su pasado, llegando a iniciar una relación con un joven veinte años menor que ella.

Estreno en EE.UU.: 10 de diciembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar

Lujosos chicles y alambres.

2008-10-18T18:16:00.007+02:00

'The Game'

AÑO: 1997
DURACIÓN: 128 min.
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: John Brancato, Michael Ferris
BANDA SONORA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Harris Savides
MONTAJE: James Haygood
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Michael Douglas, Sean Penn, James Rebhorn, Deborah Kara Unger, Peter Donat, Carroll Baker, Armin Mueller-Stahl, Anna Katarina

Pocos cineastas me han producido sentimientos tan encontrados como el tan admirado y copiado hasta la saciedad David Fincher. Comencé viendo su magnífica Se7en, en la cual ya vislumbré su tendencia al cuidado visual y la creación de atmósferas angustiosas y/o agresivas. Mi siguiente paso dentro de su filmografía fue The Fight Club, esa cinta de culto que a tantos ha cautivado hasta ahora, pero que para mí sólo simboliza la máxima expresión de la hipocresía dentro del cine (no me explayaré ahora sobre este tema, que daría para bastantes párrafos). Por suerte, tras pensar que el autor había sido destrozado por su propio estilo al llevarlo al exceso, llegó la excelente Zodiac, donde fue capaz de callarme la boca al saber aunar su sello autoral con una elegancia que hasta ahora nunca había mostrado. Entonces me animé a ver The Game, esta cinta protagonizada por los siempre eficaces Michael Douglas y Sean Penn, ya que las reticencias que anteriormente tenía habían desaparecido tras su última obra.

En ella nos narra la historia de un exitoso pero amargado hombre de negocios, Nicholas Van Orton (Michael Douglas, que quedó parcialmente encasillado en el papel de ejecutivo tras ganar un Oscar por interpretar al inversor Gordon Gekko en la recomendable Wall Street de Oliver Stone), que el día de su cumpleaños recibe un regalo de su hermano (Sean Penn), el cual consiste en una tarjeta-regalo de una empresa llamada CRS, la cual, según sus propias palabras, “hace la vida más fácil”. Tras la desconfianza inicial, tanto hacia su hermano como hacia la empresa, decide llamarles, por curiosidad más que por otra cosa, y entonces comienza una pesadilla que jamás se habría imaginado.

Si en Se7en David Fincher creaba una atmósfera opresiva y angustiosa en general, aquí lo realiza únicamente alrededor del personaje de Michael Douglas. Pero eso no supone una limitación de sus facultades o un simple error por su parte, sino la correcta aplicación de sus constantes autorales al contexto del film. En la primera cualquiera podía ser la víctima del asesino en serie encarnado por Kevin Spacey, pero aquí la única víctima de la pesadilla es Nicholas. En ese sentido, en el intento de transmitir la angustia de un único personaje y no tanto de desgranar su mente, moral o intenciones, podríamos compararla con After Hours, de Scorsese, aquel film donde se nos narraba otra pesadilla vivida a lo largo de una noche por un informático en el Soho neoyorquino. El inicio de la pesadilla es muy diferente en ambos casos: Nicholas la comienza llamando a una empresa, Paul Hackett (Griffin Dunne) quedando con una chica a la que acaba de conocer con la esperanza de acostarse con ella. La naturaleza de la pesadilla también varía notablemente, ya que mientras en la cinta de Fincher nos encontramos con una serie de sucesos relacionados entre sí de carácter casi paranoico, en la de Scorsese asistimos a una cadena de episodios, a cada cual más catastrófico (por cierto, todos con una mujer relacionada, algo inusitado en el cine de Martin), pero creíbles de manera individual. Sin embargo ambos comparten ese aspecto ya comentado: se centran en transmitir la angustia de su protagonista, aunque lo hagan de modos diferentes. Scorsese se decanta por intentar poner al espectador en la piel de Paul en lo que a sus reacciones se refiere, a la vez que con su habitual manejo de la cámara no da tregua al espectador entre episodio y episodio. Fincher prefiere crear una atmósfera que sea la que transmita esa angustia, a la vez que la propia historia siembra la desconfianza hacia cada esquina o personaje que aparece. Ambos salen muy bien parados en sus intenciones (algo más Scorsese que Fincher, incluso partiendo de un personaje más plano como es ese yuppie neoyorquino), pero The Game tiene una clara debilidad: su guión.

No es que nos encontremos ante una mala historia, unos personajes increíblemente pobres o incoherentes o un desarrollo inadecuado por aburrido. El espectador rara vez se aburrirá con esta intriga magníficamente rodada por Fincher, como es habitual en él (incluso en la falsísima The Fight Club), con mención especial para la fotografía de Savides; verá a un creíble personaje muy bien encarnado por Michael Douglas y deseará que la historia continúe con el fin de saber cuál es la verdadera naturaleza de ese juego. El problema vendrá cuando lo descubra. Entonces sólo cabrá dos posibilidades: que el globo se desinfle por completo y el espectador se sienta estafado, o bien que admita los defectos de ese guión que difícilmente se sostendrá a partir de ese momento pero que también sepa apreciar las virtudes de esta cinta de suspense. Aquí no hay posibilidad de encajar las piezas, así que no os esforcéis. Esto no es Memento. Esto no es The Sixth Sense. Esto no es Los otros. Esto es un juego de David Fincher, que o bien te entretiene y captura, o bien te entretiene y estafa. Cuando acabó me di cuenta de que no se merecía aquellas enormes reticencias a verla que tenía. Pero, la verdad, sí se merecía alguna.

Todas las plumas desaparecen con el viento.

2008-09-24T02:43:00.020+02:00

'We Own the Night'
('La noche es nuestra')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 117 min.
DIRECTOR: James Gray
GUIÓN: James Gray
BANDA SONORA: Wojciech Kilar
FOTOGRAFÍA: Joaquín Baca-Asay
MONTAJE: John Axelrad
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Joaquin Phoenix, Mark Wahlberg, Robert Duvall, Eva Mendes, Danny Hoch, Alex Veadov, Oleg Taktarov, Dominic Colon, Joe D'Onofrio

Un buen día te dispones a comprar un coche nuevo, y entonces te acercas a tu concesionario favorito. Quizás sea Ford, o Seat, puede incluso que BMW, pero eso poco importa. Comienzas a mirar los coches, y uno de ellos te llama especialmente la atención. Es precioso, tiene un gran acabado, tiene clase. No hay nada más que pensar: lo compras. Sales del concesionario orgulloso con tu nuevo vehículo, y de repente te das cuenta de que el motor no va tan bien como pensabas. Al llegar al semáforo ves que los frenos no son ninguna maravilla. Nada falla del todo, pero no funciona tan bien como su precioso aspecto hacía prever.

Evidentemente esto nos ocurre con todo: ese juego cuya caja o tráiler prometían tanto, esa lavadora con decenas de funciones automáticas o el portátil cuyas prestaciones técnicas parecían excelentes. Y claro, el cine no es una excepción. De hecho es uno de los mejores envoltorios que existen para un producto. Esta We Own the Night es un excelente ejemplo de ello, curioso caso de película cercana a la serie A más prestigiosa que se pretende infiltrar entre ellas, y técnicamente lo logra, pero no en otros aspectos.

La historia, a priori, parece dar juego para situaciones dramáticas jugosas e intensas: el jefe de policía de Nueva York tiene a sus dos hijos enfrentados tanto profesional como personalmente, ya que uno de ellos, Joseph, sigue sus pasos en el cuerpo de policía con un expediente intachable mientras que el otro, Bobby, regenta un exitoso club donde se mueven todo tipo de estupefacientes. Primer problema: la situación es mostrada con conflictos iniciales entre padre y hermanos, es decir, bastante forzada al no dar una simple explicación de por qué uno acabó en el mundo de las drogas, siendo éste un tema crucial. Podemos suponer que fue simplemente porque su hermano era el favorito, pero no lo sabemos, la película no lo confirma. Quizás no sea un problema demasiado grave, pero ya empezamos a vislumbrar el sendero de la película.

Tras la consabida introducción de personajes, ambientes en los que se mueven y la muestra de la existencia de esos conflictos, comienza la verdadera historia de la película, al pedirle Joseph ayuda a Bobby para atrapar a un narcotraficante que frecuenta su local. Evidentemente, éste se niega, lo normal con los evidentes roces familiares que existen. Dicha decisión da pie a un trágico suceso para Joseph, y a partir de aquí los personajes se convierten en meros títeres para que una historia de intriga policial avance.

Comenzamos con una reacción por parte de Bobby nada creíble (arriesgar su vida no parece algo muy normal si tanto resentimiento alberga hacia aquéllos por los cuales lo realiza), y seguiremos por una cadena de acciones por parte tanto de él como de otros secundarios (principalmente su novia Amada, personaje florero donde los haya) que parecen guiadas por un titiritero. Pocas cosas encajan en su moral, sentido común o cadena de prioridades, cambiantes continuamente sin motivos aparentes. Los sentimientos de responsabilidad hacia la familia están totalmente fuera de lugar para una persona que ha renegado de ellos durante años, adoptando el apellido de su madre. Pero Gray no adopta coherencia ninguna, y simplemente nos muestra una cadena de acciones-reacciones que sirven para hacer avanzar la historia, sin prestar apenas atención al desarrollo o simple consistencia de sus personajes. Sólo podemos salvar completamente de la quema al padre, por otra parte personaje de escasa profundidad o importancia por sus acciones, simple referencia paternal con el fin de provocar ese sentimiento de responsabilidad familiar en Bobby. Y aún nos queda por comentar el clímax final, poco creíble por la mala planificación por parte de la policía, sirviendo esto como excusa para provocar otra forzada escena de supuesta gran carga dramática, pero que no funciona lo más mínimo.

Aún así no podemos negar sus virtudes: está bastante mejor dirigida que escrita. Con un gran aprovechamiento de los medios, una magnífica planificación, un reparto notable (si exceptuamos a Eva Mendes, a la cual aún le queda por demostrar que merezca ser considerada “actriz”), un montaje muy adecuado en las escenas de acción y un trabajado apartado visual. Es entretenida, es ágil, la narración es más que correcta, en ningún momento se hace pesada, el espectador puede darse cuenta de lo forzado de las situaciones, pero no es manipulado en ningún momento. No voy a mentir, pasé un rato entretenido viéndola, pero como todas las plumas, ésta será llevada por el viento y dudo que la vuelva a ver, ya que Gray ha demostrado ser estupendo empaquetando regalos, pero no tan bueno eligiéndolos, y el paquete ya ha sido abierto.

Algo huele a genialidad en Japón.

2008-08-19T02:37:00.005+02:00

'Ran'

AÑO: 1985
DURACIÓN: 160 min.
DIRECTOR: Akira Kurosawa
GUIÓN: Akira Kurosawa, Hideo Oguni, Masato Ide (Novela: William Shakespeare)
BANDA SONORA: Toru Takemitsu
FOTOGRAFÍA: Asakazu Nakai, Takao Saitô, Masaharu Ueda
MONTAJE: Akira Kurosawa
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Tatsuya Nakadai, Akira Terao, Jinpachi Nezu, Daisuke Ryu, Mieko Harada, Yoshiko Miyazaki, Hisashi Igawa, Peter

Las obras de Shakespeare han dado pie a numerosas adaptaciones a la gran pantalla, desde los clásicos de Laurence Olivier hasta las geniales adaptaciones de Kenneth Branagh (su Hamlet es de una calidad inmensa), pero casi siempre se olvidan de otro genio del cine, otro que las adaptó de un modo mucho más personal, arrastrando a sus personajes a otro continente, metiéndolos en otra cultura. Akira Kurosawa fue ese artífice de diversas obras que constituyen adaptaciones libres de obras de Shakespeare en Japón, pero manteniendo la genialidad del dramaturgo inglés en lo relativo a sus personajes y conflictos. Trono de sangre, Los canallas duermen en paz, Kagemusha o la que ahora me ocupa, Ran, son ejemplos del interés del genio japonés por el genio británico y de su empeño por adaptarlo a su cultura manteniendo la esencia de la obra.

Como adaptación libre de 'El rey Lear', en Ran se nos cuenta la historia del clan Ichimonji, cuyo patriarca, Hidetora, decide un día dividir sus territorios entre sus tres hijos. Pero en ese momento Saburo, el menor de ellos, le expone sus ideas sobre tal acción, y se gana el desprecio y la desconfianza de su padre, por lo que resulta expulsado de sus tierras. Así pues, sus dos hijos mayores se reparten el reino, siendo el primogénito el nuevo jefe del clan, aunque su padre queda como un elemento importante de él, conservando unos cuantos soldados como su guardia personal. Taro, el primogénito, no ve con buenos ojos que su padre conserve cierto poder, e incitado por su esposa, Kaede, le exige deshacerse de sus hombres y de cualquier poder que aún pueda ostentar. Indignado, Hidetora busca apoyo en su segundo hijo, Jiro, pero éste tiene las mismas ansias de poder que su hermano mayor, así que su padre queda tirado en sus antaño propios territorios con el apoyo únicamente del bufón de la corte, Kyoami, y unos pocos hombres que le son leales. Finalmente se refugia en el castillo de su tercer hijo, el cual ha quedado vacío, y allí es atacado por las tropas de Taro y Jiro. Sus hombres son masacrados, sobreviviendo únicamente él al ataque, y quedando su mente claramente alterada ante semejante cadena de acontecimientos. Poco antes de terminar la batalla, Taro es asesinado por uno de los hombres de Jiro con el objetivo de que éste sea el nuevo patriarca del clan. Cuando consigue su nuevo puesto, se encuentra con la presión de Kaede, la cual amenaza con decirle al pueblo cómo logró convertirse en el nuevo patriarca. Descendiente de una familia aniquilada por los ejércitos de Hidetora, y casada por simple conveniencia con Taro, sólo desea la destrucción completa del clan Ichimonji, y hará lo que sea por conseguirlo.

Kurosawa tardó casi una década en poder realizar esta apoteósica obra, una oscura disección del ser humano y de sus deseos de poder y venganza por encima de cualquier otra cosa. Ninguno de los protagonistas escapa del todo de esta visión pesimista del ser humano. Ni siquiera el marginado Hidetora, que realmente ve que lo único que hace es cosechar lo sembrado durante largos años de mandato en el clan. Unas tierras conquistadas de forma salvaje, unas familias destrozadas por sus hombres y unos hijos malcriados son los causantes de su caída. La película en ningún momento hace hincapié en las acciones realizadas por el padre, pero sí en sus consecuencias, como bien muestra el encuentro con el cuñado de Jiro, perteneciente a una de las familias aniquiladas años atrás, y al cual obligó a sacarse sus propios ojos como castigo. Sin embargo, y tras muchos años de reclusión como un ermitaño en una cabaña perdida, no guarda especial rencor al clan Ichimonji, simplemente porque no quiere avivar más el fuego. Todo lo contrario que Kaede, la cual sólo desea la destrucción del clan, aunque ello pudiese conllevar su propia caída tras haberse casado con Taro.

La intensidad dramática propia de las obras de Shakespeare está todo tiempo en pantalla, gracias tanto a la excelente adaptación de la obra al Japón del siglo XVI como a un reparto en estado de gracia, destacando el veterano Tatsuya Nakadai como Hidetora. Sus miradas y gestos de desesperación, indignación o terror son uno de los grandes pilares del film. Constituye el principal motor moral de la película, aquel que nos muestra las consecuencias de sus acciones, en contraste con Kyoami, el motor intelectual, aquel que con sus chascarrillos y bromas hace grandes reflexiones sobre lo que ha ocurrido, se debería haber hecho o va a suceder. Kaede, primero en un segundo plano, se convierte en un personaje clave y de gran intensidad cuando muere su marido y vuelca sus esfuerzos en el nuevo patriarca, Jiro. Destrozada tras la muerte de su familia, en ella sólo quedan deseos de venganza, por lo que acaba siendo un personaje incluso más oscuro y amoral que los dos hermanos mayores.

Kurosawa logró tras muchos años de trabajo, y teniendo que buscar apoyo económico fuera de su país, una obra maestra de una intensidad dramática increíble y una gran belleza plástica. Nada desentona lo más mínimo en esta historia repleta de personajes inolvidables, planos ejemplares por su sencillez e intensidad (cuando Hidetora espera su muerte en el tercer castillo mientras las flechas atraviesan la ventana) y momentos épicos, tanto en términos de producción como de dramatismo. Sé que esta crítica no le hace justicia a esta película, y sólo puedo excusarme diciendo que se trata de una de esas obras que considero claramente por encima de mis posibilidades. Lo único que puedo hacer es quitarme el sombrero ante Kurosawa. De nuevo.

Cadena de estupideces.

2008-08-17T02:52:00.005+02:00

'Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull'
('Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal')

AÑO: 2008
DURACIÓN: 125 min.
DIRECTOR: Steven Spielberg
GUIÓN: David Koepp
BANDA SONORA: John Williams
FOTOGRAFÍA: Janusz Kaminski
MONTAJE: Michael Kahn
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Harrison Ford, Cate Blanchett, Shia LaBeouf, Karen Allen, John Hurt, Ray Winstone, Jim Broadbent

La primera se convirtió al momento en un clásico del cine de aventuras, y con los años pasó a ser el clásico por antonomasia de ese género, y un modelo imitado decenas de veces. La segunda fue recibida con más frialdad debido a su tono oscuro y pesimista respecto al ser humano, algo muy arriesgado en una película con intenciones comerciales, aunque conserva la diversión y el excelente trabajo de Spielberg tras la cámara. La tercera fue recibida como el segundo advenimiento de Cristo, como una de las mejores películas de la historia para mucha gente, aunque supuso un claro paso atrás (más bien una caminata atrás) respecto a su predecesora. Tiene un gran ritmo, pero no tarda demasiado en mostrarse como la más infantil de ellas, llena de escenas ridículas que simplemente quieren arrancar la carcajada al público más joven, aunque para ello se valgan de absurdos y momentos poco creíbles. Ni siquiera el carismático Sean Connery, con su magnífico trabajo, puede salvarla de ser una película de aventuras mediocre, cercana al comercialismo que imperaría en la mayor parte del cine estadounidense de los noventa. Y ahora, casi veinte años después, nos llega la cuarta entrega. Los fans más acérrimos de Indy la reclamaban desde hacía algunos años, pero muchos nos temíamos que habría ido un paso más allá (o más atrás, según se mire) respecto a la tercera.

La frase que mejor define esta película es, a su vez, una de las que mejor define la sociedad actual, “el fin justifica los medios”, motivo por el cual se convirtió en una película de gran éxito de público y taquilla, y moderadamente para la crítica. Nos encontramos ante una película en la que todo vale con tal de ver acción en la pantalla y que el ritmo no cese. No son simplemente escenas ridículas, como en la tercera entrega, sino que han logrado llegar a un nuevo nivel: el absurdo total. No importa que las escenas se salten toda lógica en este mundo, o que resulten estúpidamente gratuitas, o que sean incoherentes entre sí; sólo importa que el ritmo no cese. Una estupidez, otra estupidez, otra estupidez más... así durante todo el metraje, sin tregua para el espectador. La narrativa no importa lo más mínimo en la película. Casi se podría decir que no existe. La historia no es más que una excusa para mostrarnos una secuencia de imágenes supuestamente entretenidas que pretenden no dar tregua, puede que para que el espectador no reflexione sobre lo que está viendo.

La estrategia, cuando menos, tiene sentido, ya que hay escenas que resultan totalmente imperdonables, comenzando por la ya famosa nevera indestructible o los nativos que están encerrados dentro de estatuas para acechar a los intrusos, unos intrusos que no llegan desde hace siglos; pasando por unas hormigas que forman una columna para atacar a los humanos. ¿Tiene lógica? Evidentemente no, pero eso no importa, ya que el resultado es lo que cuenta. Pero no sólo de situaciones ridículas vive este film, ya que los personajes nuevos salen igual de mal parados. Irina, la soviética interpretada por Blanchett, es uno de los villanos más estúpidos que se han visto en la historia del cine. Sin especial carisma, ni personalidad, con momentos para mayor gloria de la absurdez de la peli (cuando le coloca a Indy la mano en la frente). El doctor Oxley es posiblemente uno de los peores papeles que el veterano John Hurt ha interpretado en su vida. Durante la mayor parte de sus escenas hace poco más que bailar y saltar de manera estúpida, sin gracia alguna. Ray Winstone tampoco tuvo mucha suerte con su personaje, que quizás no sea tan ridículo, pero resulta tan pobre que todos sus movimientos se huelen a kilómetros. Shia LaBeouf se ocupa de un personaje arquetípico al cien por cien, el típico adolescente rebelde. No lo hace mal, pero con un personaje tan pobre es difícil lucirse. Sin duda el que resultó más afortunado fue Jim Broadbent, que simplemente cubre el hueco dejado por Denholm Elliott al principio y final de la película. Ésa es su suerte, que apenas sale en este despropósito, y no tienen tiempo ni para dejar que su personaje haga el ridículo.

Harrison Ford, la verdad, ya no está para estos trotes. Interpreta con solvencia su papel, pero a esa edad es difícil verlo como un héroe de aventuras o de guerra. Su presentación en pantalla, como el regreso de una leyenda, funciona ahora bastante bien ya que se acaba de estrenar, pero dentro de unos años será una escena de autocomplacencia absoluta por parte de Spielberg, un error más en esta ristra interminable. El regreso de Karen Allen es algo más discreto, pero optaron por dirigir a su personaje por esa senda de la patochada que jamás había pisado en la primera entrega. Convirtieron a un personaje de marcado carácter en otra excusa más para hacer reír al espectador. Otro eslabón más en la cadena de errores que estamos recorriendo.

Estúpida, incoherente, absurda, idiota, autocomplaciente. Se la podía calificar de muchos otros modos, ninguno positivo, pero no cabe duda de que es una película acorde con los tiempos actuales, en los cuales todo ha de transcurrir lo más rápido posible, sin dar tregua para la reflexión o la narración detallada y pausada. Es un paso de Spielberg dentro de ese submundo del cine cuyo dios es Michael Bay. Algo está claro, triunfará en los MTV Movie Awards, y ya lo dijo Fellini: "La televisión es el espejo donde se refleja la derrota de todo nuestro sistema cultural".

Porque somos demasiados...

2008-08-04T03:26:00.005+02:00

'Jude'

AÑO: 1996
DURACIÓN: 122 min.
DIRECTOR: Michael Winterbottom
GUIÓN: Hossein Amini (Novela: Thomas Hardy)
BANDA SONORA: Adrian Johnston
FOTOGRAFÍA: Eduardo Serra
MONTAJE: Trevor Waite
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Kate Winslet, Christopher Eccleston, Liam Cunningham, Rachel Griffiths, June Whitfield

No son pocos los autores que han tratado amores imposibles por diversos motivos, ya sea por convenciones de época (Edith Wharton), motivos morales o religiosos (Graham Greene) o condiciones históricas (Sebastien Japrisot). No voy a mentir en este tema: no soy precisamente un gran literato, así que a casi todos los conozco por sus respectivas adaptaciones al cine. A esta lista tengo que sumar ahora a Thomas Hardy, que en su novela 'Jude el oscuro' nos narra la historia de un joven serio y trabajador con ansias de ser un hombre cultivado.

Jude Fawley nació en un pequeño pueblo de la campiña inglesa, y parecía predestinado a ser labriego o dedicar su vida a manejar un cincel, pero un día su mentor, el señor Phillotson, le contó que leyendo libros mientras otros estaban en la calle, estudiando mientras otros se divertían y yendo a la universidad cuando fuese mayor un nuevo mundo se abriría ante él. Jude se tomó muy en serio sus palabras, y desde entonces su vida consistió en trabajar lo suficiente para poder vivir con su tía y cultivarse de manera solitaria. Pero un día una chica del pueblo, Arabella, se fijó en él, y no cesó en su empeño hasta que logró llevarlo al altar. Poco después, viendo ambos que su matrimonio era un error, sus vidas se separaron, marchando ella a Australia y él a intentar ingresar en la universidad. Entonces, en su nueva ciudad, siempre bajo la sombra de seguir casado con Arabella, conocerá a su prima Sue Bridehead, con la que comenzará una intensa amistad que se convertirá en un complejo amor no consumado...

Entre el amor de Jude y Sue se interpondrán varios elementos, siendo el principal de ellos las convenciones morales de la época, pero también ellos tendrán sus propias dudas morales, y al final, tras un dramático episodio, incluso religiosas. Por estos motivos las similitudes con las obras de Wharton ('The Age of Innocence') y Greene ('The End of the Affair') son bastante evidentes, aunque la historia sea algo menos sutil y rica, sobre todo en cuanto a personajes. Jude no es un hombre increíblemente complejo, aunque eso es realmente lo que se nos quiere mostrar en la historia, por lo cual admira a su prima Sue, una mujer cultivada, compleja y adelantada a su época. Sobre Arabella no sabemos demasiadas cosas, aparte de que parece ser una mujer sencilla del campo, lo que en cierto modo era un impedimento para las ansias de Jude por cultivarse, ya que él no se conformaba con vivir de despiezar cerdos. De todos modos, su importancia en la historia es más bien simbólica, el estilo de vida al que Jude estaba destinado y que se negó a abrazar, bien a través de ella o de otra mujer. Sue representa totalmente lo opuesto, una vida con más libertad y alejada de convenciones sociales, religiosas o morales, con interés por la cultura y conocer mejor el mundo. Y aparte de estos tres, no tenemos muchos más personajes con verdadera importancia en la trama. Todas las frustraciones por las dificultades de su amor se revelan a través de ellos mismos o de personajes episódicos poco desarrollados, lo que dificulta el llegar a comprender del todo de dónde vienen sus reacciones, a pesar de que todos lo sepamos.

La historia resulta, por tanto, muy interesante, y está bien narrada, pero se ve lastrada por las limitaciones de articularse realmente en sólo dos personajes, uno de ellos claramente “dominado” por el otro, y de incluir ciertos pasajes carentes de sutileza, como el de la escena del dormitorio de sus hijos, escena crucial pero algo exagerada y poco creíble debido al escaso, por no decir nulo, desarrollo de la personalidad de su hijo mayor. Uno puede intuir que eso iba a pasar por ciertas líneas de diálogo, pero se hubiera agradecido una profundización en la mente del pequeño, por lo que parece bastante más atormentada de lo que todos se imaginaban. El trágico final (que nadie considere esto un spoiler, porque cualquiera intuye que esta historia no va a acabar bien, tanto por el tono del film como por su desarrollo) encaja bastante bien con el resto de la historia, y supone una evolución muy interesante del personaje de Sue, pero probablemente le parezca a más de uno forzado al tener su origen en la escena citada anteriormente.

En cualquier caso, Winterbottom logró una obra de calidad notable, sin marcar demasiado las tintas en los momentos más endebles del escrito, realizando un canto al verdadero amor y a la injusticia imperante en el mundo. Para conseguirlo se rodeó de un equipo destacable, con el portugués Eduardo Serra como responsable de una preciosa y melancólica fotografía y unos excelentes Christopher Eccleston y Kate Winslet. Kate ha demostrado en pantalla la libertad de espíritu como pocas actrices han hecho (Titanic, Iris, Eternal Sunshine of the Spotless Mind), y aquí vuelve a bordarlo, construyendo un personaje con una vitalidad contagiosa en casi todo el metraje. Eccleston también destaca como el joven con ansias de cultura pero perdido Jude, en especial en los momentos en que tiene que mostrar sus sentimientos de un modo más sutil, saliendo algo peor parado en los momentos explícitamente más dramáticos.

Muchos la recordarán por el desnudo de Kate Winslet, como se puede comprobar por internet, pero esta película de Michael Winterbottom tiene otras virtudes por las que merece ser vista. Crítica, dura, desgarradora, pesimista y un canto al amor verdadero. A veces peca de resultar excesiva, y en otras ocasiones de resultar algo simple por sus escasos personajes, pero no hay duda en que transmite magníficamente su mensaje: en el amor, como en todo en este mundo, para poder ganar o perder hay que arriesgar.

Los primeros hombres "libres" en el espacio.

2008-07-31T03:50:00.009+02:00

'The Right Stuff'
('Elegidos para la gloria')

AÑO: 1983
DURACIÓN: 184 min.
DIRECTOR: Philip Kaufman
GUIÓN: Philip Kaufman (Novela: Tom Wolfe)
BANDA SONORA: Bill Conti
FOTOGRAFÍA: Caleb Deschanel
MONTAJE: Glenn Farr, Lisa Fruchtman, Tom Rolf, Stephen A. Rotter, Douglas Stewart
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Sam Shepard, Dennis Quaid, Barbara Hershey, Scott Glenn, Ed Harris, Fred Ward, Scott Paulin, Lance Henriksen, Charles Frank, Jeff Goldblum, Harry Shearer, Scott Wilson, Levon Helm, Donald Moffat, Pamela Reed, Veronica Cartwright, Kim Stanley

Los soviéticos son los mensajeros del Diablo en la Tierra. Hay que estar en todo momento por encima de ellos, porque los americanos son los grandes defensores de la libertad y los derechos civiles en el mundo. Ellos han realizado las más grandes hazañas de la historia, como el invento del teléfono, el avión o el cine. Por eso jamás de los jamases pueden estar por debajo de esos egoístas y asquerosos comunistas.

Esto es más o menos lo que pensaba el pueblo estadounidense en los años 50 y 60, cuando dio inicio la carrera espacial y ocurría la Guerra Fría. Y esta película sobre los primeros estadounidenses que viajaron al espacio no tiene reparos en contarlo de ese modo. Esto le confiere cierto tufillo patriótico, aunque bastante contenido por parte de su director y guionista, Philip Kaufman, y que supone un pequeño lastre para la película. Ciertos logros de la URSS son reconocidos en el film, pero siempre por debajo de los obtenidos por la NASA, mucho más celebrados y épicos. La parcialidad reina en todo momento en la película, además de larga duración, pero, por increíble que parezca, se salva con creces por muchos otros aspectos.

Dejando ya bien claro este apartado, casi siempre el más destacado y criticado de la película, y con razón, debemos tener en cuenta sus numerosas virtudes, empezando por una historia bastante fiel en lo que nos cuenta (teniendo en cuenta que sólo nos narra los hechos americanos, eso sí), muy interesante por adoptar diferentes puntos de vista (políticos, científicos, pilotos, sus familias, etc) y, sobre todo, con muchos e interesantes personajes, creíbles en todo momento. Además, se agradece que se dedique un importante segmento del metraje al olvidado Chuck Yeager, pionero en atravesar la barrera del sonido, apasionado de su profesión, con unos claros principios morales, sin ganas de ser una estrella mediática y un piloto mucho más experimentado que los primeros astronautas. El ritmo no decae en ningún momento, gracias también a un buen montaje que alterna con gran acierto algún material de la época con el metraje rodado para la película. Los momentos especialmente graciosos y dramáticos, aunque escasos, están muy bien aprovechados, sobre todo los primeros (la secuencia de los diferentes cohetes de prueba explotando, con la guinda final, es impagable). Quizás haya ciertos personajes en los cuales podrían haber profundizado más (de los 7 astronautas, 3 carecen de especial importancia en la trama), pero aquellos explorados con profundidad la convierten en una película de marcado interés y cierta densidad, narrando tanto sus logros como fracasos y frustraciones, bien personales o profesionales, y cómo se le ocultaban al pueblo estadounidense para que siguieran pareciendo héroes (un pequeño contrapunto a ese patriotismo que impera en parte del metraje).

La complejidad de todos estos personajes se la tenemos que agradecer tanto al escritor de la novela original, Tom Wolfe, como al reparto que los encarna. Un reparto que hoy en día impresiona, pero que en su momento eran intérpretes no demasiado conocidos, como Scott Glenn, Barbara Hershey, Sam Shepard, Lance Henriksen, Ed Harris, Jeff Goldblum o Dennis Quaid. Todos cumplen de sobra con sus papeles, incluso algunos intérpretes algo limitados, como Fred Ward, siendo especialmente destacables los trabajos de Glenn, Harris y Shepard por tener los personajes más interesantes y desarrollados. Ah, y no olvidemos el increíble parecido del actor Donald Moffat con el presidente Lyndon Johnson. Pocas veces se ha visto una caracterización tan acertada con un político en el cine.

Otro apartado controvertido en la cinta, y que merece ser mencionado, es la banda sonora de Bill Conti. Cualquier aficionado a la música clásica notará enseguida que se basa claramente en los trabajos de Gustav Holst correspondientes a “Los planetas”, confirmándolo algo tan sencillo como el incluir la pieza “Marte: el portador de la guerra” en el film. El tema principal tiene bastantes notas en común con la pieza dedicada a Júpiter y con la anteriormente mencionada, motivo por el cual muchos han tildado de vergonzoso este trabajo. Sí es evidente que fue sobrevalorado en su momento (fue galardonado con un Oscar), pero nadie puede negar que la banda sonora es de lo más adecuada para la película y muy agradable de escuchar, a pesar de ser algo breve, por lo que no supone sino otro punto a favor para su visionado. Eso sí, es imperdonable que en los créditos no figure en ningún sitio el nombre de Holst, verdadero artífice póstumo de esta banda sonora.

Lo cierto es que he realizado esta reseña con el mero objetivo de reivindicar una película que, a pesar de tener los defectos descritos, es muy recomendable e increíblemente agradable de ver, conjugando de un modo curioso profundidad y dualidad en los personajes y un tratamiento algo parcial de la historia, clara maniobra de Philip Kaufman para lograr mayor prestigio y poder en Hollywood con el objetivo de realizar películas mucho más arriesgadas, personales, complejas y mejores, como The Unbearable Lightness of Being (toda una proeza al adaptar estupendamente la obra de Kundera, de una complejidad emocional increíble) o Quills. Si todas las películas patrióticas y con intención de lograr poder en Hollywood fueran como ésta, la meca del cine no tendría tan mala fama en ciertos círculos. Así que, sin más dilación, la recomiendo a cualquiera que se atreva con una película algo densa, larga y de estupendo reparto y factura (destacable también el esfuerzo de Caleb Deschanel en la fotografía, en especial las bellas estampas desde el espacio conseguidas con diversos efectos ópticos), pero que tenga en cuenta, eso sí, que las temidas barras y estrellitas amenazan con asomar por el televisor en ciertos momentos.

Por cierto, el teléfono no lo inventó Graham Bell, sino el italiano Meucci. Pobres estadounidenses. Aunque al menos no fue un ruso.

Puedes hacerlo. Cualquiera puede hacerlo.

2008-05-27T11:15:00.008+02:00

'Before the Devil Knows You´re Dead'
('Antes que el Diablo sepa que has muerto')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 117 min.
DIRECTOR: Sidney Lumet
GUIÓN: Kelly Masterson
BANDA SONORA: Carter Burwell
FOTOGRAFÍA: Ron Fortunato
MONTAJE: Tom Swartwout
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney, Marisa Tomei, Rosemary Harris, Aleksa Palladino, Michael Shannon, Amy Ryan, Brian F. O'Byrne, Lee Wilkof

83 años. Con esa edad cualquier director se habría retirado ya (menos Manoel de Oliveira, el cual amenaza con fallecer claqueta en mano). Pero Sidney Lumet ha decidido no hacerlo. Un Oscar honorífico. Estatuilla maldita y sinónimo de decadencia y cuesta abajo en la carrera de cualquiera en el mundo del cine. Pero a Sidney Lumet no le ha afectado. Realizar una película decente y de autor con Vin Diesel como protagonista. Nadie se lo habría imaginado. Pero Sidney Lumet sí. Ni los años, ni las maldiciones, ni los actores de mala fama pueden con este grande (aunque de filmografía irregular, eso sí) del celuloide estadounidense. Y los aficionados al buen cine tenemos que dar las gracias de que así sea, y esperemos siga siendo por bastantes años.

Lumet ha tenido que volver a los personajes frustrados o fracasados de sus orígenes para regalarnos una de sus mejores obras. Cuando menos desde Prince of the City, y es incluso posible que desde Dog Day Afternoon, Lumet no nos había deleitado con una obra tan redonda como ésta, con tanta garra y fiereza en su planteamiento y personajes. Y poco tardamos en darnos cuenta de todo esto, ya que en cuanto conocemos la situación de los hermanos Andy (Philip Seymour Hoffman) y Hank (Ethan Hawke) y su plan para atracar la joyería de sus padres (Albert Finney y Rosemary Harris) nos percatamos de que vamos a presenciar una historia de dimensiones épicas en su plano emocional y moral.

Narrada mediante flashbacks según el punto de vista de los principales personajes, la historia no ofrece grandes giros argumentales, ni pretende hacerlo, pero sí logra descubrir progresivamente las personalidades de sus protagonistas, en especial de Andy. Quizás los flashbacks no sean un modo muy original de contarlo en plena era de ruptura con la narración lineal, pero resultan eficaces a la hora de mostrar la evolución de cada personaje al centrarse en él durante un buen tramo de metraje, sin saltar de uno a otro continuamente. La historia va aumentando en intensidad de un modo espectacular, hasta alcanzar un clímax memorable en sus últimas escenas.

A la grandeza del guión de Kelly Masterson (sorprende que haya logrado semejante resultado con éste su primer libreto) se le suma un trabajo de dirección por parte de Lumet simplemente brillante. Su habitual sobriedad alejada de cualquier tipo de efectismo queda como anillo al dedo a esta historia, al igual que ocurría con Dog Day Afternoon o Serpico, al contar con una narrativa cargada de dinamismo e intensidad, algo que no pasaba con Network o The Verdict, que, a pesar de contar con grandísimos guiones, no tuvieron en Sidney Lumet al mejor director por resultar más densos y lentos. También hemos de destacar el estupendo uso de la banda sonora (compuesta por el habitual de los Coen, Carter Burwell), algo poco habitual en Lumet, como podemos comprobar en cualquiera de sus trabajos anteriores.

Pero si hay algo que siempre ha resultado perfecto en todos los films de Lumet es su deslumbrante dirección de actores, y aquí no tenemos una excepción. Todo el reparto está sublime en sus dispares papeles, en especial ese monstruo de la interpretación que es Philip Seymour Hoffman, que realiza uno de sus mejores trabajos como el gélido Andy, con una permanente muestra de sentimiento de superioridad respecto a los demás, en especial a su fracasado hermano Hank, interpretado estupendamente por un Ethan Hawke que simplemente necesita una mirada para mostrarnos todo su temor. Quizás el único que en ocasiones se exceda un poco sea un Albert Finney que el resto del tiempo resulta indispensable en la pantalla.

En 1957 Lumet sorprendió a todo el mundo debutando con 12 Angry Men, que poco tardó un convertirse en clásico y en una de las películas más influyentes de su época. Y ahora, 51 años después, demuestra que está más en forma que nunca, regalándonos una de sus mejores obras, un drama con aires de tragedia clásica griega plagada de escenas magistrales, personajes intensísimos e interpretaciones memorables, demostrando mejor incluso que Robert Altman el popular dicho: más sabe el Diablo por viejo que por Diablo.

¿La familia? Mal, gracias.

2008-05-02T03:21:00.009+02:00

'The Savages'
('La familia Savages')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 113 min.
DIRECTOR: Tamara Jenkins
GUIÓN: Tamara Jenkins
BANDA SONORA: Stephen Trask
FOTOGRAFÍA: W. Mott Hupfel III
MONTAJE: Brian A. Kates
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Philip Seymour Hoffman, Laura Linney, Philip Bosco, Peter Friedman, Gbenga Akinnagbe, Cara Seymour

El cine independiente estadounidense lleva unos cuantos años triunfando en crítica, en las entregas de premios, y varias veces en taquilla, en base a películas de personajes con lustrosos repartos con una carga dramática enorme, siendo el ejemplo perfecto Crash. Pero por suerte este año dos películas han roto esa tendencia y demostrado que se puede hacer una excelente película con un trasfondo interesante sin cargar demasiado las tintas en lo dramático: las excelentes Juno y The Savages, film que ahora nos ocupa.

El principal motivo de la película, la unión del esfuerzo de dos hermanos distanciados para ayudar a su egoísta padre, con el cual llevan 20 años sin hablarse, cuando éste demuestra que comienza a estar senil al tiempo que su pareja fallece, no parece ser especialmente original, y es un tema que ya hemos visto decenas de veces en el cine (por ejemplo, Affliction, de Paul Schrader, que tiene un marco similar en ese aspecto, aunque la relación con el padre es muchísimo más dura). Pero hay algo que la diferencia de casi todas las demás, y es ese aspecto que tanto se echa en falta en el cine de hoy en día: la honestidad.

Empieza por ser honesta con su guión y sus personajes principales, a los cuales no carga de grandilocuentes frases, personalidades increíblemente complejas ni situaciones exageradas o poco creíbles, presentándolos simplemente como un par de hermanos cuyas vidas van ligeramente a la deriva, sobre todo en el caso de ella. Tienen una vida arreglada, pero en ningún caso se encuentran satisfechos con ella. Él, Jon, es profesor universitario, pero no logra triunfar con sus ensayos y estudios sobre grandes escritores. Ella, Wendy, trabaja en unas oficinas, y también pretende triunfar como escritora, en este caso en el teatro. Y ambos tienen una vida emocional problemática, una por ser la amante de un hombre casado de 52 años y otro por ver cómo su novia debe volver a su Polonia natal al caducar su visado y no estar dispuestos a arreglarlo mediante el matrimonio. En cuanto al padre, no profundiza en exceso en su personalidad al encontrarse ya senil, pero por los comentarios y recuerdos de los hermanos podemos identificarlo como un hombre que valía para cualquier cosa menos para criar hijos. Entre los hermanos, como en todas las familias, también ha habido y seguirá habiendo importantes diferencias, pero ello no supone un lastre para mostrar entre ellos una relación bastante cordial y totalmente natural, alejada de escenas truculentas que intenten levantar ampollas por viejos rencores.

La honestidad sigue con su puesta en escena, sencilla pero nunca ineficiente o a medio gas, con momentos realmente inspirados, como ese prólogo en el que se nos muestra una ciudad para ancianos que bien podría haber ideado un irónico Tim Burton. Pero sin duda el plato fuerte de la cinta es, como es normal en una película de personajes, su reparto, con tres actores en estado de gracia. Laura Linney nunca había estado tan convincente como en esta emocionalmente perdida Wendy, que pronto se erige como el verdadero personaje principal de la película. Con sencillos gestos logra expresar toda la inestabilidad emocional y posterior sentimiento de culpa de esta mujer. Philip Seymour Hoffman se aleja de papeles más afectados que los que había interpretado con anterioridad y nos regala una espléndida actuación que destila naturalidad por los cuatro costados como un sensato profesor que oculta su sensación de fracaso. Bosco logra dotar de gran dignidad y bastante empatía a un personaje que lo tenía todo para resultar el “villano” de la película, y se convierte en otro pilar imprescindible de esta obra.

Aunque todos estos aspectos resultan grandísimos puntos a favor, todavía queda la honestidad más importante de cualquier película: la honestidad hacia su audiencia. Tamara Jenkins trata a los espectadores con un respeto digno de admiración y total ausencia de cualquier tipo de moralina en todo el metraje. Y lo cierto es que la cinta era especialmente dada a ello teniendo en cuenta no sólo la propia trama, sino otros detalles que se nos muestran, como la automedicación con ansiolíticos y antidepresivos por parte de Wendy y su posterior consejo a su hermano para que haga lo mismo. Pero el trabajo de Jenkins como guionista no destaca sólo por la naturalidad de su historia, que logra que cualquiera empatice con los dos hermanos, sino por el tratamiento que realiza de ella, dotándola de detalles de humor (en ningún caso meros gags o chistes) que son, junto con su final, el contrapunto perfecto para compensar el durísimo trasfondo de esta película, un film que, como obra honesta que es, y aunque alguna de ellas no resulte del todo complaciente con el espectador, juega con todas sus cartas boca arriba.

Aprendiendo a ver la vida con otro ojo

2008-03-01T21:53:00.009+01:00

'Le Scaphandre et le Papillon'
('La escafandra y la mariposa')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 112 min.
DIRECTOR: Julian Schnabel
GUIÓN: Ronald Harwood (Novela: Jean Dominique Bauby)
BANDA SONORA: Paul Cantelon
FOTOGRAFÍA: Janusz Kaminski
MONTAJE: Juliette Welfling
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner, Marie-Josée Croze, Anne Consigny, Patrick Chesnais, Niels Arestrup, Olatz López Garmendia, Marina Hands, Max von Sydow, Isaach De Bankolé

Hollywood este año quedó fascinado por filmes tristes, repletos de violencia y sobre todo sin esperanzas. Al menos ésta es la opinión que el crítico Gaetano Vallini plamó en el diario oficial de la Ciudad de El Vaticano, L'Osservatore Romano. Con dicho argumento reprueba películas como No Country for Old Men o There Will Be Blood, mientras que alaba a Juno como película antiabortista, pareciéndome ambas cosas grandes barbaridades. En el primer caso creo que está claro el motivo, mientras que en el segundo considero que el film de Jason Reitman no hace ningún hincapié en dicho tema, por lo que no la considero a favor ni en contra de él. Como suele ser habitual, las opiniones vertidas por la Santa Sede en temas que le son ajenos destacan por su falta de criterio, mezclando churras con merinas, por lo que me encuentro totalmente en contra de ellas. Pero, por una vez, sí hubo algo en lo que estoy de acuerdo, y es en sus alabanzas hacia la nueva película de Julian Schnabel, “un himno a la vida”.

Partiendo del libro que escribió poco antes de morir, Schnabel nos narra la historia de Jean Dominique Bauby, editor de la revista Elle que sufre un infarto cerebral que lo convierte en víctima del poco común síndrome del cautiverio. Pero Schnabel no opta por la vía sencilla y sentimentaloide para contar esta historia, esa tendencia que tan comunmente vemos en telefilmes y películas descaradas en el tratamiento de ciertos temas y principios (véase The Bucket List). En su lugar decidió adoptar el punto de vista del propio Jean Do, usando en la mayor parte de la película la cámara en primera persona para reflejar del mejor modo posible sus sensaciones. Pero claro, al sufrir el fatal síndrome las sensaciones pasan en muchos aspectos a un segundo plano, y la imaginación se dispara junto con la memoria para ayudar a evadirse de la realidad. Esta subjetividad en la mente del protagonista, pocas veces intentada plasmar de modo serio en el cine, y menos veces aún realizado con acierto, resulta brillante cuando salta a un primer plano sobre la narrativa de la película, y proporciona algunos de los momentos más brillantes de todo el metraje. Situaciones propias imaginadas por el protagonista, lugares lejanos que le gustaría visitar, otros en los que ya estuvo, situaciones vividas que le gustaría haber cambiado, otras que lo marcaron profundamente y le gustaría revivir... Todos esos fragmentos aportan una nueva dimensión descriptiva a la película y humana al protagonista, junto con sus propias reflexiones internas, siendo a su vez mucho más comprensibles gracias al uso de la cámara en primera persona, ya que esa perspectiva tan anclada permite compartir su necesidad de explorar lugares diferentes y alejados. También de ese modo es más sencillo compartir su evolución en el estado de ánimo y su visión de esa nueva vida, pasando de querer morir a decidirse a afrontar su situación y escribir un libro relatando esta experiencia. Todo un canto a la vida sin resultar una situación poco creíble, ya que Jean Do falleció por causas naturales poco después de publicarlo (ver a alguien mantener ese afán por vivir durante muchos años en tal situación no parecería algo muy realista).

Julian Schnabel es sin duda el gran vencedor con esta película al haber sabido mostrar esta historia del mejor modo posible para acercarnos a su protagonista (también conviene destacar su papel como supervisor musical, eligiendo una gran variedad de temas, todos de gran calidad y acompañantes perfectos para las imágenes), algo a lo que evidentemente contribuyó Ronald Harwood con su libreto. Pero también debemos destacar el trabajo de Janusz Kaminski, brillante, como es habitual en él. Desde fundidos y otros tipos de efectos en la imagen pasando por una iluminación de ventanas y otras salidas al exterior que les da un aspecto de bien inalcanzable, todo su trabajo es un gran punto a favor de esta película. Demuestra que es capaz de sacar todo el partido posible tanto a entornos minimalistas, como el de este trabajo, como a las grandes superproducciones de Spielberg.

Por lo general las películas que resultan un canto hacia la vida no son objeto de mis alabanzas, ni siquiera en un año como éste, que nos ha reportado grandes películas de corte pesimista, oscuro o melancólico (No Country for Old Men, There Will Be Blood, The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, Eastern Promises) y en el cual podría resultar un soplo de aire fresco. Pero Le Scaphandre et le Papillon no es simplemente eso. Primero es una película dura, atrevida en sus formas y bien realizada. Schnabel, lo has demostrado. Ya eras un gran pintor. Ahora también eres un gran cineasta.

¿Quería ser como Jesse James... o quería ser Jesse James?

2008-02-04T16:22:00.001+01:00

'The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford'
('El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 160 min.
DIRECTOR: Andrew Dominik
GUIÓN: Andrew Dominik (Novela: Ron Hansen)
BANDA SONORA: Nick Cave
FOTOGRAFÍA: Roger Deakins
MONTAJE: Curtiss Clayton, Dylan Tichenor
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Brad Pitt, Casey Affleck, Sam Shepard, Mary-Louise Parker, Jeremy Renner, Sam Rockwell, Ted Levine, Paul Schneider, Zooey Deschanel

Inquieto, como si le acabaran de susurrar al oído lo que iba a ocurrir en pocos minutos y se resignase a ello, Jesse James se acercó a la ventana y, mientras observaba las casas de sus desconocidos vecinos, se quitó el cinturón con sus dos revólveres y lo dejó sobre su sofá. Para que sus vecinos no sospechasen de su verdadera identidad, según sus propias palabras, pero ni Robert ni Charlie supieron muy bien qué pensar en ese momento. El más pequeño de los hermanos Ford todavía temblaba y tenía su mirada perdida en cualquier lugar lejos de Missouri. ¿Cómo es que Jesse no lo había matado?, se preguntaba el joven. Antes de que pudiera llegar a una respuesta, el legendario forajido se fijó en el cuadro colocado encima de la chimenea. Un simple caballo, no especialmente bien pintado, lleno de polvo, según Jesse. Cogió una silla. Se subió a ella. Robert miró a Charlie. Éste, apoyado en el marco de la puerta, sacó su revólver y, con evidente vergüenza por lo que iban a hacer, lo amartilló mientras apuntaba a su costado. Robert se levantó y sacó su pistola nueva, aún reluciente y sin estrenar. Jesse vio reflejado en el cuadro a su mayor seguidor apuntando a su cabeza. No hizo ni un movimiento, no hizo ademán de girarse, no pronunció una sola palabra, ni siquiera cerró los ojos, simplemente esperó a que sucediese lo que tenía que suceder...

De este modo tan poco espectacular, e incluso sonrojante, fue la muerte de Jesse James, el delincuente más famoso de EE.UU. y el personaje sobre el cual se han hecho más películas en la historia. Pero no nos encontramos ante otra película sobre este forajido, sino ante un retrato sobre ese personaje tan fascinante que resulta Robert Ford. Joven, engreído pero discreto, deseoso de realizar grandes hazañas pero siempre en un segundo plano, poco dado a vicios como las mujeres, el juego o el alcohol, ha vivido únicamente para conocer a Jesse James, y finalmente consigue formar parte de su banda. No tardará mucho en ganarse el favor del famoso forajido a pesar de resultar pesado en sus halagos y poco eficaz como delincuente. Pero las cosas cambiarán cuando Frank, el mayor de los hermanos James, decide dejar el mundo de delincuente y llevar una vida tranquila. Entonces Jesse se toma un pequeño respiro en sus fechorías, pero en unos meses sus hombres comienzan a desconfiar de él, sabiendo que no dudará en matar a cualquiera que piense por un solo momento en llevarlo ante la justicia para cobrar la recompensa. Robert Ford realmente nunca había pensado en ello, hasta que se da cuenta de que Jesse James no lo cree así.

La compleja mente de Robert, el verdadero núcleo de la película, y que proporciona los mejores momentos, es analizada profundamente a lo largo de todo el film, sin olvidar al contradictorio Jesse. Unos pocos flashbacks y un tono general muy descriptivo y pausado, unidos al correcto empleo de una voz en off narrando antiguas reflexiones y vivencias, son los responsables de que quedemos fascinados con las ideas que pasan por la mente del joven Ford. Sobre Jesse tenemos menos información, pero es fácil comprobar que se encuentra harto de su vida, totalmente perdido, y que muchas veces ni se puede reconocer a sí mismo en sus acciones. El resto de los personajes sirven principalmente para desarrollar a estos dos y se mantienen siempre a un lado.

Andrew Dominik no sólo acierta en el tono personal y poético con que impregna a la película, sino que ha logrado también una obra de una belleza visual que hacía tiempo no se veía en una sala de cine. Escenas como la del asalto al tren están iluminadas con una perfección increíble por parte del experto Roger Deakins y son por sí solas motivo para visionar la película. El tono ligeramente dorado que impregna todo el metraje es realmente hermoso, recordando al de clásicos como Fiddler on the Roof, pero de un modo más natural y suave. El afamado director de fotografía demuestra que no sólo con los hermanos Coen es capaz de lograr grandiosos trabajos, subiendo un peldaño más en su escalera hacia la perfección de imagen.

A muchos les disgustará por su afán poético e intimista, tildándola de presuntuosa y poco creíble, pero lo cierto es que The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford ya se ha convertido en un título importante dentro del género del western de las últimas décadas, apuntándose a la popular vertiente de la decadencia de ese mundo. Su historia no es especialmente original, y quizás la voz en off esté demás en alguna ocasión, pero tenemos unas preciosas imágenes para disfrutar en todo momento como si de un poema visual se tratase. Y, por encima de eso, tenemos dos mentes cautivadoras a las que asomarnos: el amargado y perdido Jesse James, con una de las mejores interpretaciones de Brad Pitt, y el joven y complejo Robert Ford, que ha supuesto el descubrimiento de un gran actor, Casey Affleck. Y es que no hace falta preguntarse si Casey es como Robert Ford. Simplemente es Robert Ford.

La soledad de encontrarse a uno mismo

2008-02-03T01:50:00.001+01:00

'Into the Wild'
('Hacia rutas salvajes')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 140 min.
DIRECTOR: Sean Penn
GUIÓN: Sean Penn (Novela: Jon Krakauer)
BANDA SONORA: Michael Brook, Kaki King, Eddie Vedder
FOTOGRAFÍA: Eric Gautier
MONTAJE: Jay Cassidy
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Emile Hirsch, Vince Vaughn, William Hurt, Kristen Stewart, Catherine Keener, Marcia Gay Harden, Hal Holbrook, Jena Malone, Brian Dierker

Ciertas películas dependen muchísimo de la mentalidad de quien las vea, de su capacidad para conectar con los protagonistas, con sus ideales, con sus deseos, con sus ideas. Así para algunos puede resultar un simple panfleto demagógico, o incluso un sinsentido debido a unas bases ideológicas mal sustentadas, mientras que para otras personas puede ser la máxima representación de una manera de vivir o pensar que quizás nunca puedan experimentar en sus carnes. Por este motivo, Into the Wild no será vista de igual modo por una persona pragmática que por alguien idealista o con un alma ansiosa de ser libre.

Christopher McCandless representa al joven en busca de libertad que casi todos hemos tenido dentro alguna vez. Hastiado con esta sociedad capitalista, deseoso de romper con todas sus responsabilidades y ataduras sociales y emocionales, decide lanzarse al vacío donando todos sus ahorros y saliendo a la carretera en busca de aventuras. Sus amargados y emocionalmente desgastados padres intentarán buscarlo por diversos medios, pero el joven logra que jamás lo encuentren debido a que ellos son uno de los principales causantes de su vacío emocional. Años y años de discusiones, divorcios en ciernes, imparable ambición profesional y un progresivo distanciamiento entre padres e hijos. Sólo su hermana puede comprender los motivos que llevan al joven Christopher a emprender este viaje sin destino fijo que le permitirá conocer a un importante abanico de personajes que enriquecerán su visión de la vida.

Como toda “road movie”, Into the Wild se articula en torno a una serie de encuentros con personajes de diferente índole, comenzando por una pareja de hippies que se convertirán en dos de los mejores amigos de Chris y que representan la decadencia de aquello que el joven quiere alcanzar: la plena libertad. Más tarde vendrán una pareja de turistas daneses, un trabajador de la industria del trigo, una joven hippie que se enamorará de él y un veterano de guerra que lleva una existencia solitaria y enormemente monótona. Todos simbolizan algo para él, lo que puede llegar a ser su vida, lo que podría haber sido, la existencia que posiblemente llevarán sus padres... Esta enorme complejidad hará que él mismo se replantee su viaje en más de una ocasión, pero nunca abandonará su gran objetivo: vivir en plena naturaleza en Alaska.

El idealismo, el optimismo y esa cierta ingenuidad que caracterizan al protagonista, interpretado de modo exultante en todo momento por esta nueva promesa que es Emile Hirsch, constituyen el principal motor emocional de la película, por encima de cualquiera del resto de los personajes. Su hermana es un personaje omnipresente debido a su voz en off, pero casi siempre retransmite las reflexiones y antiguos comentarios del joven Christopher, o su reacción ante ellos, por lo que no se convierte en ningún momento en un personaje especialmente importante. Los únicos que rivalizan con nuestro errante joven en la transmisión de sus sentimientos son la hippie desengañada interpretada por Catherine Keener y el veterano de guerra, sin duda el personaje que más evoluciona de todos los que se nos muestran, sobre todo gracias al gran trabajo del veterano Hal Holbrook, impecable mostrando con una simple mirada la amargura de alguien que ha estado solo toda su vida y siente que la ha desperdiciado en gran parte.

Pero no sólo tenemos un magnífico reparto como punto a favor del trabajo de Sean Penn, ya que este gran actor metido a director también demuestra un excelente dominio de la cámara, lo que unido a una elección de localizaciones impecable otorga a la película, aun con una fotografía no especialmente destacable en su iluminación, un apartado visual majestuoso y enormemente bello, perfecto para conectar con las enormes ansias de vivir en plena naturaleza del protagonista. También podemos disfrutar de una hermosa banda sonora, aunque algo desaprovechada en más de una ocasión, y unas agradables canciones de Eddie Vedder. Pero no todo son rosas, ya que Penn demuestra en más de una ocasión cierta prepotencia con varias líneas de diálogo en off y sus reflexiones, además de existir algunos segmentos donde el ritmo cae de un modo notable. Por suerte no son muchos, pero siguen siendo importantes baches a superar.

Para mucha gente nos encontramos ante una película ingenua, o incluso falsa, pero otros, como el que escribe esta líneas, han visto en el joven Christopher y este film una muestra de que es posible ir a contracorriente en esta sociedad y vivir fuera de toda norma y convención; una visión de que la felicidad no depende sólo de tener pareja o vivir de forma acomodada; otro ejemplo de que la familia no siempre es un buen refugio emocional; y, sobre todo, una más que estimable obra que, aunque adolece de ciertos problemas en su narrativa, ofrece momentos de gran belleza visual y profundidad emocional.

Una serie de catastróficos absurdos de Matt Groening

2007-12-24T01:58:00.001+01:00

'The Simpsons Movie'
('Los Simpson: la película')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 87 min.
DIRECTOR: David Silverman
GUIÓN: James L. Brooks, Matt Groening, Al Jean, Ian Maxtone-Graham, George Meyer, David Mirkin, Mike Reiss, Mike Scully, Matt Selman, Jon Vitti, John Swartzwelder
BANDA SONORA: Hans Zimmer
MONTAJE: John Carnochan

No es un episodio alargado. La verdad por delante. Todos nos temíamos que así fuese, pero por suerte no ha sucedido. Matt Groening, James L. Brooks y compañía no han sucumbido a la tentación de escribir el guión de un episodio y alargarlo todo lo posible como un chicle hasta alcanzar la hora y veinte minutos. Ahora bien, dejando de lado otros defectos, tampoco es un largometraje estrictamente hablando.

Cuánta expectación levantó esta película meses, e incluso años, antes de su estreno. Mucha gente la esperaba con gran impaciencia, deseando que fuese la Biblia sobre ese universo tan rico como es la ciudad de Springfield, habitada por Homer, Bart, Marge, Moe, Barney, Smithers y compañía. Aún encima, Matt Groening puso el listón muy alto al afirmar que se verían a casi todos los personajes que la serie nos mostró a lo largo de todos estos años. No nos mintió, casi todos los personajes con un mínimo de importancia desfilan ante nuestros ojos. Pero claro, la gente se esperaba algo más que el simplemente vislumbrarlos durante unos segundos sin que prácticamente digan una mísera línea de diálogo. Que eso ocurra con la señorita Hoover no es algo grave, pero que Patty, Selma, el director Skinner o Apu apenas aparezcan ya se nos antoja más molesto.

Desperdiciar tantos minutos en mostrar sin motivo alguno y sin importancia en el contexto de la historia a decenas, cientos de personajes no es una gran decisión. Y menos aún si la estructura de la película limita enormemente en qué momentos tiene sentido verlos al estar dividida en tres fragmentos muy diferenciados. Más que una película parece que estemos viendo tres capítulos fusionados sin gran coherencia entre sí. Ni siquiera los gags logran funcionar en la mayoría de los casos, exceptuando unos cuantos de la introducción, de lejos lo mejor de la película, y no lo digo por Spider-Cerdo, del cual no alcanzo a comprender la popularidad que ha ganado en la red. En la serie casi todos los momentos cómicos que rodean a Homer funcionan en mayor o menor medida, pero aquí suelen fallar estrepitosamente. Quizás Antena 3 nos haya saturado con demasiados episodios repetidos mil veces y ya nada nos logre sorprender.

Aparte de todo lo que ya vimos en la serie y que aparece de nuevo aquí con mayor o menor eficacia, también se añaden unos pocos personajes nuevos, a cada cual más mediocre y falto de personalidad y encanto. Además, en el caso de la jefa india resulta ser un personaje salido de la nada, sin motivo ni razón aparente ni oculta, un mero comodín para que la historia avance de un modo burdo y descarado. Pero no sólo se añaden personajes sin lógica alguna, sino que las propias personalidades y reacciones de la familia son alteradas respecto a lo que vimos en la serie. Lisa resulta mucho más caricaturesca de lo habitual en ella, llegando en ocasiones a rozar el ridículo por situaciones que ya ha vivido en más de una ocasión. Bart ahora sufre un trauma por culpa de la falta de atención de Homer que nadie se explica cuando su padre lleva años estrangulándolo como si fuera el pan de cada día. Homer resulta bastante fiel a sí mismo, excepto en lo que concierne a su relación con Bart, y en algunas ocasiones con Marge, pero lo fallido de sus gags complica que el personaje funcione como es habitual en él. Marge es claramente el personaje más fiel a la serie, lo cual tampoco era difícil teniendo en cuenta el claro papel que siempre ha cumplido como pastora que guía al rebaño dentro de la familia. Sobre Maggie no diremos nada, ya que su importancia es prácticamente nula en la película. Los demás, como Moe, Barney, el Sr. Burns o la Srta. Krabapappel, intentan confirmar su característica más conocida mediante uno o dos gags insertados con calzador, resultando un pobre complemento para una familia que, por los cambios que han efectuado en sus comportamientos, nos resultará extraña en más de una ocasión. Ah, y el mayor vicio de la serie, el sentimiento de unidad de Springfield por el cual todos los habitantes se unen por cualquier motivo, sigue presente en la película. La tentación fue demasiado grande para los guionistas.

Está claro. El universo de la familia Simpson no ha sido bien llevado a la gran pantalla en lo referente a su historia, pero tampoco en el apartado técnico podemos tirar cohetes. Los dibujos resultan más estilizados y agradables de lo habitual, pero en bastantes ocasiones han sido recargados con animaciones exageradas o inútiles para mostrarnos simplemente lo bien que se lo han currado. Y los fondos y objetos en 3-D no suelen encajar demasiado bien con la animación tradicional que reina en la película. Al menos el formato panorámico ha sido aprovechado bastante bien, alejando la mayoría de los planos de la estética televisiva, pero de un modo natural, no como un pegote sino como una extensión o mejora de lo que hasta ahora nos habían ofrecido. Pero, por muy panorámico que sea, un simple refrito de gags insulsos, visiones fugaces de personajes, animaciones presuntuosas y la aparición especial de Tom Hanks no puede considerarse una buena película. Ni aunque salga Homer Simpson. Y mucho menos si sale Spider-Cerdo.

Zodiac, caso abierto

2007-12-08T13:08:00.002+01:00

'Zodiac'

AÑO: 2007
DURACIÓN: 158 min.
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: James Vanderbilt (Novela: Robert Graysmith)
BANDA SONORA: David Shire
FOTOGRAFÍA: Harris Savides
MONTAJE: Angus Wall
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr., Mark Ruffalo, Anthony Edwards, Chloë Sevigny, Donal Logue, John Carroll Lynch, Brian Cox, Dermot Mulroney, Clea DuVall, Elias Koteas, Candy Clark, Philip Baker Hall, John Getz

Los años pasan y algunos crímenes no son nunca resueltos. En ocasiones su investigación se cierra con el paso del tiempo,y acaban prescribiendo, y a veces simplemente acaban en el fondo del archivo de una comisaría. Pero también hay algunos casos que permanecen abiertos durante años y años, puede que incluso décadas, sin que se logre esclarecer lo sucedido lo más mínimo en todo ese tiempo. En el mundo existen diversos asesinos en serie que se han podido reir en las propias narices de la policía al ver cómo sus crímenes han quedado totalmente impunes tras montones de horas de investigación. En EE.UU. viven un gran número de ellos, entre los cuales podemos nombrar al conocido como Zodiac.

Autor de cuatro asesinatos y otras tres agresiones graves en los alrededores de San Francisco, además de existir cinco posibles víctimas más que no han podido ser confirmadas debido a la ausencia de pruebas concluyentes, hoy en día sigue sin saberse su verdadera identidad a pesar de los numerosos recursos empleados en su investigación y del gran revuelo montado en los 60 y 70 debido a sus mensajes cifrados publicados en los periódicos junto con diversas amenazas de asesinatos. Todos estos mensajes y la gran cantidad de tiempo invertido en su investigación, con la consecuente lista de sospechosos, constituyen un material estupendo para desarrollar una historia, algo que ya ha sido aprovechado en diversas ocasiones, y que ahora lo vuelve a ser por parte de David Fincher.

El director articula de nuevo un film en torno a un psicópata, aunque cambiando el enfoque global de la historia. Si bien es habitual en las películas de asesinos en serie que centren su atención en el delincuente, ya que a fin de cuentas los villanos suelen ser los personajes más recordados de las películas, como podemos comprobar en las historias dedicadas al archiconocido Hannibal Lecter, también hay casos en los que la narración se articula en torno a los investigadores, como en Se7en, también de Fincher. Pero en otras ocasiones, las menos, el tema central no son los personajes, sino la propia investigación. Esto es habitual cuando la película se adentra en temas políticos, como JFK, pero no cuando se anda tras la pista de un asesino, por lo que éste resulta el primer punto claramente destacable del nuevo trabajo del director de The Game.

Con una precisión casi milimétrica en cuanto a las fechas, asistimos a la reconstrucción en pantalla de una investigación tan deslabazada como en ocasiones inconexa en cuanto a las pistas que siguen, debido a los extensos descansos que Zodiac se tomaba entre un asesinato y el siguiente. Pero esto no supone un problema a la hora de seguir la historia debido a un excelente ritmo y dosificación de la información relativa a los crímenes e hipótesis barajadas por la policía. Puede que en ocasiones uno se pierda entre tantos datos que parecen no llevar a ningún sitio, pero entonces es que los datos realmente no conducen a nada, por lo que olvidar algunos detalles no supone ningún problema. La película remarca aquellos que resultan realmente importantes simplemente con su propia continuidad a lo largo de la investigación llevada a cabo por los inspectores de policía Armstrong y Toschi.

Sobre estos investigadores poco sabemos, sólo lo esencial, poco menos que sobre el dibujante Robert Graysmith, el cual realizó por su cuenta buena parte de las investigaciones que condujeron a la policía a un sospechoso más que probable, pero para el cual aún necesitaban más pruebas. Todo esto convirtió durante unos meses su tranquila vida en una continua lluvia de información, pesquisas y llamadas consistentes en jadeos, supuestamente de Zodiac. La película también nos muestra las consecuencias que esa obsesión tuvo en su vida personal, aunque de un modo tan ligero que su importancia o impacto acaba resultando mínimo.

La truculencia, aspecto habitual en el cine de Fincher, ya fuese de un modo efectivo (Se7en) o arruinando por completo una idea interesante (Fight Club), no hace la más mínima aparición en este trabajo suyo. La sobriedad destaca en todos los planos, ya que en ningún momento el director se recrea en los asesinatos, ambientes degradados o tortuosa mente del asesino. Eso sí, la oscuridad y los colores apagados hacen acto de presencia en gran parte de la película como un personaje más, ocultando quién sabe qué en cualquier esquina cercana al Golden Gate y dando un aire muy pesmista e incluso melancólico, gracias al estupendo trabajo de iluminación de Harris Savides.

En ocasiones más cercano a un documental por su densidad de información y cuidada reconstrucción de los hechos, este film supone una clara victoria para Fincher y un paso más como cineasta, realizando un proyecto arriesgado en muchos aspectos y poco condescendiente con el grueso del público. No en vano la película fue un importante fracaso en taquilla a pesar de sus estupendas críticas. Mucha gente se esperaba una película en la línea habitual de Fincher, pero por suerte no ha sido así. Esta vez ha demostrado que es capaz de alejarse de lo efectista y realizar una obra de verdad, de las que necesitan apoyo e interés por parte del público para funcionar correctamente.

¿Son más listos que un niño de primaria?

2007-11-18T00:51:00.001+01:00

'Little Children'
('Juegos secretos')

AÑO: 2006
DURACIÓN: 130 min.
DIRECTOR: Todd Field
GUIÓN: Todd Field, Tom Perrotta (Novela: Tom Perrotta)
BANDA SONORA: Thomas Newman
FOTOGRAFÍA: Antonio Calvache
MONTAJE: Leo Trombetta
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Kate Winslet, Jennifer Connelly, Patrick Wilson, Jackie Earle Haley, Ty Simpkins, Jane Adams, Noah Emmerich, Sadie Goldstein, Phyllis Somerville

La vida occidental contemporánea recibe una nueva bofetada por parte del cine, en este caso de la mano de Todd Field y Tom Perrotta. Director y escritor de la novela, y ambos guionistas, se encargan de mostrar algunas de las mayores deficiencias de nuestra sociedad, especialmente aquellas que ocultamos o no admitimos que existen.

Los problemas sociales, de inadaptación o traumas de diversa índole son uno de los puntos más recurrentes en esta obra, todos ellos problemas padecidos en mayor o menor medida por toda la población hoy en día, aunque la mayoría no lo sepa, o peor aún, no quiera saberlo. El síndrome del penúltimo tren se percibe claramente en Sarah, una mujer que se siente fracasada en la vida y que decide salir de su monotonía vital con lo que considera una última oportunidad, comenzando una relación con otro hombre sin importarle que ello no la lleve a ninguna parte. El síndrome de Peter Pan que Brad sufre es clarísimo, ya que la madurez en él es increíblemente escasa, por no decir nula (los instantes finales lo dicen todo). Su mujer, Kathy, es quien lleva los pantalones en todo y le dice lo que debe hacer en cada momento, tratándolo muchas veces como a un niño sin dotarle de capacidad de elección ni responsabilidad. Evidentemente nos encontramos con un síndrome de Wendy, el complementario al de su marido. No debemos olvidar al pedófilo interpretado por Jackie Earle Haley, uno de los personajes más interesante vistos en el cine últimamente, un pervertido que quiere dejar atrás ese gran problema que acarrea, pero que no puede porque la sociedad no le perdona ni da un voto de confianza. Además apreciamos el increíble amor que él y su madre se profesan, el único amor verdadero y sin fisuras de toda la película, lo que le lleva a depender totalmente de ella y no saber llevar una vida solo.Todos en ese vecindario sufren algún problema mental, ya sea psiquiátrico o psicológico, o bien esconden una afición "oscura". Hay una línea de diálogo especialmente representativa sobre todo este submundo de problemas, la dicha por Sheila durante la cena, refiriéndose a su ex: “él no quería salir con una enferma mental”. Resulta una referencia bastante directa a una realidad cada vez más asimilada por la sociedad: que todos tenemos hoy en día problemas mentales. Por ese motivo los personajes acaban pareciendo más unos niños por su inestabilidad, tanto emocional como mental, y es que casi nunca saben exactamente lo que quieren del mundo que les rodea. Todd Field decidió reflejar todo ese universo oculto de secretos e inestabilidad siguiendo la estela del David Lynch de Blue Velvet, mediante una fotografía basada en los claroscuros y marcados contrastes (aunque nunca llegando al extremo de la obra maestra del onírico director). Nuestro compatriota Antonio Calvache hace un estupendo trabajo de iluminación, mucho más destacado en las escenas nocturnas y en algunos interiores. Todo esto se traduce en que las noches (algunos de los momentos cruciales de la historia) y algunos interiores son increíblemente oscuros (la cara oscura, la realidad), con ciertos oasis de luz muy acusados, mientras que los días son bastante luminosos, en ocasiones incluso de un modo muy remarcado (la cara luminosa, la falsedad que se encarga de ocultar a la noche). La partitura de Thomas Newman es otro importante refuerzo, con temas que van desde lo extravagante o bizarro (el esposo de Sarah), a la candidez que supone un oasis entre tanta mediocridad vital (la escena de la piscina).

Dejando de lado ese aspecto oscuro de nuestras personas, probablemente el más interesante del film, Field también hace hincapié en la vacuidad de la vida del hombre occidental moderno. Nadie en ese barrio parece llevar una vida realmente interesante, sino basadas en la total monotonía (destacable el plano de la casa del pedófilo llena de relojes, clara referencia al inevitable paso y pérdida del tiempo), vidas llenas de situaciones y diálogos intrascendentes, a la par que con una gran falsedad, intentando dar a los demás la sensación de que han triunfado en la vida, aunque en el fondo se sientan los más ineptos y desgraciados del mundo. Kathy y Sarah parecen las únicas excepciones a estas reglas, violando respectivamente la primera (parece una mujer bastante bien situada y satisfecha con su vida) y la segunda regla (Sarah no disimula su insatisfacción vital, se le nota claramente tanto en su actitud como en su expresión). Sarah, especialista en literatura, acaba justificando sus acciones basándose en la actitud de la protagonista de 'Madame Bovary', intentando convencer a otros de que la actitud de dicha mujer es la correcta, y a sí misma de que también lo es la suya propia. La escena de la tertulia literaria es especialmente representativa por mostrar diversos puntos de vista sobre dicha actitud ante la vida. No en vano la película cuenta con una voz en off, un narrador omnisciente que nos remite a la obra literaria de Flaubert, y que conoce todos los entresijos del barrio, además de explicarnos los sentimientos de los diversos personajes con más detenimiento. Es sabido por todos la facilidad para expresar sentimientos e ideas con dicho recurso, usado como un comodín por diversos cineastas, pero éste no es el caso. La voz en off es un simple refuerzo (además de servir como la referencia literaria ya citada) para aquello que visionamos en pantalla. Nada que no podamos percibir sin problemas nos es explicado de ese modo, sino que sirve para matizar o reforzar dichos conceptos y situaciones.

No es necesario destacar el importante papel que desempeña el reparto en una película de esta clase, donde imperan más las emociones que las acciones, la descripción que la narración, y en este caso tenemos a un reparto intachable desde todos los ángulos. Desde un Patrick Wilson que rezuma inmadurez en cada plano (caras propias de un adolescente con pensamientos lujuriosos, impulsos incontrolados...) a un Jackie Earle Haley que realiza el papel más difícil de la película, aunque también el más agradecido, mostrando con gran facilidad la escasez de experiencia en la vida de su personaje y la angustia de vivir en permanente acoso por culpa de sus vecinos, en un sorprendente regreso a la gran pantalla del que fuera uno de los niños prodigio de los 70. Por encima de todos está una imparable Kate Winslet, que brilla en pantalla siempre que aparece, mostrando todos los posibles matices de su personaje, desde su continua angustia vital hasta los pequeños matices de felicidad que tiene, o cree tener, pasando por los momentos en los que se siente al límite de sus posibilidades.

Antes de acabar, un último apunte, en este caso referente no a la película sino a los distribuidores españoles, los cuales tuvieron la genial idea de traducir el inmensamente sugerente (al igual que el póster) título inicial por un estúpido Juegos Secretos, más digno de un thriller de sobremesa que de una película de calado tan profundo y complejo como ésta ante la que nos encontramos. Con Eternal Sunshine Of The Spotless Mind cometieron el mismo gran error, y, pese a las críticas sufridas por dicha estrategia (que acabó siendo inútil por otra parte), parece que no aprendieron la lección. Esperemos que la desastrosa traducción del título no sea un impedimento para que esta película sea reconocida como lo que es, una pequeña (no por calidad, sino por medios y publicidad) obra maestra que propicia a nuestro habitual medio de vida la gran bofetada que se lleva mereciendo desde hace décadas, y que la sobrevalorada American Beauty (por coincidencias de la vida, dirigida por el ahora marido de la protagonista de ésta) no fue capaz de sacudirle.

El mesías sube al ring

2007-11-16T22:32:00.001+01:00

'Cinderella Man'

AÑO: 2005
DURACIÓN: 144 min.
DIRECTOR: Ron Howard
GUIÓN: Akiva Goldsman, Cliff Hollingsworth
BANDA SONORA: Thomas Newman
FOTOGRAFÍA: Salvatore Totino
MONTAJE: Daniel P. Hanley, Mike Hill
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Russell Crowe, Renée Zellweger, Paul Giamatti, Paddy Considine, Bruce McGill, Connor Price

Ron Howard ya ha demostrado a lo largo de su filmografía que nunca se ha interesado por rodar películas en las que imperen los malos sentimientos de los humanos, siendo su oscarizada A Beautiful Mind o Parenthood dos claros ejemplos, y con este film sobre el boxeador Braddock sigue con la misma idea, incluso de un modo más marcado.

Akiva Goldsman vuelve a colaborar con Howard escribiendo el guión, por lo que no es de extrañar que la película siga la línea de A Beautiful Mind. Los personajes están increíblemente exagerados en su bondad, o, en escasísimas ocasiones, maldad, ya que casi todo el mundo parecen ángeles caídos del cielo, todo son buenas intenciones, y si cometen algún error, rectificarán enseguida para enmendar sus actos. El personaje de Paddy Considine es especialmente representativo, puesto que, tras varias acciones no muy acertadas (por las que nadie le reprocha nada ya que es una víctima del sistema), acaba encontrando la redención del modo más extremo. El único malvado de la película es el contrincante de Braddock por el título, el cual representa la inmoralidad y el pecado (gula, lujuria, soberbia y envidia son mostradas claramente), por lo que es fácil deducir cuál es el papel de Braddock en esta historia al ser su rival directo: una especie de mesías. Nuestro protagonista es el bien absoluto, jamás cometerá una acción malvada, ni les tendrá rencor a los demás, siempre perdona y adopta una actitud humilde ante todos. Su matrimonio es en el fondo perfecto, ya que los problemas que tienen son de índole económica, jamás sentimental. El entrenador tampoco se muestra de un modo muy realista, ya que, sin ser alguien malvado, está claro que podría hacer bastante más por su boxeador, por lo que mostrarlo como un santo resulta poco adecuado. De nuevo nos encontraremos con el sueño americano y la necesidad de tener un héroe en tiempos de pena, dos recursos muy manidos a lo largo de la historia del cine estadounidense.

Ron Howard tuvo un importante presupuesto para este proyecto, lo que se traduce en una ambientación y fotografía de tintes oscuros con el objetivo de sumergirnos en el ambiente de pobreza y degradación propio de aquellos duros años, y ambas salen muy bien paradas en dicho cometido, aunque con algunos efectos visuales simbólicos demasiado marcados (halos de luz alrededor de Braddock, por ejemplo). Los combates destacan por un montaje ágil y que los convierte en segmentos de importante fuerza visual, e incluso emocional. Los detalles que referencian al mesías (los ya comentados halos de luz, la escena de la iglesia, que el contrincante represente el pecado...) son muy poco sutiles, por lo que no funcionan en la mayoría de los casos, y muchos los olerán a kilómetros. Thomas Newman, compositor que ya ha demostrado con creces su talento, decepciona, ya que su música resulta en diversas ocasiones casi un calco del trabajo que realizó para Road to Perdition, y es que el hecho de que las dos películas se enmarquen en la misma época no justifica el parecido nota a nota de algunas piezas.

Russell Crowe realiza otra colaboración con Howard, aportándole a Braddock toda la bondad que necesita y la excelente presencia que le caracteriza, aunque de un modo muy humilde, lo que se agradece. Paul Giamatti tiene el típico papel de entrenador que acaba dándolo todo por su boxeador (o eso intentan demostrar con una escena en su casa, pero la cosa no funciona bien, es exagerada y poco creíble), y Renée Zellweger repite el estilo de interpretación que tanto le alabaron en trabajos anteriores, pero que aquí no cuaja, realizando una actuación bastante plana y cercana a los simples pucheritos y ojos llorosos de una adolescente inmadura.

Buenos contra malos, moralidad contra pecado, rendición frente a lucha... Los temas que esta película presenta no son precisamente novedosos, y están tratados de un modo muy poco sutil y nada realista. Pretendieron venderla como una película sencilla que llega al corazón del público, pero, en su intento de alcanzarlo, opta por un camino muy directo y descarado, por lo que rara vez funciona. Con A Beautiful Mind realizaron la misma jugada, presentando de un modo edulcorado a un mártir al que la sociedad no acepta a pesar de la bondad y virtudes que muestra ante otros, y como les funcionó muy bien con crítica y público, repiten la jugada cambiando sólo el contexto. En este caso, los actores intentan sacar adelante la película lo mejor que pueden, y los combates suponen tramos claramente superiores al resto, pero esto no vale para considerarla más que un mero entretenimiento que se cree más de lo que es, como la mayoría de las películas de Ron Howard.

Inadaptados Social Club

2007-11-02T01:32:00.001+01:00

'Napoleon Dynamite'

AÑO: 2004
DURACIÓN: 86 min.
DIRECTOR: Jared Hess
GUIÓN: Jared Hess, Jerusha Hess
BANDA SONORA: John Swihart
FOTOGRAFÍA: Munn Powell
MONTAJE: Jeremy Coon
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Jon Heder, Efren Ramirez, Jon Gries, Aaron Ruell, Tina Majorino, Haylie Duff, Ellen Dubin, Emily Kennard, Sandy Martin, Diedrich Bader, Shondrella Avery, Carmen Brady

Introducimos el DVD de Napoleon Dynamite. Empezamos a vislumbrar imágenes en movimiento. Los títulos de crédito aparecen ante nuestros ojos. La cosa no empieza mal, ya que resultan bastante originales en su presentación visual. La cosa prosigue de un modo muy agradable, hasta que de repente vislumbramos al Anticristo... ¡¡película producida por la MTV!! Ese canal que entrega premios como “Mejor película aún no estrenada” o que galardona a cintas como Wedding Crashers. Al ver esas tres letras, la verdadera marca del Diablo, me preparé para lo peor.

Uno no tarda mucho en sospechar que esta película, ya de culto en ciertos círculos, sigue a grandes rasgos el esquema del cine de institutos: el protagonista comienza siendo un pelele para acabar superando algún problema en su vida y/o ambiente escolar. En principio parece que no tenemos nada nuevo bajo el cielo, la típica película marca de la MTV, hecha para adolescentes educados a base de consumismo y no de cultura. Pero lo cierto es que este film sí esconde un poso de novedad, un “algo” que la diferencia del resto, y es la esencia y evolución de su protagonista, un inadaptado social sin amigos, especiales aficiones ni metas en la vida. Su objetivo no es quedar con la chica más guapa del instituto, y aunque acaba saliendo con una es evidente que su interés por ella es casi nulo, y que simplemente lo hace como una imposición social (si no tienes pareja, eres un fracasado). Tampoco le importa sacar buenas notas, y de hecho casi no sabemos nada sobre su situación académica. Las amistades no parecen ser un tema de gran importancia en su vida, ni la pertenencia a grupos sociales. Pero entonces, ¿qué le importa? Pues nada, absolutamente nada. Su apatía es evidente y absoluta, y posiblemente lo único que le puede interesar mínimamente en esta vida es encontrar algo que le interese.

Pero el protagonista, Napoleon, no es el único que demuestra esta actitud ante la vida, sino que su propio hermano mayor siguió, y sigue, el mismo camino que él. En su caso semeja que lo único que le interesa es chatear por internet con su ciber-novia, con la cual espera reunirse algún día. Napoleon va al instituto, pero de a qué se dedica su hermano no tenemos la más mínima información. Trabaje o no, ambos viven al amparo de una abuela, la cual, para contrastar con ellos de un modo muy exagerado y poco creíble, practica actividades bastante estimulantes a pesar de su avanzada edad, como montar en quad por un mar de dunas. Por este motivo ella sufrirá un accidente que obligará a su tío Rico a ocuparse de los hermanos por una temporada, sirviendo este personaje tan descarado y de estética anclada en los 80 para contrastar de nuevo con otra característica de los dos “freakies” protagonistas: su personalidad tan cerrada con los demás. Es decir, que toda la familia está compuesta por individuos cuanto menos extravagantes que contrastan entre sí para enfatizar aún más, si cabe, sus diferentes particularidades: un adolescente más apático que un ladrillo, su hermano mayor de actitud bastante similar, una abuela que se comporta como si tuviese 20 años y un tío que vive anclado en los años 80. Una llama que vive a las afueras de la casa, no sabemos si como simple mascota o por otro motivo, sirve para rematar esta suerte de familia Monster.

La familia de Napoleon no es el único nido de inadaptados sociales de la ciudad, ya que sus nuevos amigos, Pedro y Deb, siguen en la misma tendencia de desinterés por todo. De este modo el número de individuos cerrados y marginados mostrados como importantes en la cinta resulta muy elevado en proporción con el de personas mínimamente más comunicativas y abiertas, aunque sólo sea con sus mejores amigos. Otros compañeros del instituto de poca importancia, que por suerte apenas intervienen, se ajustan perfectamente a los esquemas conocidos por todos: la rubia tonta, las animadoras que sólo se preocupan por la ropa y su aspecto, los jugadores del equipo del fútbol matones... Por este motivo la película resulta bastante realista y arriesgada en su concepción y evolución de cada personaje principal por separado, pero no en lo que concierne a la descripción de la sociedad, con un exceso de personajes en polos extremos. Está claro que este tipo de individuos existen, pero la concentración mostrada en este film no es creíble, y parece resultar un simple modo de incitar a la risa a ciertos sectores del público con la extravagancia mostrada en cada fotograma.

No parece haber muchas dudas sobre que este universo tan bizarro es el motivo por el que la MTV se decidió a apoyar un proyecto así, y quizás pueda ser entendido como una necesidad a la hora de conseguir financiación para un film que nos muestra a un inadaptado social que, en el que es el principal acierto del film, logra triunfar personalmente sin cambiar en su forma de ser. No pasa de ser el pelele del instituto a ligarse a la rubia tonta del club de animadoras. Tampoco se convierte en un musculitos que derrota al capitán del equipo de fútbol, logrando rodearse de un montón de nuevos amigos. Y ni mucho menos pasa a obtener las mejores notas y superar al gafotas que le lame el culo al profesor de ciencias. Simplemente encuentra algo que se le da bien en la vida, algo que sirve para darle un mínimo de interés por lo que le rodea y que le permite seguir adelante. Pero seguirá vistiendo igual, con el mismo número de amigos, sin pareja, sin admiradores, sin un objetivo claro. No ha llegado a la meta, sino que simplemente ha empezado a correr en una carrera que a él no le interesaba antes lo más mínimo: la propia vida.

Nota: no dejéis el film al llegar los créditos, porque tras ellos tenemos varios minutos más de película, bastante importantes a la hora de tener más claro el final.

El principio del principio del fin del principio

2007-10-28T02:08:00.000+02:00

'The Last Waltz'
('El último vals')

AÑO: 1978
DURACIÓN: 117 min.
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Martin Scorsese
FOTOGRAFÍA: Michael Chapman, László Kovács, Vilmos Zsigmond, Hiro Narita, Bobby Byrne, David Myers, Michael W. Watkins
MONTAJE: Jan Roblee, Yeu-Bun Yee

Hace unos meses conseguí un videojuego llamado 'Elite Beat Agents' para mi consola Nintendo DS. En principio lo había comprado para mi madre, pero ella no fue capaz de avanzar ni de seguir la mecánica del juego, por lo que empecé a jugarlo yo, ya que no era cuestión de tirar el dinero por el retrete. En pocos días me di cuenta de lo entretenido y original que era (aunque es una adaptación de una versión japonesa inédita en occidente) y lo bien realizado que estaba artísticamente. Imagino que os preguntaréis de qué iba. Pues va de música. Todo tipo de artistas de lengua inglesa, la mayoría estadounidenses, pueden ser escuchados en este juego en el cual tenemos que seguir el ritmo de las canciones mediante la pantalla táctil. Y mediante esta práctica destroza-muñecas no tardé en constatar algo que ya imaginaba: las creaciones más recientes palidecen de un modo increíble frente a los clásicos, y eso que faltan algunos de los imprescindibles, como Bob Dylan o Eric Clapton. Los Rolling Stones se meriendan a Avril Lavigne; Earth, Wind & Fire deja en ridículo a Ashlee Simpson; Cher, sin ser de las peores, no puede con el Freddie Mercury de Queen. La edad de oro del rock & roll y el dance sigue imbatible. Aquella cultura no era simplemente un estilo musical, era un estilo de vida, una filosofía, algo que hoy en día se ha perdido en gran parte frente a la importancia de una apabullante proyección mediática que crea ídolos de barro.

The Band fue otro de los grupos más emblemáticos de los 60 y 70, una época en la que el artista plasmaba en sus canciones lo que el pueblo pensaba y sentía. Expresaban en su nombre sus preocupaciones, temores, sueños y esperanzas, pero siempre con los pies en la tierra. Woodstock fue su Meca; la guerra de Vietnam y los políticos, sus demonios; y la canción, en numerosas ocasiones de protesta, su evangelio. Todos los grandes artistas de esa época compartían un espíritu, por lo que no dudaron lo más mínimo a la hora de acompañar a The Band en su último concierto, en San Francisco el 25 de noviembre de 1976. Ese concierto fue llamado El Último Vals.

Un público totalmente entregado disfrutó de magníficas canciones interpretadas por Dr. John, Joni Mitchell, Neil Diamond, Bob Dylan, Ringo Starr, Neil Young, Paul Butterfield, Ronnie Hawkins, Van Morrison, Eric Clapton, Muddy Waters y Ron Wood, aparte de los propios integrantes de The Band (Robbie Robertson, Rick Danko, Richard Manuel, Levon Helm y Garth Hudson). La compenetración y complicidad entre los diferentes artistas fue absoluta, y apenas hubo momentos en los que la gente no aplaudiera y silbara con gran entusiasmo. Y, tras acabar ese intachable recital, llegó el amargo momento de despedir a The Band, ese momento que, aunque todos sabían que llegaría, no impidió al público disfrutar de todo el concierto. Todos los artistas salieron al escenario y cantaron juntos, en un emotivo número que, aunque puede parecer muy predecible a estas alturas, tiene una indiscutible eficacia para dejar claro que todos esos artistas tienen un espíritu común, a pesar de que se dediquen a diferentes estilos musicales.

Pero aquella noche había otro artista en el concierto que no salió al escenario. No se dedica al mundo de la música, sino al del cine, y se llama Martin Scorsese. Con un buen número de cámaras, magníficamente empleadas, como es habitual en él, y que resulta algo muy llamativo en un documental, ya que éste suele ser uno de los factores más descuidados, todo lo mencionado anteriormente es plasmado en la pantalla con una efectividad aplastante. Las declaraciones de los miembros de The Band rodadas a mayores e intercaladas con las actuaciones del concierto resultan un complemento perfecto por concisas, interesantes y de duración perfecta, lo suficiente para dejar totalmente rematado el tema del que hablan sin resultar un escollo para la fluidez musical del film. Relatan datos de sus comienzos hace 16 años (de aquella) y anécdotas de sus diferentes giras y viajes por Estados Unidos. Además, se nos presentan dos colaboraciones musicales grabadas en estudio, una con The Staples y otra con Emmylou Harris, las cuales siguen la tónica del resto, por lo que podrían haber sido parte perfectamente del concierto.

Sin duda alguna, ésta es una de las peliculas más infravaloradas e injustamente desconocidas de Martin Scorsese. Es cierto que yo no conocía de nada a algunos de los artistas que se nos muestran, pero con una sola actuación me dejaron claro el talento que todos ellos tienen. Scorsese también lo deja claro rodando la que está considerada una de las mejores películas sobre el rock & roll de todos los tiempos gracias a su increíble apartado musical, excelente montaje e inusitado trabajo visual para un documental, tanto en la utilización de la cámara como en la iluminación. Ojalá pudiera ver esta película en una sala de cine, porque tiene que ser una experiencia que deja marcado a cualquiera, incluso más de lo que ya ha logrado conmigo con mi antiguo equipo de altavoces y el pequeño televisor de mi habitación.

Cualquier tiempo pasado fue mejor

2007-10-21T02:50:00.001+02:00

'The Last Picture Show'
('La última película')

AÑO: 1971
DURACIÓN: 118 min.
DIRECTOR: Peter Bogdanovich
GUIÓN: Peter Bogdanovich, Larry McMurtry (Novela: Larry McMurtry)
FOTOGRAFÍA: Robert Surtees
MONTAJE: Donn Cambern
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Jeff Bridges, Ben Johnson, Cloris Leachman, Timothy Bottoms, Cybill Shepherd, Ellen Burstyn, Randy Quaid, Sharon Taggart, Eileen Brennan, Sam Bottoms, Clu Gulager

Peter Bogdanovich radiografió a la adolescencia norteamericana dos años antes de que George Lucas lo hiciera con American Graffiti, y dotó a su película de un tono más serio y reflexivo, además de incluir un espectro más extenso de la población, no sólo jóvenes, aunque ellos sean los principales protagonistas de la historia.

El cambio, en múltiples aspectos, es el principal tema de la película (basada en la novela homónima de Larry McMurtry): la popularización de la televisión y su repercusión en el cine, gente que pasa de la pobreza a vivir de forma acomodada gracias al petróleo, las nuevas costumbres de los jóvenes (la liberación sexual es especialmente importante) y, sobre todo, el paso de la adolescencia a la juventud, con la consiguiente maduración, que en unas ocasiones es bastante, y en otras casi nada. En cuanto a los cambios experimentados por los propios personajes, la película se centra en cuestiones sentimentales, uno de los aspectos que suelen marcar la entrada en la edad adulta. Como todos los adolescentes, los de esta película se encuentran muy perdidos, sobre todo en ese pequeño pueblo en el que viven. No saben muy bien en qué invertir el tiempo, carecen de planes de futuro y el sexo empieza a ocupar un papel en sus vidas que nunca habían imaginado. No todos reaccionan de un modo maduro ante la proliferación de las hormonas, muchos se lo toman más como un juego y adoptan actitudes falsas al relacionarse con sus parejas, por lo que se nota que carecen de verdadera experiencia en ese aspecto (no parecen personajes malvados como para hacerlo a sabiendas). Como suele ser habitual, relacionan la pérdida de la virginidad con convertirse en adultos, con la independencia y todos los derechos que ello conlleva, por lo que anhelan perderla cuanto antes para no estar anclados en esa adolescencia. Pero, aunque quieren alcanzar la mayoría de edad cuanto antes, no todos los jóvenes viven mal en este pueblo, ya que el descubrimiento de petróleo supuso un cambio radical en estas familias provincianas, permitiendo a algunos de sus padres ganar ingentes cantidades de dinero con sus terrenos; unas fortunas que, aunque pueden servir de consuelo a ciertos habitantes, ni mucho menos les proporcionan la felicidad a los adultos, ya que casi todos se encuentran, o cuando menos así se sienten, increíblemente solos y frustrados al tener la sensación de que ahora sí que se están haciendo viejos y que se perdieron muchísimas cosas en su juventud, la cual rememoran numerosas veces. En ocasiones, algunos, como Sam (Ben Johnson) o Genevieve (Eileen Brennan), se compadecen de los jóvenes, imaginando las vidas que les esperan (y que les dejan en herencia), al menos si siguen en ese pueblo, lo que se nota en su modo tan desinteresado de ayudarles o darles consejo. Por contraste, otros habitantes no parecen confiar demasiado en las nuevas generaciones debido a su modo tan desenfadado de llevar el día a día, en contraste con la más que probable tormentosa juventud que las generaciones anteriores vivieron en su momento.

Peter Bogdanovich otorga un tono a la película incluso más melancólico y nostálgico que el de la propia novela, en especial con el estilo tan pausado y contemplativo que tiene, mostrando un pueblo desierto que bien podría ser el de una película del oeste, y con varios planos fijos de unos paisajes sin una sola alma, remarcando con ellos el paso del tiempo (una población que una vez estuvo llena de vida, ahora, tras varias décadas, está casi vacía). La fotografía se convierte en un elemento esencial para rematar la sensación de nostalgia, con esa elección del blanco y negro evocando épocas pasadas en las que, entre otras diferencias, el propio cine no era dominado por la televisión como medio de ocio para masas. Los primeros planos son muy numerosos en la película (algunos, además, son subjetivos de algún personaje), tanto de individuos como de objetos, y Robert Surtees logra realzarlos con su labor de iluminación y enfoque haciéndolos muy impactantes, siendo un claro ejemplo la sencilla escena del funeral o los primeros planos de los habitantes del pueblo mostrados tras el accidente de coche, mientras que los planos largos son escasos y están casi todos relegados al pueblo (para mostrar lo desierto que está) y los viajes en carretera. La banda sonora, con temas escogidos de la época, algunos de varios años atrás, también es un refuerzo a la sensación de nostalgia.

Muchos actores, entonces casi desconocidos, tuvieron esta película como trampolín para sus carreras: Jeff Bridges, Ellen Burstyn, Cloris Leachman, Timothy Bottoms... Entre todos ellos destaca el veterano Ben Johnson, que supo aportar el carisma y la cercanía que su personaje, Sam 'El león', esa especie de sabio del pueblo del que todos se fían y al que aprecian en gran medida, necesitaba por encima de todos los demás. Además, una por entonces joven Cybill Shepherd se estrenó en esta película como actriz con esa suerte de papel de femme fatale, esa joven que encandila a montones de chicos, y no tan chicos, sin saber ella misma qué quiere en esta vida, disfrutando con la simple manipulación de los demás de un modo totalmente irresponsable e inmaduro.

Como todos sabemos, los años 70 destacaron por un cine estadounidense de marcada tendencia realista, oscura y de análisis profundos del ser humano en sus diversas facetas (Taxi Driver, The Godfather, The Deer Hunter...), y este film de Peter Bogdanovich es una de las primeras y mejores muestras de ese cine dedicado a radiografiar al género humano, en este caso en el ambiente de un pequeño pueblo en una época con numerosos cambios. Sin duda, esos adolescentes serán los reyes de la función en su localidad durante una temporada, pero todo cambiará, porque ya sabemos que la adolescencia es una enfermedad que se cura con el paso del tiempo.

Creo que he tenido un déjà vu (o varios)

2007-10-13T16:44:00.001+02:00

'El orfanato'

AÑO: 2007
DURACIÓN: 100 min.
DIRECTOR: Juan Antonio Bayona
GUIÓN: Sergio G. Sánchez
BANDA SONORA: Fernando Velázquez
FOTOGRAFÍA: Óscar Faura
MONTAJE: Elena Ruiz
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Belén Rueda, Fernando Cayo, Géraldine Chaplin, Roger Príncep, Mabel Rivera, Montserrat Carulla, Andrés Gertrúdix, Edgar Vivar

El género de terror es uno de los que más se han ramificado en las últimas décadas en el cine occidental, creando todo tipo de subgéneros, algunos de ellos en peligro de extinción actualmente. Por ejemplo, el género tan popular entre los adolescentes, el “slasher”, iniciado por Tobe Hooper con The Texas Chainsaw Massacre, el cual ha evolucionado en los últimos años tendiendo más aún al “gore” y a la inclusión de escenas de sexo gratuito; también tenemos las películas “de sustos”, basadas en simples sobrecogimientos del espectador gracias a golpes de música y el componente visual; esa curiosa mezcla entre thriller y película de terror que tan popular se hizo gracias a The Sixth Sense aún sigue pululando entre las estanterías del videoclub; y no podemos olvidar a las verdaderas películas de terror, aquellas que provocan una sensación de verdadero pavor gracias al componente psicológico, al emocional y, en ocasiones, al ideológico (The Exorcist evidentemente no provocará el mismo miedo a alguien profundamente creyente y a un ateo convencido). Este último grupo está en clara decadencia simplemente porque es el más difícil de alcanzar; hoy en día se tiende al terror adolescente, no siempre estrictamente un “slasher”, y a copiar el modelo oriental, es decir, a realizar lo más sencillo y a copiar fórmular ya probadas. En el cine español vemos pocos ejemplos de este género, siendo la mayoría thrillers de producción y guión increíblemente pobres o “slashers” que sólo resultan una burda copia de otro estadounidense. Por este motivo es normal que el debut de Juan Antonio Bayona en el largometraje levantara tantas expectativas, y más aún al estar apadrinado por Guillermo del Toro.

La película comienza de un modo bastante prometedor con un sencillo prólogo que nos situará en el contexto emocional de Laura, una niña adoptada y que a su vez ha adoptado a otro niño, el cual además padece VIH. Un día su marido y ella deciden convertir su antiguo orfanato en una residencia para niños discapacitados, por lo que reforman todo el inmueble y lo dejan casi como nuevo. Pero en esa casa habita algo desde hace muchos años, y su hijo será el principal objetivo de esa fantasmagórica presencia.

La verdadera historia no tarda mucho en arrancar, y tenemos un ritmo bien dosificado a lo largo de los 100 minutos que emplea la película en narrarnos esta historia de espíritus. También se esfuerzan en mostrarnos los excelentes medios de producción de los cuales dispusieron, casi siempre muy bien aprovechados, si exceptuamos la banda sonora. Fernando Vázquez realizó una notable composición desaprovechada como pocas veces se ha visto. Juan Antonio Bayona demuestra no saber emplear correctamente la música en casi ninguna escena. Desde falta de sincronización entre la imagen y las notas hasta el representar sentimientos opuestos una y otra sin pretenderlo claramente. Y éste es uno de los grandes fallos de la película, cuando Bayona pretende invocar un sentimiento en el espectador y crea justo el opuesto. Aquí resulta muy representativa la escena de Belén Rueda en la cama, momento en el que Bayona pretende provocar un susto precedido por un largo momento de tensión y lo único que logra es que el espectador se sienta tratado como un imbécil ya que sabe perfectamente desde mucho tiempo antes lo que va a ocurrir. ¿Y por qué está tan seguro de lo que va a suceder? Simple y llanamente porque El orfanato es de todo menos algo nuevo. Cada escena mínimamente lograda de este film ya la hemos presenciado en, al menos, otros tres. La sensación de “esto ya lo he visto” difícilmente desaparecerá del espectador en cualquier momento. Incluso el título se ajusta sobremanera a los cánones del género (un artículo determinado seguido de un sustantivo común, evocando la cualidad de uno entre un millón de aquello que designa).

Un simple cóctel de escenas, como mucho inquietantes, de diversas películas de terror, casi todas bastante mejores que ésta, es lo que presenciaremos en pantalla si nos animamos a ver esta película. Y además aderezadas con unos cuantos diálogos poco creíbles, o incluso ridículos, como casi todo lo que sale de boca de la médium interpretada por Geraldine Chaplin, la cual no es capaz de salvar a ese patético personaje a pesar de su convincente trabajo. El resto de intérpretes sí logran sacar a flote a los diferentes estereotipos que les tocan (por su personalidad o papel dentro de la historia) aun con la superficialidad de la que casi todos hacen gala. Belén Rueda es la única que cuenta con un personaje mínimamente desarrollado, aunque sigue respondiendo al habitual modelo de “personaje que ve montones de fenómenos paranormales pero al que nadie cree”, mientras que el de Mabel Rivera resulta más simple que una hoja de papel.

En cuanto al estilo de terror pretendido, se encuentra a medio camino entre los sustos y el verdadero pavor. El apartado visual es casi siempre el empleado para pretender que el espectador tiemble, saliendo, por lo general, más mal que bien parado, porque la mayoría de ellos se intuyen bastantes segundos antes. Y las secuencias que pretenden infundir el miedo de un modo más profundo y pausado, que son pocas, se suelen quedar a medio gas, sobre todo por el desaprovechamiento del niño de la bolsa en la cabeza, el cual podría haber provocado muchas sorpresas desagradables, en especial en su tramo final. Pese a todo, hay un par de escenas que sí cumplen estupendamente en ese sentido, aunque son la clara excepción al “quiero y no puedo” que puebla casi toda la película.

En España ya estamos acostumbrados a que nuestras películas sean promocionadas a bombo y platillo por los medios de comunicación, ya que son ellos los que las producen en buena parte, y ésta no iba a ser la excepción. Pero, como ya sucedió con Alatriste, por ejemplo, vuelve a haber muchísimo ruido y poquísimas nueces. Y es que esta correcta historia de sucesos paranormales en la que se nos anima a creer en el más allá y no en la ciencia o nuestros sentidos (su final es muy representativo en ese aspecto) se disfruta fácilmente, se digiere aún más fácilmente y se olvida incluso más fácilmente.

Otros dos proyectos interesantes

2007-10-07T15:00:00.001+02:00

Hace pocos días vi estos tráilers de un par de películas a las que creo que debemos seguir la pista porque quizás nos llevemos una agradable sorpresa con ellas, así que los comparto con vosotros esperando que no os defrauden:

'Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street'

Director: Tim Burton
Guionista: John Logan
Fotografía: Dariusz Wolski
Montaje: Chris Lebenzon
Principales intérpretes: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Timothy Spall, Sacha Baron Cohen

Tim Burton vuelve a los oscuros universos que le caracterizan con este film basado en un famoso musical de Broadway que narra la historia de Benajmin Barker, también conocido como "Sweeney Todd", un siniestro personaje que tiene una barbería en Londres donde la navaja de afeitar apura demasiado.

Estreno en EE.UU.: 21 de diciembre
Estreno en España: 15 de febrero
Estreno en Argentina: 17 de enero

'La habitación de Fermat'

Director: Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña
Guionista: Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña
Banda sonora: Federico Jusid
Fotografía: Miguel Ángel Amoedo
Montaje: Jorge Macaya
Principales intérpretes: Lluís Homar, Santi Millán, Alejo Sauras, Elena Ballesteros, Federico Luppi

Piedrahita y Sopeña, dos humoristas de la televisión conocidos gracias a programas como "El hormiguero" o "El club de la comedia", realizan su debut en el cine con este prometedor largometraje en el que un grupo de matemáticos son invitados por el señor Fermat a su casa con el pretexto de un intercambio de conocimientos. Pero la realidad será muy distinta, ya que sus habilidades serán puestas a prueba a fin de que puedan salvar sus vidas.

Estreno en EE.UU.: sin determinar
Estreno en España: 16 de noviembre
Estreno en Argentina: sin determinar

Limpiando las calles

2007-10-07T13:37:00.001+02:00

'The Brave One'
('La extraña que hay en ti')

AÑO: 2007
DURACIÓN: 119 min.
DIRECTOR: Neil Jordan
GUIÓN: Roderick Taylor, Bruce A. Taylor, Cynthia Mort
BANDA SONORA: Dario Marianelli
FOTOGRAFÍA: Philippe Rousselot
MONTAJE: Tony Lawson
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Jodie Foster, Terrence Howard, Naveen Andrews, Nicky Katt, Mary Steenburgen

La venganza es un instinto increíblemente arraigados en el alma humana, por desgracia. Siempre ha resultado uno de nuestros mayores defectos, origen de numerosos baños de sangre e injusticias de todo tipo a lo largo de la historia de nuestra especie. Esas ganas de provocar daño con el simple objetivo de disfrutar con ello, camuflándolo muchas veces de “justicia” (la propia justicia del siempre discutible sistema penitenciario se convierte en diversas ocasiones en un simple acto de venganza), son una verdadera aberración desde el punto de vista moral, algo que deberíamos tratar de eliminar de nuestra condición humana, o al menos controlar, y la locutora de radio Erica Bain no es capaz de ello cuand experimenta esa sed de venganza tras recibir de una pandilla una paliza en la que su novio muere, y ella queda en coma durante varias semanas.

La película nos muestra un número muy reducido de personajes importantes, teniendo sólo dos verdadera relevancia a lo largo de todo el metraje: la propia Erica y el detective Mercer, encargado del asesinato de su novio, David. Los dos están bien perfilados, con diálogos creíbles y bien escritos, una sensación de soledad emocional que comparten (él está tristemente divorciado) y derrochando carisma dentro y fuera de sus trabajos. La tensión emocional que surge entre ambos, aunque pueda parecer forzada por el destino al que llegado un cierto punto imaginamos que los conducirá (por suerte no es así), es introducida de un modo pausado y muy natural. Los dos buscan a alguien con quien compartir emociones y pensamientos, por lo que la confianza que Mercer deposita en Erica, la cual podría parecer ilógica en otras circunstancias, se nos hace reconocible a casi todos. Pero ambos saben perfectamente dónde marcar el límite, al menos por el momento.

Empezamos con unos personajes trabajados y seguimos con una historia muy bien narrada que comienza estupendamente, se desarrolla sin problema alguno y termina con una escena que casi lo estropea todo, no a nivel narrativo, siempre intachable, sino en el aspecto ideológico. Ya durante los actos de venganza-“justicia” de Erica es probable que a más de uno lo mosquee que casi todos los delincuentes, aunque tampoco sean un gran número, pertenezcan a etnias diferentes a la caucásica. El racismo parece bastante claro en esas ocasiones, pero cuando menos no hay diálogo alguno que haga hincapié en ello. Pero si esto ya parece un punto en contra, peor es el presenciar un final que defiende la venganza llevada a cabo por Erica, o al menos no la condena, a pesar de las muertes ocasionadas. La reacción de Mercer es creíble teniendo en cuenta la profunda amistad que los unía, pero la visión dada de los acontecimientos deja de lado toda condena de los actos perpetrados por Erica. Simplemente seguirá con su vida, como si lo ocurrido no fuese una profunda lacra moral. Los conflictos internos mostrados anteriormente debidos a la violencia que surge en ella desaparecen cuando realiza la mayor matanza de todas, totalmente ilógico. Queda claro que los guionistas supieron crear unos personajes magníficos y carismáticos junto con un argumento interesante, pero no concluirlo de un modo convincente e ideológicamente alabable o neutro, a pesar de que esté magníficamente narrado.

Un guión con una de cal y otra de arena contrasta con una dirección por parte de Neil Jordan muy adecuada para esta historia, con momentos inspirados, algo a lo que este director ya nos tiene acostumbrados. Una fotografía llena de oscuros sirve para mostrar cómo se apaga la llama vital de la protagonista, además de resultar un adecuado marco para situar la delincuencia que puebla buena parte del film. Dario Marianelli compuso una banda sonora eficaz para estos ambientes mostrados. Y el gran sentido del ritmo, que no decae en ningún momento, resulta la excelente guinda para que la labor del director irlandés esté a la altura, si exceptuamos la reiterativa tendencia a tambalear la cámara hacia los lados, algo que funciona muy bien en algunas escenas, pero en otras no añade absolutamente nada. De todos modos, está claro que éste no es uno de sus grandes proyectos personales, y no sólo se confirma tras haberlo visto, ya que existe un claro detalle que nos lo puede hacer intuir: Stephen Rea no forma parte del reparto. Casi todas las grandes películas de Jordan incluyen a este actor entre sus intérpretes, como por ejemplo 'The Crying Game', 'Michael Collins' o 'The End of the Affair'. Pese a todo, su labor se agradece a todas luces, igual que la de sus dos intérpretes principales, Jodie Foster, mostrando gran carisma y dolor contenido, como Erica y Terrence Howard (a este emergente actor hay que seguirle muy bien la pista) como Mercer. También podemos ver a la casi olvidada Mary Steenburgen, en un personaje de escasa importancia o profundidad, y a Naveen Andrews en una aparición breve como David.

¿Es 'The Brave One' una gran película? No, ni muchísimo menos. Su carga ideológica es un claro punto en contra que la imposibilita para ello. ¿Es entonces una película a desechar? Ni tanto ni tan poco. El trabajo de Jordan y el de los dos intérpretes principales son motivos suficientes para darle una oportunidad a este film, que a un servidor le hizo disfrutar de dos horas de cine, a pesar de la molestia de las citadas escenas poco destacables por su mensaje, sobre todo la conclusión, que puede dejar a más de uno con un sabor agridulce, ya que, como todos sabemos, el final es un elemento muy importante. Y es que a estos guionistas les convendría ir a un seminario como el impartido por McGee (Brian Cox) en 'Adaptation' para saber cómo rematar correctamente una historia, aunque fuese a golpe de manual de guionista.

Nunca me pidas que deje de beber

2007-09-24T14:27:00.001+02:00

'Leaving Las Vegas'

AÑO: 1995
DURACIÓN: 112 min.
DIRECTOR: Mike Figgis
GUIÓN: Mike Figgis (novela: John O'Brien)
BANDA SONORA: Mike Figgis
FOTOGRAFÍA: Declan Quinn
MONTAJE: John Smith
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Nicolas Cage, Elisabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis, Steven Weber, Valeria Golino, Laurie Metcalf, Vincent Ward, Danny Huston, Bob Rafelson, Marc Coppola, Carey Lowell, R. Lee Ermey

Retratar trastornos o adicciones es un modo muy sencillo y manido de impactar a una audiencia, sobre todo si dichos problemas parten de situaciones comunes a casi todos. El alcoholismo es especialmente adecuado para ello, ya que todo el mundo ha probado alguna vez el alcohol, y raro es el que no se ha tomado algunas copas de más y en otra ocasión ha tenido que ayudar a un amigo que hizo lo propio. Es decir, conocemos ambos roles: víctima (no siempre llega a tal extremo, pero en esta película sí) del alcohol y víctima del alcohólico. La moralina estaba servida, sólo había que llevar situaciones hasta el extremo y remarcar los efectos nocivos del alcohol hasta la saciedad. Pero John O'Brien no siguió esa tendencia en su novela, y decidió relatar el hundimiento de un guionista que le lleva a conocer al gran amor de su vida, siendo el alcohol un personaje más en la historia, y no el villano propiamente dicho. Mike Figgis al adaptarla se decantó por enfatizar el aspecto romántico y de vacío existencial, mostrando la adicción como un factor negativo, pero que surge de otros incluso peores. Es decir, nos encontramos ante un romance entre dos seres que se encuentran perdidos y solos en el mundo: un alcohólico que se derrumba, Ben Sanderson, y una prostituta desamparada, Sera.

Ben, interpretado estupendamente por Nicolas Cage en un papel perfecto para su habitual tendencia al exceso, pierde su trabajo como guionista y sus amigos por culpa de su adicción a la bebida. ¿Y por qué se da a la bebida? Bueno, ni él recuerda qué vino antes, si el alcoholismo o su divorcio, pero lo que está claro es que algo no debía de ir bien en su vacua vida. Por eso decide ponerle fin a través de las bebidas destiladas aprovechando sus últimos días para vivir al límite en la ciudad del vicio por antonomasia: Las Vegas. En cuanto llega al motel llena su despensa con alcohol, bebe un buen trago para no ser afectado por el síndrome de abstinencia (los temblores y sudores son habituales en él) y se lanza a la ciudad del juego. Poco después conocerá a Sera, a la que da vida Elisabeth Shue, una hermosa prostituta a la que llevará a su habitación para tener una noche loca de sexo y alcohol, pero finalmente lo que habrá es una sencilla noche de compañía y charla en la cama, eso sí, con algo de bebida. Al día siguiente Sera buscará a Ben para simplemente hablar con él de nuevo, ya que parece ser la única alma en pena con la que se siente a gusto en una ciudad tan poblada pero a la vez solitaria como Las Vegas. Ambos no tardarán mucho en darse cuenta del gran amor que se profesan.

El gran acierto de este film es, como ya dije, plantearlo como un romance entre dos seres marginados, perdidos e incomprendidos, y no convertirlo en un simple panfleto anti-alcohol. El alcoholismo es mostrado del modo más crudo y realista, sin duda, pero Mike Figgis no pretende darnos una lección sobre sus consecuencias. No busca educarnos, simplemente nos muestra a este personaje, Ben, con un gran vacío existencial que le lleva a elegir su propia muerte, suavizando la dura etapa que está pasando a través de la adicción. La película tampoco intenta ocultar algo evidente: su relación está condenada al fracaso y la tragedia. Aunque se amen de un modo incondicional, Ben no está dispuesto a dejar el alcohol a estas alturas, y no por la simple adicción y el temor al síndrome de abstinencia, sino porque se sigue sintiendo totalmente perdido en este mundo a pesar de que haya encontrado a su gran amor. Por ese motivo está claro que no podrán compartir una feliz vida en pareja. Además, las declaraciones de Sera hacia la cámara hablando sobre Ben que se suceden a lo largo del film como modo de otorgar cohesión a los distintos fragmentos son una evidente prueba de ello (no realizaría declaraciones si no hubiera ocurrido algo grave en torno a él). Su muerte es presentida desde el primer momento, y no sólo por esos motivos, sino también por la estética conferida por Mike Figgis. Todos los ambientes mostrados están muy degradados, y, cuando no es así, es el propio Ben el encargado de hacerlo con su simple presencia. Botellas vacías por todos lados, basura acumulándose por las esquinas, un entorno especialmente oscuro y violento... Todo nos hace presagiar que las cosas no van a acabar bien para Ben y Sera.

Aunque esta película es recordada sobre todo por las continuas ingestas de alcohol por parte de Ben, lo cierto es que no trata sobre el alcoholismo, sino sobre la soledad, pérdida de identidad, vacío existencial, sensación de sentirse perdido y desamparo. En resumen, no profundiza en la adicción, ni pretende darnos lecciones sobre ella, lo hace en aquellas sensaciones que nos pueden llevar a entregarnos a ella, ya sea el alcohol, el juego, las drogas, el sexo, etc. Ése es el gran acierto del film, haber creado una película descriptiva sobre unos personajes marginados que se aceptan tal y como son para disfrutar de su compañía, aún sabiendo que su relación está destinada al fracaso precisamente por no pedirse el uno al otro que cambien. Y el motivo que los unió, el alcohol, será también el final de su felicidad compartida.

Delirios oceanográficos

2007-09-19T11:01:00.001+02:00

'The Life Aquatic with Steve Zissou'

AÑO: 2004
DURACIÓN: 118 min.
DIRECTOR: Wes Anderson
GUIÓN: Wes Anderson, Noah Baumbach
BANDA SONORA: Mark Mothersbaugh
FOTOGRAFÍA: Robert D. Yeoman
MONTAJE: Jamie Mitchell, David Moritz
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Bill Murray, Owen Wilson, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Michael Gambon, Noah Taylor, Bud Cort, Seu Jorge, Robyn Cohen, Seymour Cassel

La comedia es un género que está atravesando un momento muy flojo en EE.UU., y para darnos cuenta de ello sólo tenemos que mirar la cartelera. Prácticamente todas las películas de ese género son, o bien de tendencia romántica, o de estilo escatológico. Es una inmensa pena que la comedia inteligente haya quedado casi en desuso, con Woody Allen como uno de sus últimos representantes. Atrás quedaron los tiempos de genios como Billy Wilder o Charles Chaplin. Pero parece haber una esperanza, un nombre en el que Martin Scorsese confía profundamente. De hecho, ya lo ha calificado como su sucesor. Su nombre es Wes Anderson. Nos encontramos ante un peculiar cineasta, con un universo muy personal en el que se mueven unos personajes con problemas personales y familiares que suelen provenir del pasado. Y 'The Life Aquatic with Steve Zissou' es, por el momento, la más extrema expresión de su genialidad.

La gente lleva admirando durante años los documentales del conocido oceanógrafo Steve Zissou, pero algo ocurre últimamente: sus películas ya no son tan buenas. En su última expedición se cruzaron con un espécimen desconocido al que bautizó como Tiburón Jaguar. Por desgracia, su amigo y compañero de viajes Sebastian fue devorado por él, motivo por el cual Zissou está decidido a perseguir al Tiburón Jaguar (“o lo que sea”) y aniquilarlo. Pero en el viaje tendrá una serie de compañeros poco habituales: Ned Plimpton, un joven que asegura ser hijo suyo fruto de una vieja relación; Jane Winslett-Richardson, reportera en busca de un buen artículo, y embarazada de un hombre casado que no parece querer dejar a su esposa; y Bill Ubell, un representante del banco que realizó el préstamo necesario para la expedición. Los conflictos personales se sucederán en el barco, sobre todo en lo referente a que la tripulación habitual acepte a Ned Plimpton como uno más, o incluso como la nueva mano derecha de Zissou, mientras éste intenta mentalizarse con el hecho de ser padre, algo que nunca había deseado.

'The Life Aquatic with Steve Zissou' acontece en un universo todavía más personal y extravagante que cualquiera de los films anteriores de Anderson. Los colores vívidos y un especial cuidado con la disposición de los personajes y objetos en pantalla vuelven a ser sus señas de identidad, junto a una estupenda selección de los temas musicales. En este caso escucharemos canciones de David Bowie, por lo general adaptadas al portugués, ya que son cantadas por un miembro brasileño de la tripulación del Belafonte, el barco de Zissou. Este barco es el protagonista de una de las escenas más elaboradas del film, cuando se nos muestra su interior gracias a un decorado que imita al barco con un corte longitudinal. Una casa de muñecas a tamaño real, lo que permite a Anderson mostrar diversas estancias del barco simultáneamente, realizar un sencillo recorrido por todas ellas o seguir a un personaje en su camino por el interior del Belafonte. Los planos cortos, como es habitual en él, son utilizados sólo en las conversaciones, mientras que el resto del film se sustenta en largos y panorámicas, con algunos medios. Está claro que le interesa profundamente mostrar ese universo tan personal en su máximo esplendor, con todos sus colores y decoraciones. Las criaturas marinas resultan muy atractivas ya que, aunque algunos crean que fueron realizadas por ordenador, el encargado de su creación fuen Henry Selick ('The Nightmare Before Christmas') mediante la técnica del stop-motion, dotándolas de un toque entre artesanal y retro. Pese a ello, se hubieran agradecido un par de imágenes más por segundo para lograr una animación más fluida.

De su extenso reparto cabe destacar a un pletórico Bill Murray, con una capacidad envidiable de autoparodia. En diversas escenas lucirá su pecho y barriga, demostrando que no se encuentra precisamente en una excelente forma física. La naturalidad del actor para contar chistes y lanzar indirectas es otro de los factores que facilitarán la risa del espectador. Y si hay alguien que sabe hacer de Owen Wilson un actor interesante, ése es Wes Anderson. El por lo general mediocre intérprete realiza un trabajo reseñable, alejándose aquí de sus habituales personajes de tipo gracioso para encarnar con gran credibilidad a un joven inocente, bondadoso y con grandes ganas de vivir. No es fácil incitar a la risa con un personaje de este tipo, pero Owen lo logra numerosas veces. Jeff Goldblum sabe dotar al oponente de Zissou, Hennessey, de un aire muy refinado, casi relamido, y le queda como anillo al dedo. No hablaré más sobre el resto del reparto, recalcando sólo que no existe queja alguna sobre el trabajo de ninguno.

Wes Anderson es un joven cineasta muy prometedor en el que mucha gente (incluído yo) tiene depositadas grandes esperanzas. Pero, al ser un cineasta tan particular, ocurre lo habitual: si no eres capaza de meterte en su universo, de adaptarte a él, ninguna de sus obras te gustará. Por ello es evidente que si no te gustaron 'Rushmore' o 'Royal Tenenbaums', ésta te gustará aún menos. Probablemente te parezcan delirios sin sentido alguno, con una estética de colorido recargado. Pero si disfrutaste con sus anteriores obras, entonces gozarás con esta deliciosa comedia, llena de excelentes diálogos, personajes por descubrir y extrañas criaturas marinas, un homenaje en toda regla al mítico Jacques Cousteau. Wes Anderson y su pupilo Noah Baumbach ('The Squid an the Whale'), ambos autores de este guión, prometen, y mucho. No les quitaremos el ojo de encima, os lo aseguro.

Trabajad, trabajad, malditos

2007-09-17T12:51:00.001+02:00

'Glengarry Glen Ross'

AÑO: 1992
DURACIÓN: 120 min.
DIRECTOR: James Foley
GUIÓN: David Mamet (obra de teatro: David Mamet)
BANDA SONORA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Juan Ruiz-Anchía
MONTAJE: Howard E. Smith
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Al Pacino, Ed Harris, Jack Lemmon, Alec Baldwin, Jonathan Pryce, Alan Arkin, Kevin Spacey, Bruce Altman, Jude Ciccolella

Una de las cosas que más temo en este mundo es el momento en el que me incorpore a mi puesto de trabajo (espero tener alguno algún día). Pero no lo digo por la tarea que tenga que realizar, el horario que me toque o el sueldo que perciba. No, lo digo por el ambiente de trabajo en el que tenga que convivir. Si para algo no soy bueno yo, es para competir con mis compañeros, y hoy en día eso es lo que impera en cualquier trabajo que tenga lugar con varios empleados y una jerarquía.

Shelley Levene, Ricky Roma, George Aaronow y Dave Moss son los cuatro vendedores de la sucursal que “Mitch & Murray” tiene en Chicago. Su empleo, vender parcelas de diferentes terrenos embaucando a la gente con diversas mentiras y artimañas. Pero la cosa no les va especialmente bien este mes, durante el cual no han vendido casi nada, a excepción de Roma. Con ese motivo su empresa les envía a Blake, que les dará un agresivo, degradante e insultante discurso sobre sus puestos de trabajo. Resultado: todos van a ser despedidos, pero tienen un mes para recuperar sus empleos. El que más dinero consiga recibirá un Cadillac, y el segundo un juego de cuchillos. Los otros dos se irán a la calle. Además, les lleva una serie de nuevos ganchos, gente a la que timar, las fichas de Glengarry. Pero sólo el que más venda, que en ese momento es Ricky, tendrá acceso a ellas. De este modo empieza la lucha por la supervivencia, supervisada por su jefe inmediato, Williamson.

En ese mundo típicamente masculino (no hay una sola mujer con un papel importante) es donde acontece toda la historia. Engaños, robos, mentiras, todo cabe en un día de trabajo. La crítica al entorno laboral actual resulta muy creíble y acertada. Más que un trabajo es una competición, con premios y carreras para ver quién es el mejor. Puede ser el veterano y fracasado Levene, el irascible Moss, el derrotista Aaronow o el embaucador Roma. A su jefe, Williamson, sus empleados le importan bien poco, y sólo le interesa que “Mitch & Murray” le pague a fin de mes. La ética o el compañerismo no tienen cabida para él en ese trabajo, y con el tiempo acabarán desapareciendo para los demás en ese entorno tan hostil. Cualquiera puede hacerse pasar por el mejor amigo de otro para simplemente engañarlo y subir puestos en la clasificación. Tanto con un cliente, como hará Roma, como con sus compañeros, en lo que destaca especialmente Moss, el más egoísta de los cuatro. Aparte del entorno laboral podemos apreciar una crítica al universo masculino, siempre pendiente de competir y estar por encima de los demás. Está claro que, entre mujeres, la cosa hubiese sido muy diferente.

Nos encontramos claramente ante una película de actores, de ésas por las que se pelean y rebajan su habitual sueldo. Por ese motivo todos los intérpretes están magníficos, desde el habitualmente sobreactuado Kevin Spacey hasta Ed Harris, pasando por Alan Arkin o Jonathan Pryce. Pero, si hay alguien que brilla con luz propia, ése es Jack Lemmon. Levene se nos muestra de un modo impecable por parte del veterano actor como un tipo fracasado y frustrado que disimula todos esos sentimientos para poder llevar a cabo su trabajo como vendedor. Al Pacino tampoco se le queda atrás como el engatusador de Ricky Roma, dejando de lado sus habituales tics adquiridos desde los 80. Por desgracia, no puedo alabar del mismo modo al mediocre Alec Baldwin, pero su aparición es suficientemente breve como para no destrozar el conjunto.

Por desgracia la película se sustenta totalmente en esos dos aspectos: guión e intérpretes. James Foley no añade nada destacable a la película, ni una visión personal ni ningún aspecto técnico reseñable. Fotografía, banda sonora, montaje, planificación... todo es correcto y funcional, pero nada más. Al menos ha logrado junto a David Mamet que la adaptación de la obra no parezca simplemente una obra de teatro interpretada en un decorado de cine.

Todos hemos sufrido alguna vez esas lacras de la sociedad actual. La competición continua, la falta de escrúpulos para triunfar en el trabajo, la degradación por parte de los superiores a los cuales poco les importan sus empleados, etc. Incluso en el colegio vi situaciones parecidas: premios a los mejores compañeros, listas de chicas más guapas... Esas características ya no son solamente aplicables al mundo laboral masculino, sino que se extienden a otros como el infantil o el femenino, y la cosa no parece tener límite. David Mamet tiene razón. En estos momentos todo tipo de despropósitos caben en un día trabajo.